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Comentario Carmina y Amén (Paco León, 2014).

Ficha técnica
Director: Paco León
Reparto: Carmina Barrios, María León, Paco Casaus, Yolanda Ramos, Estefanía de los Santos, Manolo Solo.

En Carmina y Amen, vemos a una mujer que actúa con frialdad ante la muerte de su marido, por la confusión o tal vez no, en la toma de una medicación para su esquizofrenia. Una mujer que no pierde los nervios ante las diferentes situaciones que se le presentan con los vecinos, la familia y la imaginación, que a veces le juega malas pasadas.
Expresa a su hija que es mejor no dar parte de la muerte de su marido, para poder cobrar la pensión el lunes, el día del cobro. María, su hija, se sorprende, pero lo acepta. Sale de casa porque está en proceso de obras en su centro de estética. Centro que será ocupado por una pareja, que se irá tras la visita del hijo de Camina, algo agresivo.

Se incluye en la historia, en tono cómico, la presencia de un pájaro, al que Carmina llama Bárcenas, por el escándalo de sus papeles y sobres del partido del que fue tesorero. Criatura con la que habla y le dice: “¿Qué has hecho con los sobres? Coño, ¿qué has hecho tú con los sobres? Que has dejado a media España sin un duro, más pelada que un nabo. Mangante. Ahí, a la cárcel, coño, a cumplir tu condena”. Aquí, podemos apreciar esa referencia política, mientras lo introduce en la jaula.

Lo importante de esta historia está en el final, cuando después del entierro del esposo, se arregla para salir por la noche, con un muchacho africano. No es recomendable contar el final de una película antes de que los espectadores la vean, pero en este caso, es imprescindible para entender muchos detalles que se producen a lo largo de la narración. Cualquiera, acostumbrado a la típica historia americana, pensaría con prejuicios, podría pensar, a priori, “vaya tía, que con su marido recién muerto sale de marcha, piensa en su paga, no tiene corazón”. Nos rompe los esquemas, de ahí que sea necesario ver una película sin prototipos de historias parecidas. Pero, mientras cenan en el restaurante, charla con el muchacho y se da cuenta de su situación. Por lo que, se extrae unos dientes, de oro, que le hizo un dentista, así lo puede vender y pagar la matrícula de la universidad. El chico le comenta que son sus muelas, para comer… Sin embargo, a continuación, Carmina le expresa unas palabras que nos dejan atónitos, estupefactos: “Yo ya no lo voy a necesitar, ¿tú sabes lo que yo tengo? Yo tengo un cáncer de pulmón, en fase IV, con metástasis, y hepática renal. Lo que quiere decir que tengo un cáncer que me coge de arriba abajo. Yo le dije al médico ¿y esto tiene solución? Y me dijo que solución no tenía, porque estaba muy avanzado, que lo único que me podía era un poquito alargar la vida. Poniéndome la quimio, y que hablase con mi familia, y que por supuesto dejase de fumar. Entonces le dije ¿y si no me lo hago? Y dice pues entonces, esto va rápido. Digo pues ya está. A mi Antonio ya lo he mandado ya a que me coja sitio. Mi María ya tiene la peluquería solucionada. El ocaso está pagado. El problema de mi Ale ya me lo he encomendado a San Judas Tadeo […]”. Tras esto, podemos entender el porqué de sus sucesivos vómitos de sangre, tanto en la cocina como en el baño. Preparar todo meticulosamente para que su hija no tenga ningún problema, como dejar los sobres preparados en el cajón para pagar el seguro, la luz del bar, el dinero para la obra del centro de estética…, y decir a su hija donde se encuentran si le pasara algo algún día.

Palabras que nos muestran que tenemos a una mujer con gran entereza, que piensa en todo para ayudar a su familia en lo que pueda antes de irse. Su marido estaba enfermo, de manera que si no lo hacía, iba a dejarlo en manos de su hija, quien a su vez, tenía una niña. Y dado, que no vemos a su pareja en toda la historia, ni habla del padre de la criatura y no sabe con quién dejarla para no llevarla a casa del abuelo, muerto, podemos suponer que es madre soltera.

Observamos, también, en la historia, un caso parecido, como es el de su vecina, cuyo hijo tiene 30 años y está enfermo. Debe estar las 24 horas del día pendiente de él, y por sus palabras podemos sospechar que su marido murió hace unos meses. Se encuentra desesperada, sin vida personal, desesperanzada y desilusionada. Expresa que uno de estos días va a hacer una locura, porque el día que ella falte ese niño no podrá sobrevivir.

Situaciones que muestran la realidad en la que estamos viviendo actualmente, personas mayores que no quieren ser una carga para sus hijos, porque la realidad es dura y en los trabajos, mayormente precarios, mal pagados y pésimas condiciones, se aprovechan de cualquier ausencia para despedirlos; madres cuyo hijos tienen enfermedades de gran dependencia y tienen que sobrevivir sin apenas ayudas del Estado, sin tener vida personal, lo que resulta un gran problema emocional; madres solteras que deben sacar a sus hijos adelante con ayuda de la familia; personas que se aprovechan del dinero de los demás (como la vecina cuando se ofrece a pagarle la luz por el cajero y luego se lo niega en su cara); violencia (como esta vecina, que se siente avasallada por mucha gente y la oímos gritar desde su casa “no por favor […]; los problemas de la casa real y las corruptelas de los políticos y personajes públicos (como el caso de Urdangarín, Bárcenas); el uso de drogas para combatir los malestares de algunas dolencias; desahucios.

Una historia sorprendente, con final desconcertante, pero con algunos puntos graciosos, como la señora que durante la vela que comenta que tiene a Doña Sofía añadida a Skype y le dijo que fuese a Sevilla. Y, los hombres que acuden a darles el pésame, de los cuales uno de ellos expresa: “se está muriendo gente que no se ha muerto nunca”.

Os adjunto algunas escenas de la película:

Comentario A contra cuerpo

“A contracuerpo” es un cortometraje español escrito y dirigido por Eduardo Chapero-Jackson. Protagonizado por Macarena Gómez.  Este cortometraje forma parte de una trilogía llamada “A contraluz”, en la que también forma parte otros cortometrajes: “Alumbramiento” y “The end”, enfocados desde otra temática, y que, igual que este, merece la pena verlos ya que son muy interesantes, tanto desde el punto de vista argumental como desde el punto de vista del análisis audiovisual.

En este cortometraje vemos perfectamente reflejado el tema de la anorexia. Problema que en los últimos años afecta tanto a mujeres como hombres, obsesionados por convertirse en el prototipo físico que la sociedad en general y los medios de comunicación nos “imponen” para formar parte del “canon de belleza”.

El argumento no nos muestra más que una chica obsesionada con caber en un maniquí. Un maniquí con las medidas exactas que debe conseguir: 90-60-90. Medidas a las que ella se propone llegar para ser lo que los demás le han impuesto desde niña. Medidas, que queramos o no, hay que seguir para pertenecer el canon del belleza social. Belleza que aunque se puede tener, pero si además se tiene algún defecto físico, se repudia, se menosprecia y se termina desechando como si fuera una piltrafa.

A lo largo de la obra no oímos palabra. Como se suele decir “una imagen vale más que mil palabras”. No nos hace falta la voz para reflejar mejor el mensaje que nos quiere transmitir el director. Las palabras sobrarían en esta historia. Las imágenes nos conmueven, las lágrimas sabemos por qué se producen. Al ver ese cuerpo, endeble, con todas las costillas marcadas, casi muerta en vida, sin fuerzas,  su estado de soledad, sin nadie que esté con ella apoyándola.  Podemos percibir perfectamente que está sufriendo y entramos igualmente en ese estado de malestar tal que se nos cae el mundo encima.

El cortometraje muestra sobre todo primeros planos de la protagonista. Primeros planos que nos introducen en su mundo, nos meten en su mente, su vida, sus sentimientos, sus emociones. Y así, que el espectador sienta lo que está sintiendo ella en ese momento de su vida, además de lo que sintió cuando fue niña, como bien vemos en la serie de fotografías que se suceden.  A esto, acompaña que la sucesión de las imágenes se produce de forma muy lenta y pausada,  planos cortos y cerrados con cámara fija en ocasiones, para que el espectador se pueda parar y entrar en su vida. El espectador va entrando en un estado de suspense, nerviosismo por saber cómo terminará la historia, qué le pasará a la protagonista.

En muchos momentos del corto vemos un tono azulado. Un tono azulado, que como color frío, nos muestra esa frialdad de la sociedad que la ha humillado tanto. Esa sociedad que se deja llevar por el canon de belleza que le ha querido imponer toda su vida.  Esa sociedad sin sentimientos que la ha hecho llorar. Esa sociedad hipócrita que un día te quiere por cómo eres y otro día te tira a la basura.

Es muy significante la imagen del rostro de la protagonista: de sufrimiento, dolor, sentimiento de culpabilidad… que a diferencia del rostro de los demás personajes, como bien las mujeres de la tienda, que presentan un rostro frío, indiferente, un rostro que al final interpretamos como “este maniquí ya no lo queremos porque tiene una tara, que nos traigan otro”.

Así es la sociedad, hoy nos valora si somos como imponen, mañana nos desprecian, si no somos como desean.  Y esto seguirá así, si los medios de comunicación en general no dejan de discriminar a quienes tienen un defecto. Sin la correcta lectura de los medios de comunicación y la alfabetización mediática desde el colegio, los menores llegarán a ser mayores siendo los mismos que han estado siendo hasta ahora: imponiendo su canon de belleza en la sociedad y haciendo que quienes no sean como ellos, sigan padeciendo ese trauma psicológico, que en muchas ocasiones les llevará a la muerte natural o psicológica.

