Archivo de etiquetas| Woody Allen

Magia a la luz de la luna (Woody Allen, 2014).

Magia a la luz de la luna es una película de Woody Allen del año 2014, por lo que no es precisamente actual, pero en esta breve entrada, tratamos un poco los giros en algunas de sus etapas. En el caso de esta película, simplemente en el tráiler, apreciamos que tiene aspectos que recuerdan a otras, sobre todo de estos últimos años, como el tema de la alta burguesía tratado en Match Point (2005) o Blue Jasmine (2013), entre otras, totalmente diferentes a aquel estilo cómico, o reflexivo filosófico de anteriores obras, como los casos de La última noche de Boris Grushenko (