La comunicación no verbal

Actualmente, partiendo de la psicología de la comunicación, los planteamientos de un lenguaje no verbal se han sustituidos por otra serie de conceptos como: comunicación no verbal, conducta no verbal, comportamiento no verbal.

Podríamos hacer una clasificación acerca de los tipos de comunicación no verbal de forma más descriptiva. Una clasificación en la que se establecen tres categorías de señales no verbales:

-La kinesia, que se refiere a conductas relativas al movimiento corporal.

-La paralingüística, que tiene que ver con conductas que impliquen el uso de la voz.

-La proxémica, referida a conductas en las que intervienen el espacio.

Podemos añadir también como una categoría más, el estudio del color. A causa de la existencia de importantes investigaciones sobre la psicología del colores y sus dimensiones comunicativas.

La kinesia agrupa aquellos elementos no verbales que implican el movimiento del cuerpo, entre los que encontramos la postura corporal, los gestos, miradas, expresiones faciales, aspecto externo. Los elementos de la kinesia se deben analizar y entender en función del contexto en el que se producen.

En este apartado tenemos por ejemplo:

1. La postura corporal. La postura corporal conlleva la disposición del cuerpo y sus partes. La orientación de un elemento del cuerpo con otro o con el cuerpo en su conjunto.

2. Los gestos, son movimientos breves de una o varias partes del cuerpo que se pueden analizar de diferente manera.

Podemos establecer varias categorías de gestos, como:

Emblemas y gestos simbólicos, tales como las siglas OK, el gesto de una persona que hace autostop, asentir o negar con la cabeza, una peseta con el dedo.

Ilustradores, gestos que acompañan de forma sincrónica a la palabra con el objetivo de clarificar o completar el discurso de una persona. Como señalar con un dedo el lugar u objeto sobre lo que se habla, indicar con las manos las dimensiones del objeto al que se refiere.

Reguladores, que sirven para controlar la interacción producida en una comunicación verbal. Aunque a veces ni el hablante ni el oyente son conscientes de su ejecución. Determinados movimientos con la cabeza o la mirada ayudan a regular un turno de palabra. Movimientos verticales y rápidos con la cabeza pueden indicar “date prisa y termina”, o “siga hablando”… en función del contexto.

Expresiones emocionales, que se expresan a través de la cara y el cuerpo. Tiene como objetivo hacer evidente un determinado estado emocional. La manifestación de afectos puede ser el resultado de un acto espontáneo o de estar motivado por una intención social del emisor.

Adaptadores, gestos aprendidos, sobre todo desde la infancia, que reflejan el esfuerzo personal para acomodarse a una necesidad concreta o controlar un estado emocional. Tiene una función de autorregulación, o sea, ayudan a la persona a controlar su nivel de adaptación general. Por ejemplo, una persona ante determinados estados de nerviosismo, cansancio, ansiedad… puede ejecutar determinados gestos inconscientemente, como frotarse, rascarse, mover continuamente las manos… gestos reconocidos por otras personas de su alrededor como propios de esa persona ante situaciones determinadas.

3. Las expresiones faciales, son comportamientos no verbales que se manifiestan sobre todo mediante movimientos del rostro, expresando una situación emocional o afectiva.  Teniendo en cuenta a Ekman, que defiende la existencia de seis expresiones faciales universales e innatas, alegría, ira, miedo, tristeza, sorpresa y asco. Expresiones que pueden ser ocultadas o sustituidas en ocasiones donde no sea conveniente hacerles evidentes

4. La mirada, no solo los diferentes movimientos del ojo, también tienen que ver con su potencialidad de transmitir información. La mirada tiene la capacidad de proyectar algo más en la expresión psicológica.  Como la muestra del grado de atención o interés ante algo, regular el turno de palabra, expresar emociones y establecer jerarquías, la mirada también puede acompañar a los gestos manuales.

5. El aspecto externo, cuando interaccionamos con una persona no podemos evitar fijarnos en su aspecto externo y en la ropa que porta. Estos elementos están más bien asociados al cuerpo, no deberían incluirse en la kinesia, pero aportan datos informativos que ayudan a conformar un juicio sobre esa persona.

La paralingüística, estudia los elementos no verbales tales como las características acústicas, en las que encontramos la entonación, el ritmo… que acompañan a la voz.

A partir de esto, podemos establecer dos categorías:

1. La prosódica, compuesta por aquellos elementos que aparecen solo en determinadas ocasiones a lo largo del discurso hablado. Como por ejemplo el énfasis, las pausas, entonación, inflexiones de la voz. Tienen la función de regular el ritmo del discurso.

2- El paralenguaje, lo componen una serie de elementos que acompañan de forma continua a la emisión de la voz y confieren una caracterización general al discurso. En este apartado se encuentran el volumen de la voz, el tono, la duración del discurso, la velocidad de emisión durante el discurso.

Estas dos categorías se combinan correctamente con el lenguaje verbal para obtener una serie de funciones, entre las que se encuentran: propiciar el desarrollo de un intercambio verbal coherente, ayudar a matizar y clarificar el sentido de las palabras con ciertos elementos prosódicos y paralingüísticos, como lo son la entonación o el ritmo.

Ciertas características acústicas del habla pueden ser sensibles a las alteraciones del estado de ánimo y emocional de la persona. Pueden hacer evidente un estado ansioso y con ello elevar el tono y la agudeza de su voz.

La actitud de una persona ante otra puede hacerse evidente a partir de los cambios que experimenta su modo de hablar durante una conversación, como tartamudeo que puede indicar nerviosismo.

La proxémica, es una parte de la Semiótica que se ocupa de analizar la utilización que el hombre hace del espacio. La forma cómo las personas perciben y usan el espacio con los demás está determinado por la cultura. Las normas culturales hacen que las personas utilicen diferentes formas en el protocolo social y en la interacción pública. Podemos observar como en la cultura mediterránea existe más proximidad y contacto físico a la hora de mantener una conversación y en la vida social, a diferencia de los países nórdicos y anglosajones. El espacio es un elemento que está muy presente en la interacción social, pero no siempre somos consciente de ello y del significado que le acompaña,  como afirma Hall “un lenguaje silencioso”, que se puede hacer notar en aquellos momentos en los que sufre perturbaciones.

Se pueden distinguir los espacios en sociópetas y sociófugos. Los espacios sociópetas son aquellos que favorecen la interacción y la comunicación entre las personas presentes. Por ejemplo la disposición de las mesas y sillas en un bar. Los lugares sociofugos estimulan la separación de las personas, como las salas de espera de un transporte público. La distancia de interacción adquiere un alto significado comunicativo. Por ello se han descrito cuatro categorías de la experiencia espacial, como son: distancia íntima, distancia personal, distancia social y distancia pública.

El color es una parte inseparable del mundo que nos rodea. Puede llegar a tener una gran influencia en la vida psíquica y emocional de las personas. Presente en cada momento de nuestra vida diaria e influye en la manera de sentir y percibir el ambiente. A veces, el color nos induce a la tranquilidad, excitación… y también puede ser importante para la elección de un producto comercial. Podemos obtener datos relativos a la personalidad de un sujeto.

Lüscher señala varios tipos de colores, entre los que tenemos los colores primarios, que representan las necesidades psicológicas fundamentales de la persona: satisfacción, afecto, éxito, autoafirmación, entre los que tenemos el azul oscuro, verde azulado, rojo, amarillo. Luego tenemos otra sección de colores, los auxiliares, que representan las actitudes negativas, según Lüscher, y su significado puede variar en función de la pareja que se haya seleccionado: gris, violeta, marrón, negro.

Las funciones asignadas a la comunicación no verbal son la de control social. Responde a un interés de la persona por influir de forma deliberada e intencionada sobre los demás.  Su último objetivo es modificar la conducta de una persona o provocarle determinadas reacciones, como el estatus jerárquico, la persuasión, retroalimentación-refuerzo, engaño, control y uso de impresiones.

El grado de intimidad de una relación va a determinar el intercambio de señales no verbales que se producen entre dos sujetos que mantienen una conversación.

En definitiva, la comunicación no verbal constituye una parte inseparable del proceso de interacción con los demás. Las diferentes señales que conforman la comunicación no verbal pueden variar en su significación, informativa o comunicativa, dependiendo del tipo de señal, del contexto en que se produce y de la interpretación de los interlocutores. Pero no siempre en una comunicación interpersonal, se es consciente de las señales no verbales que expresan el emisor y el receptor del mensaje.

La comunicación no verbal es llevada a cabo por los políticos en sus apariciones públicas. Con sus comportamientos, gestos, formas de hablar, gesticular, vestirse, apariencia… podemos empatizar más o menos y nos pueden dar más o menos confianza. Ahora bien, una cuestión es que los políticos hagan un mejor o peor uso de la comunicación no verbal, y otra cosa que venda mejor o peor una determinada política a la sociedad. Algunos grandes políticos españoles, cuando hablan, no generan ni un poco de confianza y a la gente no le gusta la ideología que defienden ni la sociedad que quieren convertir nuestro país, pero se dejan llevar por las promesas y más promesas, aunque en el fondo saben que no van a cumplir, pero piensan que la seriedad se demuestra prometiendo mucho, aunque no correspondan a esa ideología. Otros grandes políticos dan mucha más confianza al hablar y al comportarse socialmente, pero la economía y el país en general se les ha ido de las manos y no lo pueden controlar.

En definitiva, la comunicación no verbal es importante para saber a quién dejamos en presidencia para que nos gobierne, nos da muchas pistas sobre el político que tomará las riendas del asunto, lo que hará con el país, la ideología que defiende y ha defendido, pretendiendo ocultar con falsas promesas.

Bibliografía:

Félix Moral y Juan José Igartua. Psicología social de la comunicación. Aspectos teóricos y prácticos. Ediciones Aljibe.

La espiral del silencio

El concepto de “espiral del silencio” tiene su origen en la teoría sobre la opinión pública desarrollada por Noelle-Neumann (1974, 1984, 1991). Implica la interacción de cuatro elementos fundamentales: los medios, las opiniones y creencias personales, la comunicación interpersonal, y las relaciones sociales. Se trata de la red de relaciones que tejen las opiniones de los individuos, donde los medios son una de las clave en su configuración.

La espiral del silencio alude a una concepción en la que:

-La sociedad impone unas tendencias mayoritarias de opinión haciendo difícil a los individuos aislarse.

-Los individuos tienden a evaluar el clima mayoritario de opinión como dominante, llegando a renunciar a sus opiniones propias, que tienden a quedarse apartadas.

-Las opiniones con mayor repercusión se escenifican cada vez más y las minoritarias cada vez menos, entrando en una especie de espiral silenciosa que se va agrandando poco a poco.

Por ello, Noelle-Neumann parte de la afirmación siguiente: Los individuos observan la realidad social y perciben ciertas tendencias o corrientes de opinión como mayoritarias. Este clima de opinión mayoritario hace que la gente se adhiera a él por miedo al aislamiento o rechazo social.

Noelle-Neumann afirma también que si una opinión es considerada dominante tiene muchas probabilidades de seguir siéndolo en el futuro. La opinión pública es clave para el cambio social: desde ella que se puede iniciar un proceso de esta naturaleza. Y aunque una opinión no gobierne en un momento dado, si esta más extendida, es decir, es mayoritaria, tiene muchas posibilidades de llegar a dominar o gobernar socialmente (de ahí la importancia y la repercusión social de trabajar en la opinión pública, como ha descubierto la clase política).

Lo percibido como dominante en valores y opiniones va incrementando. Y en ello desempeñan un papel decisivo los medios. Y junto a ello, la tendencia humana a la sociabilidad que hace que llegue a cuestionar sus propios puntos de vista para ajustarlos al dominante por temor al aislamiento o rechazo. Algo parecido a lo que ocurre en la presión de grupo sobre las opiniones de sus componentes pero de manera más extensa y colectiva. Los valores dominantes se imponen a la sociedad con la ayuda de los medios de comunicación.

Es importante recalcar que para analizar el papel desempeñado por los medios de comunicación en la formación de la opinión pública se debe recurrir a los planteamientos de la agenda-setting mediante cuestiones del tipo ¿qué temas privilegian o destacan los medios en detrimento de otros? Los medios intervienen en la formación y consolidación de opiniones apoyando unas tendencias y silenciando otras. Es decir, ofreciendo las opiniones dominantes, difundiendo aquellas que pueden mantenerse en público sin caer en el aislamiento. Todo ello mediante reglas mediáticas claras, como el tratamiento temático o la repetición de tópicos. Para Noelle-Neumann los medios más que anticipar o reflejar la opinión pública son creadores de opinión: su presión desencadena “sumisión, silencio”. Mediante la función de agenda-setting, los medios proporcionan los ladrillos para construir la opinión pública mediante sus representaciones, estereotipos y valores. Los medios se deleitan de un inmenso y extraordinario poder que les hace inmune a las críticas y generan impotencia en gran parte de la audiencia por la debilidad de los individuos ante el tamaño de su poder.

La espiral del silencio es una teoría muy interesante para explicar el modo en que se comportan los individuos con respecto a las corrientes mayoritarias, el conformismo social, el fortalecimiento de esas corrientes. El modo en que actúan el control social y la cohesión con la aportación de los medios de comunicación.

¿Qué ocurre con los innovadores, aquellos profesionales que encabezan e introducen ideas novedosas en todos los campos y al principio luchan a contracorriente? Artistas, científicos, pensadores y reformadores sociales han logrado introducir con el paso del tiempo, sus criterios para que la sociedad cambiara (por ejemplo, reformistas y revolucionarios por los derechos democráticos y sociales, líderes de trabajadores que propiciaron cambios laborales, mujeres que lucharon por el voto femenino o científicos como Galileo, Einstein, Darwin, Freud y otros, que revolucionaron el conocimiento). Si se desplaza el polo de atención desde los conformistas a los innovadores, la espiral del silencio deja bastantes vacíos.

Con la llegada de la crisis económica, muchas personas se están uniendo a la lucha por sus derechos y están dejando de ser conformistas y pasar a ser revolucionarios. Aunque todavía siguen habiendo demasiados que siguen siendo sumisos a la orden, aunque les estén estrangulando, quitando sus ahorros y formando parte de ese grupo esclavo del poder, pero al que se sienten indefensos para protestar, por miedo, ignorancia, pasotismo o sentirse solos en una lucha social confusa y con trabas económicas.

La naranja mecánica y el condicionamiento clásico

“La naranja mecánica” es una película dirigida por Stanley Kubrick. Gran repercusión social y ultraviolencia explícita y extrema caracterizan a esta película. Este filme no pudo ser visto en Reino Unido hasta después de que este director falleciese en 1999.

La historia comienza en un bar lácteo denominado Korova, en el que Álex, Pete, Georgie y el Lerdo consumen leche-plus, una leche con velocet, synthemesco o drencrom, que los prepara para recurrir al uso de la ultra violencia. Al salir de este bar, se encuentran a un señor por la calle al que proceden a golpear, le quitan la ropa y destrozan sus libros, sin ningún motivo aparente, robándole su dinero y utilizándolo para comprar alcohol.

Paseando cerca de una central eléctrica, hayan a cinco muchachos intentando violar a una joven, pero no les llama la atención hasta que descubren que se trata de una pandilla rival cuyo cabecilla es Bilyboy. Ambos grupos comienzan una pelea y la joven huye asustada.

Luego, el grupo inicialmente descrito consigue entrar en una lujosa vivienda, donde golpean a un señor mayor, lo atan y posteriormente violan a su esposa. Tras la agitada noche, retornan al bar lácteo como si nada hubiese pasado, donde se produce una discusión entre los jóvenes, porque Álex golpeó al Lerdo al insultar a una chica que estaba cantando la Oda a la Alegría de Friedrich Schiller, junto a la música de Ludwig van Beethoven. A la mañana siguiente, un asesor postcorrectivo interroga a Álex amenazándolo con que lo agarrarán pronto. Al salir de aquí, se dirige a un local donde venden material musical, y a la vez que espera, observa a dos niñas menores, de unos 10 años, comprando música pop, a quienes coge y las lleva a su casa, las emborracha y las viola. Posteriormente, sus dragos lo atacan por el papel de líder que ha asumido y les responde con una paliza para mostrar su liderazgo. Entre todos, lo convencen para entrar en una casa en la que vive una mujer con mucho dinero y amante de los gatos. El joven entra y se enfrenta a ella llevándola a la muerte con una estatua con forma de pene que decora la casa. Salen corriendo del lugar, dejando a Álex que será capturado por la policía. No obstante, aunque sea de corta edad, entra a prisión. Aquí, se une a una ideología religiosa y así tener acceso al equipo de sonido para oír música clásica.  Al estar un par de años en la cárcel, destaca por su buen comportamiento y tras recibir una visita del ministro del interior del país, se ofrece voluntario para recibir un tratamiento psicológico llamado Ludovico.

Para experimentar con este tratamiento, es llevado a un recinto donde tiene todo tipo de comodidades. Le inyectan un medicamento que le induce a vomitar tras cada comida. Luego es llevado a una sala amplia, una especie de sala de cine, donde observa en una pantalla una serie de imágenes de ultra violencia, con música clásica de fondo. A causa del tratamiento que le inyectan, asocia la sensación de malestar con los vídeos que le exhiben de ultra violencia y la música clásica. Por tanto, la violencia y la música de Beethoven le producen un gran malestar emocional.

Tras todo esto, es liberado de la cárcel. Vuelve a su casa, pero sus padres parecen que lo han sustituido por un inquilino, a quien aparentemente parecen querer más que a su propio hijo. Por tanto, decide irse de su hogar y camina por las calles sin rumbo fijo. Se encuentra a un mendigo a quien él no conoce, pero Álex es reconocido por el mendigo, y tanto éste como quienes lo acompañan lo golpean hasta que llega la policía.  No obstante, los policías que llegan son más que conocidos para él: se trata de sus ex amigos, el Lerdo y Billyboy, quienes lo llevan a un bosque y le propinan una paliza, hasta que casi lo ahoga.

Así pues, Álex busca un lugar en el que le presten socorro y encuentra la misma casa del principio, donde vivía el señor a quien violentó tiempo atrás, que estaba en silla de ruedas.  El joven, muy bien recibido por el escritor, quien no lo reconoce en un principio, es descubierto cuando canta en la bañera la misma canción que tarareó cuando violaba a su esposa años atrás. Por tanto, le da de beber un vino con medicación, para dejarlo dormido y llevarlo al desván.

Tanto el escritor, como otros sujetos relacionados con la campaña de desprestigio al gobierno, usan la música de Beethoven para que el chico se suicide tirándose desde el desván y culpar así al gobierno de los métodos de re-educación a los que Álex fue sometido durante el tiempo que estuvo en prisión, para que el actual gobernante no sea reeligido.

Precisamente la película se caracteriza por extremas y perspectivas audacias de experimentación formal: acelera y ralentiza el tiempo de la historia, utiliza varias veces la cámara en mano, recurre al collage, incluyendo fragmentos de otras películas, anticipa la técnica del videoclip y engendra el género de las películas ultra violentas. Además, el sonido es utilizado de forma importante para ser asociado a determinados estímulos en el protagonista, a la vez que mueve emociones e impacta al espectador de alguna manera.

El trasfondo trascedental más importante que esta película plantea es el uso de una técnica psicológica para cambiar un comportamiento de un ser humano. La técnica de Ludovico, tal como es nombrada y presentada en los medios de comunicación en la obra cinematográfica, es un tratamiento basado en el condicionamiento clásico.  Tratamiento que consiste en equiparar un estímulo incondicionado: una droga que produce vómitos, con un estímulo condicionado como lo son una serie de imágenes sexuales y de ultra violencia. En definitiva, la presentación del estímulo condicionado, las imágenes, y la música asociada a ellas provoca esa respuesta condicionada como supone ese malestar físico. De manera que Álex consigue curarse del tratamiento gracias a un proceso denominado Inundación (flooding): al presentarse la música clásica, sin haber tomado la droga, la respuesta de malestar físico se extingue.

Hay diferentes tipos de violencia que se puede ejercer, como por ejemplo: persona-persona, persona-grupo, persona-Estado, Estado-persona, Estado-grupo, Estado-Estado. Aquí vemos en un principio, que Álex emprende la violencia con personas anónimas, luego con grupos, pero después el rol se cambia y son otras personas quienes ejercen la violencia contra él. Hasta que posteriormente es el Estado quien ejerce contra él la violencia, imponiéndole la condena en prisión y la violencia que ejercen a la hora de realizar el tratamiento conductual: camisa de fuerza y visionar imágenes violentas que se iban sucediendo en la pantalla de la sala.

Nos encontramos ante una película que puede no ser agradable para el espectador convencional, como consecuencia de recursos visuales para la presentación de tan excesiva violencia y el uso de la psicología conductual para el cambio de actitudes mediante las técnicas del condicionamiento clásico de Pavlov.

Análisis del discurso televisivo

La televisión es un medio de comunicación de masas. Genera información, que puede ser creada en directo o diferido. Transmite de forma sincrónica sonidos e imágenes para su recepción simultánea. Este medio vehicula programas que puede ser de diferentes modalidades como la educación, la información y el entretenimiento, reconducidos a través del espectáculo.  La recepción de la información se produce a través del hogar sintetizándose con estas características mencionadas por Roman Gubern: carácter gratuito como generador de audiencia, carácter familiar, televisor como centro que articula la vida familiar, fomento del sedentarismo, poder de adicción.  La televisión incorpora gran variedad de géneros narrativos como mesas redondas, magazines, informativos, concursos, programas didácticos…además tener en consideración la presencia del directo.  Algunos teóricos del mundo de la comunicación sugieren que determinadas imágenes sean transmitidas a determinadas horas para ser recibidas por un público que se encuentra en condiciones psicosociológicas distintas. El emisor organiza en su mente el mensaje televisual a través de los códigos propios de la cultura social dominante que intenta reforzar, pero ciertos espectadores realizan una lectura no prevista por el discurso.  La televisión elimina toda actividad del espectador. La realidad se disfraza, es filtrada, descontextualizada, reorganizada.

Como hemos dicho anteriormente, algunos teóricos recomiendan que ciertas imágenes no sean vistas por un público en condiciones psicosociológicias diferentes al público en general. Esto es defendido en la Ley 7/2010, de 31 de marzo, General de la Comunicación Audiovisual. Muy pocas cadenas televisivas, por no decir ninguna,  tienen en cuenta esta ley a la hora de programar sus contenidos audiovisuales, ya que podemos ver en numerosas ocasiones infracciones de este tipo:

El artículo 57 señala como muy graves:

-La emisión de contenidos que de forma manifiesta fomenten el odio, el desprecio o la discriminación por motivos de nacimiento, raza, sexo, religión, nacionalidad, opinión o cualquier otra circunstancia personal o social.  Aquí vemos como en series de algunos de los canales líderes de audiencia, los personajes fomentan el odio a los inmigrantes y por razón de sexo.

-La emisión de comunicaciones comerciales que vulneren la dignidad humana o utilicen la imagen de la mujer con carácter vejatorio o discriminatorio. Esto lo vemos en un anuncio que últimamente está muy de moda porque ha sido denunciado por entidades que respetan los derechos y la dignidad de los usuarios, como es el caso de “P&G siempre apoyando a las madres”, donde se delega exclusivamente en las mujeres la obligación al cuidado de la casa. U otros anuncios de perfumes conocidos en los que utilizan a la mujer como objeto sexual del hombre.

Aparte de todo esto, la ley nos habla de los Derechos del menor, entre los cuales se encuentran:

1. Los menores tienen el derecho a que su imagen y voz no sean utilizadas en los servicios de comunicación audiovisual sin su consentimiento o el de su representante legal. En todo caso, está prohibida la difusión del nombre, la imagen u otros datos que permitan la identificación de los menores en el contexto de hechos delictivos o emisiones que discutan su tutela o filiación.

Este apartado lo vemos en muchas noticias de la prensa rosa, cuando discuten la filiación de algún menor de edad hijo de famoso.

2. Está prohibida la emisión de contenidos audiovisuales que puedan perjudicar seriamente el desarrollo físico, mental o moral de los menores, y, en particular, la de aquellos programas que incluyan escenas de pornografía, maltrato, violencia de género o violencia gratuita. Este apartado lo vemos en series como “Juego de tronos” en la que aparece menores siendo testigos de escenas sexuales violentas, marcada para mayores de 16 años colocada en la parrilla programática a las 22:00 horas, cuando este horario es para mayores de 18 años.

Aquellos otros contenidos que puedan resultar perjudiciales para el desarrollo físico, mental o moral de los menores solo podrán emitirse en abierto entre las 22 y las 6 horas, debiendo ir siempre precedidos por un aviso acústico y visual, según los criterios que fije la autoridad audiovisual competente.

Se establecen tres franjas horarias consideradas de protección reforzada, tomando como referencia el horario peninsular: entre las 8 y las 9 horas y entre las 17 y las 20 horas, en el caso de días laborables, y entre las 9 y las 12 horas sábados, domingos y fiestas de ámbito estatal. Los contenidos calificados como recomendados para mayores de 13 años deberán emitirse fuera de esas franjas horarias, manteniendo a lo largo de la emisión del programa que los incluye el indicativo visual de su calificación por edades.

Será de aplicación la franja de protección horaria de sábados y domingos a los siguientes días: 1 y 6 de enero, viernes santo, 1 de mayo, 12 de octubre, 1 de noviembre y 6, 8 y 25 de diciembre.

Todos los prestadores de servicios de comunicación audiovisual televisiva utilizarán, para la clasificación por edades de sus contenidos, una codificación digital que permita el ejercicio del control parental.

En horario de protección al menor, los prestadores del servicio de comunicación audiovisual no podrán insertar comunicaciones comerciales que promuevan el culto al cuerpo y el rechazo a la autoimagen, tales como productos adelgazantes, intervenciones quirúrgicas o tratamientos de estética, que apelen al rechazo social por la condición física, o al éxito debido a factores de peso o estética.

3. Las comunicaciones comerciales no deberán producir perjuicio moral o físico a los menores. En consecuencia tendrán las siguientes limitaciones:

-No deben incitar directamente a los menores a la compra o arrendamiento de productos o servicios aprovechando su inexperiencia o credulidad.

-No deben animar directamente a los menores a que persuadan a sus padres o terceros para que compren bienes o servicios publicitados.

-No deben incitar conductas que favorezcan la desigualdad entre hombres y mujeres.

-Las comunicaciones comerciales sobre productos especialmente dirigidos a menores, como los juguetes, no deberán inducir a error sobre las características de los mismos, ni sobre su seguridad, ni tampoco sobre la capacidad y aptitudes necesarias en el menor para utilizarlas sin producir daño para sí o a terceros.

Vemos que todas estas limitaciones las ignoran, contenidos comerciales de niños y niñas relacionadas con juguetes que inducen a la discriminación, desigualdad entre niños y niñas, machismo, sexismo, que incitan a la compra de los mismos aprovechándose de la falta de experiencia de los menores de edad para que convenzan a sus padres hacia la compra de determinados productos de ocio.

Con todo ello, es importante tener en cuenta que la televisión en sí, como medio de comunicación, no es mala ni nociva, solo hay que saber utilizarla a la hora de tratar con menores de edad,  ya que genera peligros en su mente y su forma de vida, afectándole de forma negativa a largo plazo.

Fuentes:

Umberto Eco: “Apocalípticos e integrados”.

Ignacio Ramonet: “Cómo nos venden la moto”.

Ley 7/2010, de 31 de marzo, General de la Comunicación Audiovisual.

Análisis de El Show de Truman

“El show de Truman” es una película dirigida por Peter Weir, protagonizada por Jim Carrey y Ed Harris. Una historia que gira alrededor del programa de televisión “The Truman Show”.

Gran parte de la sociedad está siendo testigo de cada acontecimiento de la vida de Truman, de cada experiencia, cada momento privado con su pareja.  Su vida está siendo filmada a través de cámaras ocultas, durante 24 horas que tiene un día. Los espectadores son conscientes de su comportamiento y captan las emociones de todas las situaciones que él vive.  El productor del show controla todos sus movimientos. Introduce toda una serie de actores a lo largo de su vida.  Truman está siendo objeto de un experimento, creado por el productor, condicionando su vida mediante diferentes miedos y culpa.

Una noche inesperada, Truman logra escapar por un túnel secreto y el productor suspende la emisión. Cada miembro de la producción inicia una búsqueda por toda la localidad. Truman intenta huir en barco, el productor toma la decisión de actuar provocando tormenta apelando así al miedo que le creó siendo niño, pero el barco choca contra una pared y Truman descubre un tramo con unas escaleras donde pone “Salida”. Se percata que está en un mundo artificial paralelo a la realidad, y decide salir.

Desde el punto de filosófico, podemos establecer similitudes con el mito de la caverna de Platón, en el que el prisionero es Truman, que no tiene conocimiento de otro mundo más que el que está viviendo, el escenario es su vida, con tiene cierto miedo a salir de él, por desconocimiento o miedo.

El protagonista se encuentra bien con el mundo que otros le han fundado y se piensa más de dos veces el salir de él.  Su propia familia es mentira,  cada experiencia es creada de forma intencionada para limitar su forma de ser y su personalidad.

Actualmente, podemos establecer similitudes con programas de este tipo de show en la televisión actual, como es el ejemplo de “Gran Hermano”, gran parte de la sociedad es testigo de cada momento, de todo lo que ocurre en cada rincón de la casa. La privacidad de los personajes, al ser grabada, deja de ser privada,  pasando a ser pública, imágenes de dominio público, que serán vistas por todo el país, que afectarán a sus vidas.

Así se encuentran muchas personas en la actualidad, dentro de una caverna, una cueva, de la que no pueden salir al ser dominada por el mando político y sentirse indefensos para  plantarles cara a la sociedad dominante, que tiene a tantas personas con la boca cerrada y las manos atadas, por el poder del dinero, censurando y prohibiendo injustamente todo tipo de actuaciones sociales en defensa de los derechos de la sociedad.

Asesinos natos, Oliver Stone

“Asesinos natos” es una película dirigida por Oliver Stone, protagonizada por Woody Harrelson y Juliette Lewid. El guión original fue escrito por Tarantino y posteriormente revisado por Stone y otros guionistas.  Sin embargo, Tarantino no aceptó las revisiones realizadas por los otros guionistas y pidió ser borrado como guionista de la película, y en los créditos solo vemos “Historia de…”

Esta película se estrenó con escenas censuradas en Argentina, Australia, Bélgica, Canadá, Chile, Finlandia, Francia, Alemania, Islandia, México, Irlanda (anteriormente  prohibida), Holanda, Noruega, Japón, Portugal, Corea del Sur, España, Suecia, Inglaterra y Estados Unidos.

El centro de atención de la historia es el dúo formado por Mickey y Mallory junto al periodista Wayne Gale. La película intenta reflejar la forma en que los crímenes son contados por los medios de comunicación, y la manera en que se alaban a los asesinos.

En este film vemos una amplia gama de ángulos de cámara, (puntos de vista, panorámicas…) filtros de color, lentes, efectos especiales e imágenes animadas de los personajes en forma de dibujitos o cómic. Mezcla de imágenes en blanco y negro y en color. Ralentización de imágenes, superposiciones de imágenes demasiado surrealistas (en un lado ellos en la habitación del hostal y en otro lado la ventana donde se van sucediendo una serie de imágenes con violencia contenida). Escenas sexuales macabras y violentas, tanto gráfica (humana y representaciones animadas) como en diálogos muy fuertes. También imágenes compuestas en postproducción para parecer sueños, el fuego entre una secuencia de imágenes y otras…

Vemos toda una serie de diálogos y comportamientos machistas, vocabularios obscenos, en más de una ocasión puede herir la sensibilidad de más de una persona, amenazas, comportamiento incestuoso en forma de humor. Podríamos decir que la violencia en alguna que otra ocasión está justificada por la educación recibida por parte del padre de la joven, los abusos sufridos que han hecho que tenga ese comportamiento tan agresivo y violento, que llega a fogarse mediante la venganza con todo el que se le pone por delante, así desatar su odio hacia la civilización y paliar su sufrimiento infantil, provocando terror masivo.

La gente los apoya a pesar de realizar asesinatos en masa.  Se muestran muy valientes para matar pero se asustan de la serpiente de cascabel que hay en la cabaña en la que se encuentran al señor indio. Parte de la película parece una visión televisiva. Algunas escenas son sátiras de programas de televisión satíricos de la época. Como por ejemplo, la escena en retrata con un tono satírico de intento de comedia la situación de familia desestructurada. Anuncios de televisión comunes aparecen a lo largo de la película, como el del oso abriendo la lata de Coca Cola.

Vemos lo que muchas veces pasa en la realidad, la televisión nos programa “lo que vende” a costa de lo que sea. Periodistas en directo relatando algunos de los asesinatos. Llegan a ser todo un fenómeno de masas de las televisiones, utilizándolos así para conseguir más audiencia en forma de “reality show”, grabando momentos en directo mientras Micky relata el por qué piensa así de la vida y de los seres humanos, cuando un periodista intenta llegar a su interior para dar respuesta a algunas de las preguntas que todos los ciudadanos pueden tener en sus mentes como son el por qué, para qué, qué les mueve hacer eso, si siente arrepentimiento… Sin embargo, obtenemos respuestas del tipo: “Es solo un asesinato, todas las criaturas lo hacen… mira en la selva”. Se compara con una criatura salvaje alejada de toda civilización y todas las normas de convivencia de un país, que simplemente mata para sobrevivir.  Se proclama él mismo “asesino nato de profesión”.

Compara esos hechos con los medios de comunicación, su funcionamiento y el modo que tienen de mostrar y vender la violencia. Después de todo esto, el periodista lo felicita fuera de cámara, intentando hacer su programa famoso a toda costa.

Mientras Micky cuenta un chiste, aprovecha la situación para quitarle el arma a un guardia de seguridad. Ambos asesinos tienen esa facilidad de palabra para convencer y cuando uno menos se lo imagina, aprovechan para matar. Micky y Mallory salen huyendo con “el periodista del año”, como se proclama él, para informar en directo de cada movimiento y cada momento de ambos, para así atraer toda la audiencia posible, y ser la estrella de la televisión,  pero lo matan a él también con el afán de matar a todo el que se encuentra a su paso y que nadie quede para contar su historia, pero al quedar la cámara queda la evidencia.

La historia plantea entre otras cosas,  la ética periodística, las audiencias a toda costa, el dinero para el poder, “vender” un producto a las masas y éstas seguir cada instante por el afán del morbo más que de la información de verdad en sí misma. Seguir a unos tristes personajes, que tienen ese afán de matar por negar su infancia y por obviar ese miedo interior hacia el mundo en forma de asesinatos macabros, escabrosos y repugnantes.

Esa es la sociedad que tenemos hoy en día, en la que se siguen programas del tipo reality show por el afán del morbo y ver qué pasa con unos personajillos que crean tanta expectación.

Los individuos de toda sociedad intentan ser diferentes unos de otros, y en este caso vemos que estos personajes, dementes criminales que buscan ser distintos de la sociedad civilizada. Al ahondar en temas como la moral, ética, valores humanos y principios, se toca un terreno algo oscuro, dado que cada individuo tiene sus propias percepciones de las diferentes filosofías de la vida, aceptadas o recriminadas a veces socialmente. Son conceptos manejables de forma muy distinta por las diferentes entidades sociales, como son el Estado, la Iglesia y los partidos políticos, manejando estas filosofías que pretender imponer socialmente y de esta forma manejar las mentes de la sociedad para que acepten sus imposiciones. En este sentido, los medios de comunicación tienen ese papel importante, ya que tienen la difícil tarea de difundir los dogmas que estos entes requieren para lograr dominar a las personas.

En el caso de estas personajes, funcionan como líderes sociales, que toda la sociedad mundial admira, por sus actos, su personalidad y sus comportamientos. Se puede comparar a las actuaciones de los grupos de manipulación coercitiva (a los que se suelen denominar sectas), líderes egocéntricos dementes, que hacen sus voluntades sin razonamiento ninguno, alejados de toda norma que rigen la conducta humana y los comportamientos sociales, proponiendo sus filosofías ilógicas, totalmente amorales, saliendo totalmente ilesos de las justicia, debido al poder mediático que ejercen.

Dentro de sus perfiles personales, podemos ver a dos individuos que se vengan de las injusticias sociales, sufridores de maltrato físico y psicológico desde niños, educación totalmente alejada de todos los preceptos sociales, personalidades explosivas, sin ningún tipo de concepto de lo que significa el respeto y vivir en sociedad, dado que nunca fue educado para vivir acorde a unos principios sociales. En el caso de la joven, hija de una prostituta, padre abusador que la agrede sexualmente y va creciendo con ese odio interior que va provocando que su actitud vaya creciendo a ser más violenta y agresiva en todos los sentidos. Forman esa pareja consagrada como asesinos en serie, famosa y carismática, que actúan con sangre fría, admirados por las masas sobre todo por los jóvenes. Conducta criminal que alaban los medios de comunicación, causando el efecto contrario, ya que adquieren esa fama y reconocimiento por  su ensalzamiento de la violencia y la agresión. Sin embargo, un psiquiatra comprueba que no son unos enfermos, sino unos psicópatas que conocen perfectamente lo bueno y lo malo, que se ve reflejado cuando asesinan por error al indio.

En definitiva, es una producción algo escabrosa, llena de humor negro, que puede herir la sensibilidad de más de una persona, la música es algo inquietante, el fuego entre secuencias y otras puede dar respuesta a que nos estemos encontrando en una situación infernal donde solo hay cabida para la violencia y la brutalidad, alejado de toda civilización y educación humana. Planteado todo desde la perspectiva de que los medios de comunicación son los que nos venden así las cosas, aprovechándose de la explosión mediática que producen, cogiendo cada factor social, como son la familia, la religión, la educación… todo esto se va viendo debilitado ante la televisión, cómo las personas aceptan un producto elaborado por este medio como algo que forma parte de su forma de vida cotidiana. Hacen del asesinato un fenómeno de masas mundial.

Las zapatillas rojas (Michael Powel, 1948).

Esta película está realizada en el año 1948 en Reino Unido, estrenada ese mismo año en plena post-guerra. Dirigida por Michael Powel y Emeric Pressburger. Consiguió dos Óscar, a la mejor dirección artística en color y a la mejor banda sonora. Directores como Brian de Palma y Martin Scorsese han incluido esta película entre sus preferidas.
Es una obra ambientada en el mundo del ballet, los sacrificios realizados para alcanzar una carrera de éxito. La historia utiliza el relato dentro del relato, denominado en las Teorías de la Comunicación Audiovisual como una forma de Intertextualidad.
El uso del Technicolor fue obra de la dirección de fotografía de Jack Cardiff, quien creó una cámara especial que permitía cambiar la velocidad de filmación mientras se rodaba, lo que le ayudó a producir la sensación de volatilidad en los bailarines de la obra, ya que podían permanecer más tiempo en el aire y así saltar más alto.
Una joven bailarina, se suma a una compañía y participa en el nuevo ballet denominado “Las zapatillas rojas”, basado en el cuento de Hans Christian Andersen. La muchacha se encuentra entre la espada y la pared entre dos hombres, un compositor y un empresario.
El ballet que da nombre a la película se basa en la historia de un vendedor de zapatos, que vende un par de zapatillas rojas de ballet a una muchacha que las ve en un escaparate, que al ponérselas no puede dejar de bailar. Su larga danza termina con su muerte, pero recuperando el vendedor las zapatillas para entregárselas a otra joven desconocida. El empresario que descubre el talento de la joven, la esclaviza al servicio del espectáculo. Tras un estreno, se consagra como artista y se enamora del compositor. Es ahí cuando duda sobre continuar con su carrera artística o renunciar a ella por el hombre que ama.
Desde el punto de vista técnico, durante todo el film vemos sobre todo planos generales y planos largos para situar a los personajes en un espacio, planos cortos y primeros planos en diferentes momentos para mostrar las expresiones, sentimientos y emociones de algún personaje concreto en algún momento determinado de la narración. Planos cortos y medios de la bailarina principal del ballet cuando se encuentra en funciones, y primeros planos para marcar sus expresiones faciales. Ángulos contrapicados para mostrar la superioridad de unos personajes sobre otros, y picados para acentuar la inferioridad de otros, aunque muchos ángulos son neutrales (desde el punto de vista de los ojos). Respecto a los movimientos, podemos ver: travelling de acompañamiento, travelling hacia atrás, travelling hacia adelante, otras veces la cámara está quieta filmando el movimiento de los personajes, planos secuencia… Planos recurso que nos muestra la forma de vida de la gente de la ciudad, planos detalle que nos muestra objetivos importantes en la historia, como cuando vemos el periódico que nos muestra el matrimonio entre el compositor y la bailarina, el cenicero lleno de cigarrillos consumidos junto al director del ballet… La voz en off que nos relata algún acontecimiento. La orquesta a veces aparece en campo y otras fuera de campo, aunque en algunas ocasiones sabemos que está ahí, pero en otras ocasiones no está claro si forma parte del escenario de la historia, o si forma parte de lo que es la banda sonora para provocarnos emociones. Efectos visuales, como personajes que aparecen y desaparecen, como sueños que se imagina la protagonista, objetos de papel que se convierten en personas… todo de forma onírica Algunas secuencias se abren con formas circulares, otras se cierran con fundidos en negro, fundidos de una imagen a otra, sobreimpresiones. Durante los bailes, la música es un elemento expresivo importante, ya que durante la canción los gestos de la cara y del cuerpo de los personajes acompañan al sonido de los instrumentos. Las coreografías y los movimientos están muy bien planificados para que sigan el ritmo de los sonidos.
Sobre la iluminación, decorados y vestuario, priman sobre todo tonos fríos y apagados, colores marrones, beiges, azulados, grises, blancos, negros… lo único que llama la atención ante toda esto son las zapatillas rojas, dado que es un color cálido hace contraste con los demás elementos y de esta forma llamar la atención del espectador ante los demás componentes. Después, también llama la atención el autobús rojo que vemos en alguna ocasión, ya que como todos sabemos, es un medio de transporte típico de Reino Unido, lo que hace que el espectador se sitúe en la ciudad en la que se lleva a cabo la historia. Algún que otro elemento rojo, como la rosa roja de varios personajes, el pañuelo rojo del director del baile… Tenemos iluminación natural en exteriores e iluminación artificial anaranjada en interiores, focos para iluminar al personaje cuando se encuentra en el escenario realizando su función, candelabros. Las sombras en la noche pueden causar un poco de miedo más que nada por la música que suena en el momento.
Sobre las emociones y sentimientos que genera la película se pueden mencionar varios momentos. Como por ejemplo, es bonita la escena en la que vemos, con un plano general, durante la noche, a la feliz pareja de enamorados en el coche de caballos y en el fondo el mar. La reacción de Lermontov ante la noticia del matrimonio entre Craster y Page parece de celos, furia o frustración. Resulta emocionante la secuencia final, cuando la joven sale al escenario a realizar su función, y minutos antes, justo al salir de su camerino, algo le pasa, le cuesta caminar mientras la señora la ayuda, la cámara permanece quieta mientras la joven se acerca y al llegar, se para en un primer plano y por corte se hace un plano detalle de las zapatillas rojas, la joven guiada por las zapatillas se dirige hacia atrás asustada y echa a correr, la orquesta comienza su función y vemos que la joven baja aceleradamente las escaleras, sale, baja las escaleras exteriores, Craster se vuelve y la ve, le cambia el rostro al suponerse que se va a dirigir hacia él, pero Vicky se dirige hacia una barrera, se sube, se tira a las vías del tren. El público espera la actuación de Vicky pero Lermentov les da la mala noticia de que no volverá a actuar. Con un travelling hacia adelante nos vamos adentrando en la emoción que siente ante el hecho sucedido y el brillo de sus ojos y sus rasgos faciales apunto de explotar a llorar. Se representa la obra, pero con las zapatillas rojas en el medio alumbradas por un foco superior y quedándoselas el vendedor de zapatos. Como homenaje, un plano de las zapatillas rojas, una vela encendida y el nombre de Hans Christian Andersen da el fin a la película.
A veces, ha sido calificada como un musical, sin embargo tiene todos los puntos necesarios para ser una tragedia. La historia se produce en la compañía de ballet de Lermontov, quien descubre dos talentos: la joven bailarina Vicky Page y el compositor Julien Craster, y decide montar un ballet denominado “Las zapatillas rojas”
Una mezcla entre el ballet y cine. El cine como lenguaje posee un elemento común con la danza y remite al origen de la vida que es el movimiento. Tanto el cine como la danza se mueven: el cine mediante los fotogramas por segundo que se van sucediendo, y la danza rítmica de las jóvenes bailarinas cuando practican el ballet. El ballet hecho cine, ayudado por una brillante utilización de la fotografía, la escala de planos, ángulos, iluminación, montaje, puesta en escena y movimientos de cámara, logrando algo que es prácticamente imposible de realizar simplemente en un escenario habitual.

Educación en valores a través del cine

Los valores, actitudes, creencias,  ideologías, normas y pensamientos que transmite el cine puede  no estar bien  comunicados o transmitidos, provocando el efecto contrario de aquello que el fin  inicial con el que se planearon su uso distan de la realidad, modulando la  personalidad del espectador.Debemos tener en cuanto  que durante el visionado de un film se produce un acto comunicativo dado que el  creador del mensaje tiene la intención de contar algo, de comunicar algo y el  sujeto que lo visiona tiene propósito de recibir esa información, procesarla y o  bien tomarla como suya o bien eliminarla.

Como recurso didáctico o  educativo ayuda al individuo, también, en la resolución de conflictos pues  presenta la realidad casi tal cual es. Por tanto, podemos hablar e un cine ‘formativo’ el cual tendría, como finalidad, principal, la mejora de los  conocimientos de los telespectadores (Vega, 2002)

Su utilización en el  aula puede se de dos maneras fundamentales como nos señala Martínez- Salanova “como instrumento técnico de trabajo, en primer lugar y como sustento  conceptual, ideológico y cultural, por otro. Como instrumento técnico de  trabajo, sirve de punto de partida para conocer diversos modos de acceder a la  sociedad y describir la realidad”

Por otra parte no  debemos de olvidarnos de las dos grandes posibilidades de las que nos habla  Loscertales y Núñez como elemento de psicosocial:

a-Como espejo de la sociedad en la cual se produce, reproduciendo los estereotipos al uso, y se emplean para ello lenguajes inteligibles, accesibles al público representativo.

b-Como generador de modelos tanto en las claves de valores e ideologías como en las pautas actitudinales.

Dentro del abanico que  nos proporciona el cine, en cuanto a temáticas y formatos, el de animación,  donde los protagonistas son animales, plantas, juguetes o cualquier otro objeto,  es el que, consideramos, más ventajas presenta para trabajar las áreas curriculares de la etapa de Educación Primaria, dado que siempre imitan comportamientos humanos, lo cual nos permitirá extrapolar la realidad educativa a la gran pantalla. Este tipo de cine se caracteriza, principalmente, por  presentar personajes atractivos, donde el malo, por ejemplo es malísimo,  presentando unos rasgos duros y afilados, con colores oscuros, y el bueno es  dulcemente atractivo, a veces rozando la cursilería, los protagonistas  secundarios, casi siempre, son los “graciosos” de la película y el mensaje que  quieren transmitir está explícitamente destacado.

En definitiva, el cine nos presenta seres humanos (o  su representación) en acción, de ahí que sea un recurso didáctico sin  precedentes, puesto que realmente nos permitirá estudiar la sociedad en general  y la realidad cultural del grupo de iguales o familiar en particular; es una  ventana al mundo que da significado y experienciabilidad de la vida diaria en el  aula.

Como señala Amar (2003) el cine debe ocupar el lugar  que le corresponde en los centros escolares resaltando su valor educativo  y cultural. Como medio de expresión comunica pensamientos, ideas valores, conductas, referentes ideológicos,… que han de ser tenidas en cuenta por los formadores dado que modulan las conductas de los espectadores.

Amélie

Amélie es una película de nacionalidad francesa del año 2001, dirigida por Jean-Pierre Jeunet. Podría definirse como una comedia romántica, que se situó entre las más taquilleras.

Amélie es la historia de una chica que tuvo una niñez limitada por la falsa preocupación de su padre de que ella sufría del corazón. Bajo estas condiciones, está chica casi no tiene contacto con otras personas. Esto la lleva a recurrir a su propio mundo fantástico. Cuando se convierte en una joven adulta, se muda al centro de París a trabajar en una cafetería. Después de encontrar un tesoro oculto perteneciente al anterior inquilino de su apartamento, decide buscarlo y devolvérselo. Después de ver la reacción del hombre, la joven se propone dedicar su vida a ayudar a la gente que la rodea. Como por ejemplo, a su padre, quien está obsesionado con los enanos de jardín, un escritor sin éxito, una joven hipocondriaca, un hombre que acosa a sus ex-novias, el amor de su vida y un hombre cuyos huesos son tan frágiles como el cristal. Pero después de agotarse llevando a cabo estas locuras, se da cuenta de que está descuidando su propia vida y la búsqueda de su amor. La joven entonces se da cuenta que debe intentar ser más agresiva y tomar el control de su vida para conseguir el amor con el que siempre soñó.

Los personajes de esta película tienen fuertes características atribuidas a su comportamiento y su carácter. Como por ejemplo:

Amélie: estereotipo de chica alegre y feliz, que a todo le encuentra un matiz positivo y cuyo carácter está marcado por los sucesos de su infancia.

Padre de Amélie: estereotipo de persona fría, distante y minuciosa.

Madre de Amélie: estereotipo de persona estricta y ordenada a la que no le gusta que nada se salga de lugar.

Por otro lado, en varias ocasiones se pasa de un plano general o medio a un primer plano a través de un movimiento de travelling.  En casi todas las escenas se aprecia un travelling o grúa, lo que da movimiento y ritmo a la historia. En otros momentos, el travelling es a ras de suelo dejándonos ver el lugar por el que se mueven los personajes y mostrando una composición integrada por un personaje en un plano más cerrado. Otros travellings laterales son utilizados para mostrar el lugar en el que se encuentra un personaje, para darnos a conocer el entorno en el que se va a desarrollar la siguiente escena y describir los detalles del mismo. Normalmente, los puntos de vista son a la altura de los ojos, de forma neutra, aunque en alguna ocasión utiliza picados y contrapicados. En la iluminación, podemos decir que predomina una luz suave en los interiores, algunas escenas con contraluz o penumbra, para dar sensación de clandestinidad.  A veces se observan movimientos de aceleración en algunas escenas.

Según el esquema de análisis audiovisual de Casetti, observamos distintos códigos de montaje, como por ejemplo: asociación por identidad (una imagen se vuelve igual a sí misma), asociación por analogía (dos imágenes se repiten elementos similares, pero no idénticos), asociación por proximidad (las imágenes A y B presentan elementos que se dan por contiguos), asociación por transitividad (el encuadre A encuentra su prolongación y su complemento en el encuadre B), asociaciones por acercamiento (dos imágenes que no presentan ningún elemento en común, sólo su proximidad en la película, (simplemente van seguidas en la película, pero no tienen ninguna relación), como es el caso del montaje por corte). Con un primer plano podemos averiguar el tipo de personalidad que posee el personaje, a través de su expresión, de su rostro. Esta es una de las principales características de la película Amélie: los personajes son muy expresivos.

Como inciso, el color es algo muy importante para Jeunet, ya que juega un papel esencial en otras de sus películas como “Delicatessen” o “Largo domingo de noviazgo”. En el primero de los casos, predominan los tonos sepia y anaranjados, que aportan un significado a la historia. Mientras que, en “Largo domingo de noviazgo” podemos ver tonos ocres, más apagados.

Por otro lado, la música que predomina es extradiegética o no diegética, que actúa como acompañamiento de la escena de forma más común a lo largo de la película. Es raro que se de el caso que la música forme parte de la historia.

Además, conviene poner de relevancia, que gracias a este film hubo un cambio en la percepción visual del mundo, con la influencia de la luz y el color, colores cálidos como el naranja o rojo junto a colores fríos como el verde o el azul, que contrastan en algunas escenas: vestuarios, iluminación de las localizaciones, decorados o coches en localizaciones exteriores de colores rojos y azules. El color en este filme, proporciona una mayor proximidad a la realidad, provoca sentimientos y emociones. Precisamente Amélie muestra su microcosmos, parte de su vida, sus motivaciones y sentimientos a través del color.  No obstante, contraponien el color que predomina en Amélie y en su entorno, encontramos a Collignon y Raymond, quienes utilizan colores apagados y tristes, tanto en su vestuario como en la decoración de su casa.

Igualmente Jean-Pierre Jeunet da un toque personal a sus películas, los dota de cierta magia, fantasía, incluso a veces roza lo surrealista, como es el caso de su película Delicatessen. En el caso de Amélie,  predominan los colores rojizos y verdes. Además, la imaginación está presente en ambas, aunque en Delicatessen va mucho más allá rozando lo tremendista.

Esta película también está influenciada por Renoir, sobre todo por su cuadro “El Almuerzo de los remeros”, que aparece con bastante frecuencia durante el film.

Finalmente, Amélie se podría definir como una joven tímida, que en lugar de enfrentarse de forma valiente a sus deseos, vive en su mundo de fantasías. Da mucha importancia a las cosas pequeñas de la vida. Vive en soledad, lo que va marcando su personalidad. Intenta vivir su vida haciendo felices a los demás, pero de forma anónima. Esta excesiva timidez no le permite expresarse con libertad. Lo que le lleva a tener miefo a enfrentarse a las situaciones de la vida y necesita tiempo para superar ese miedo al amor.

Un Franco, 14 pesetas

Película dirigida por Carlos Iglesias. El argumento gira en torno a dos españoles que son despedidos de sus trabajos en la década de los 1960 en España, y se ven obligados a irse al extranjero a trabajar, dejando atrás a sus familias. Al llegar a Suiza, Martín y Marcos comienzan una aventura con unas mujeres del hotel. Parece que la calidad de vida es bastante mejor aquí, hay mejores sueldos, la educación es gratuita…

Todo cambia cuando la familia de ambos llegan allí y comienzan una vida diferente en este país, con su mujer e hijos. Años después, vuelven a España, y tras despedirse Martín de Hanna, con quien tuvo una relación en secreto, observa que la niña tiene rasgos germánicos pero es morena, y se da cuenta que es hija suya también, de la relación que mantuvieron en secreto.

El argumento está basado en la historia real del director Carlos Iglesias. Su personaje en la película se identifica con su padre en la realidad. Fue la primera película del director, que fue nominado a los Premios Goya al mejor director novel.   El título tiene doble sentido: por un lado hace referencia al cambio monetario de la época entre el Franco suizo y la peseta española, y por otro lado alude al dictador Francisco Franco.

La mayoría de los planos que vemos son planos cortos de los personajes, primeros planos, y al llegar a Suiza pues vemos numerosos planos generales de los paisajes. Movimientos de cámara como panorámicas que acompañan el movimiento y las acciones de los personajes, o para visualizar un paisaje de un lado a otro, plano contraplano para conversaciones entre dos personajes, planos picados y contrapicados para mostrar la superioridad e inferioridad de unos personajes con otros. Al llegar a España, la iluminación del sol juega un papel importante, en contraste con las sombras y los cielos nublados de Suiza.  En varios momentos localizados en exteriores de noche, en Suiza, pareciera que se han utilizado filtros de color en la cámara. La música, para ambientar ambos países y acompañar a situaciones dramáticas o alegres.

Al principio, en los escenarios de España vemos tonalidades oscuras, vestuarios oscuros, todo con sensación más de tristeza. Sin embargo, al llegar a Suiza, hay tonalidades más claras, aunque es un país más frío, más solitario en las calles, calles más limpias, todo más tranquilo, más sosegado.  El hijo de Martín, siente mucho el cambio entre ambos países, por un lado Suiza, un país donde hay más respeto entre maestros y alumnos, mejores amigos, mejor casa, educación pública y gratuita, más tranquilidad, todo más verde, más limpio por las calles, los bosques… y a la vuelta a España, donde hay jaleos por las calles llenas de gente, niños agresivos tirando piedras a perros, compañeros que le enseñan a hacer “chuletas”, colegios donde hay que pagar y curas que le pegan con una regla en la mano.

Para finalizar, no es una película que destaque por su lenguaje audiovisual en movimientos,  planos e iluminación, pero está muy bien ambientada en cuanto a escenarios de ambos países y el argumento es muy interesante por la calidad en la historia.

Documentales de la Guerra Civil española

A continuación vamos a comentar brevemente algunos documentales de la guerra civil española, documentales realizados desde diferentes perspectivas y desde diferentes partes del mundo.

En principio, el documental “The Spanish Earth”, que  nos muestra una España derrotada y con penurias. Vemos algunas situaciones traumáticas como cuando los bandos se encuentran en el proceso de disparo de los cañones, bombardeos. Muestra los dos bandos enfrentados en dicha guerra, la España franquista y la republicana, cada una con sus ideales para ganar.

Por el contrario, en el documental “Defenders of the Faith”, vemos un punto de vista más religioso, defensa de lo devoto y católico, muestra a una España que aunque vaya a comenzar la guerra, sigue su labor como de costumbre, defendiendo el cereal como el verdadero tesoro del gobierno franquista. Nos muestra la explotación que sufre la gente pobre que vive del campo. Nos muestra la ciudad de Aragón como el prototipo de la ciudad típicamente española, ensalzando la bandera española. Observamos un gran número de penurias ante la guerra, muestra a los rojos como los “rebeldes”,  los “malos” que echaron abajo los edificios en aquella época, así como cementerios y muertos profanados, en búsqueda de crucifijos para acabar con ellos.  Con todos estos detalles, se nota, que este documental ensalza más las ideas de la típica España franquista, en defensa de las ideas religiosas y el nacionalismo.

Ideales también reflejados en el documental “La España heroica”, que muestra al general Franco como un héroe, como un protagonista destacado e importante en el país, y aquí aparecerán los valores que van a conformar la España tal como la conocemos hoy en día, como son la  religión y la patria. Como los anteriores, es un documental subjetivo, que muestra el punto de vista de la ideología derechista y franquista de este tiempo,  mostrando a los rojos comunistas republicanos como los malos de la historia.

El documental “Barcelona trabaja para el frente” de Mateo Santos, trata sobre la Actividad del Comité Central de Abastos en el aprovisionamiento de Barcelona y del Frente de Aragón durante los primeros meses de la guerra civil española. Aquí observamos  camiones por las calles de Barcelona, imágenes de fábricas, mujeres cosiendo en talleres, locales de almacenamiento, mataderos, fábricas de alimentación, personas trabajando muy activamente, podemos ver personas explotadas. Vamos viendo planos generales donde el director va mostrando al espectador el espacio de la situación en la que se encuentran los personajes, el contexto social, y algunos planos medios y cortos donde el personaje realiza alguna acción concreta. El director pretende “meternos” en su mundo para así establecer una relación más cercana entre los personajes y el espectador.

Otro de los documentales es “Defensa de Madrid.  Segunda parte”, realizado con la colaboración de la Alianza de Antifascistas e intelectuales para la defensa de la cultura. En él, vemos momentos puros de la guerra, como son los bombardeos, ametrallaciones y helicópteros en marcha. La música aquí puede causar cierta tensión y emoción en el espectador, que se va introduciendo en la historia. Vemos las masas de personas que salen a la calle a defender sus derechos, tal como está ocurriendo actualmente, ante esta crisis económica que tenemos en el país.

En definitiva, son unos documentales de unos personajes y unos acontecimientos que marcaron la historia de España, tanto para un bando como para otro, cada uno con sus puntos a favor y sus puntos en contra, aunque alguno de ellos faltando el respeto a los Derechos Fundamentes de los Seres Humanos.

Tanto después de la guerra, como actualmente, muchas personas no dudan en ponerse en marcha para reivindicar sus derechos y manifestarse, que a veces la clase política ignora, porque cada día tienen para llevarse a la boca, y cada noche tienen una cama bajo un techo, pero miles de personas en este país, no lo tiene, gracias a los bancos que quitan las casas a familias con niños menores de edad y ancianos enfermos, por el poder que los políticos le han dado, pero faltando el respeto a los Derechos Fundamentales de las Personas.

Road movies

Una road movie es un género cinematográfico. Este tipo de género se caracteriza por mostrar una serie de personajes que siguen un camino, bien físico y bien psicológico, para llegar a un objetivo final. Algunas de las características más propias que presenta este género son las siguientes, pueden presentar una o varias, todo depende de la historia que nos esté narrando:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito.

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes.

– El viaje revela al héroe algo sobre sí mismo en el lugar  al que ha llegado. Sobre este modelo pueden organizarse distintas variantes; si bien en la tradición del final feliz el corolario del viaje es el triunfo del héroe en su lugar de destino y el retorno a casa, las variantes pueden presentar un nuevo hogar en el lugar de destino, un viaje infinito, o bien la anagnórisis del personaje, que descubre que el conocimiento adquirido le hace imposible regresar a su origen, escogiendo la muerte o el exilio definitivo.

-Una notable característica de las películas de carretera suelen ser sus  bandas sonoras, principalmente se desarrollan con música originaria, bien “música de carretera” o “música de ruta”.

Algunos ejemplos de road movies son los siguientes:

TROYA (ILIADA Y ODISEA)

Una historia perteneciente a la mitología griega.  Relata la guerra entre griegos y troyanos.  Todo comenzó cuando Paris raptó a Elena, esposa de Menelao, rey de Esparta.  Bajo las órdenes de Agamenón, los griegos pusieron sitio a la ciudad de Troya.  La obra relata, entre otras aventuras, la victoria de Aquiles sobre la reina del Amazonas y su muerte a manos de Paris.  Finalmente la ciudad fue capturada cuando los griegos usaron la estratagema de construir un gigantesco caballo hueco de madera y presentarlo a los troyanos como regalo. Los troyanos aceptaron el obsequio, hicieron una gran fiesta de celebración y cuando los guerreros abrieron las puertas, destruyeron la ciudad sin piedad. Esta guerra es uno de los ejes centrales de la épica grecolatina y fue narrada en un ciclo de poemas épicos de los que sólo dos han llegado a la actualidad, la Ilíada y la Odisea, ambas obras de Homero. La Ilíada describe un episodio de esta guerra, y la Odisea narra el viaje de vuelta a casa de uno de los líderes griegos.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito, ya que tras casi diez años de lucha entre griegos y troyanos, la incapacidad de los helenos para destruir Troya es más que evidente. Hasta que idean algo para llegar a la ciudad y destruirla.

UN MUNDO PERFECTO

Un peligroso asesino se escapa de la cárcel en compañía de otro preso. Durante la huida ambos toman como rehén a Philip, un niño, miembro de una familia en la que son testigos de Jehová. Un policía le sigue la pista, junto a una criminóloga y algunos otros ayudantes. Después de huir con Philip, Butch y Terry hacen un alto en su camino y tras una tensa situación, Philip huye del coche, y Terry le persigue. Al final es Butch encuentra a Terry y lo mata de un disparo. A partir de este momento Butch y Philip comenzarán un viaje en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, que se convierte en el padre que siempre le faltó. En parte, Butch ve en Philip un reflejo de sí mismo, pues su padre, del que sólo conserva una postal, que le envió desde Alaska, también se marchó de casa cuando él era pequeño. Es también por eso, que Butch le pide que haga una lista con las cosas que siempre ha querido hacer, por ejemplo, por culpa de su religión, como el pedir caramelos en la noche de Halloween, comer algodón de azúcar o subir en la montaña rusa, tratando de que el chico obtenga la felicidad que él no pudo alcanzar.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes: toca el tema de los malos tratos a menores, de los cuales hay varios casos en la película: por ejemplo, psicológicos: en el caso de la propia madre de Philip, que por una razón  como la religión cohíbe a su hijo de tal manera que no puede hacer las mismas cosas que cualquiera de sus compañeros.

-El hombre y el muchacho realizan un viaje infinito.

Ejemplos de otras películas que presentan este género cinematográfico son, entre otras muchas:

-El diablo sobre ruedas.

-Bonnie and Clyde

-Thelma y Louis

-Corazón salvaje

-La pasión ciega

-Luna de papel

-Camino a la perdición

-París, Texas

-El salario del miedo

-Flores rotas

-Easy reader

-El octavo día

-Las llaves de casa

-Alicia ya no vive aquí

-La diligencia

-La huida

-La strada

-Amor a quemarropa

-Malas tierras

-Una película hablada

El destino se disculpa, José Luís Sáenz de Heredia

 

Se trata de una daptación basada en la obra “El fantasma” de Wenceslao Fernández. Sáenz de Heredia se inició en el séptimo arte subtitulando películas extranjeras. Su primer trabajo como cineasta fue en 1934, cuando sustituyó a Fernando Delgado en el rodaje de la película “Patricio miró una estrella”. Este cineasta fue siempre fiel al bando nacional y puede percibirse especialmente en la película “Raza”, pero no quiso limitarse a ser el cineasta propagandístico del régimen y se atrevió con otro tipo de proyectos audiovisuales.

Se puede decir que esta película es una comedia fantástica, que desarrolla el argumento con episodios cotidianos, con tono humorístico y situaciones graciosas e irreales. Respecto a la puesta en escena, los actores saben transmitir sentimientos y hacen que el espectador se involucre en la película, se sienta identificado con los personajes. En el desarrollo de la obra vemos la interpretación de unos personajes típicos de la clase media de esta época. Podemos decir que son de clase media por el vestuario utilizado y el lenguaje que usan.

Esta obra presenta un retrato realista y crítico de aquel Madrid de posguerra y de las dificultades para sobrevivir en esta época. La historia gira en torno a la influencia del destino, las casualidades de la vida y la muerte, y tiene por protagonista a dos muchachos que son grandes amigos y comparten inquietudes.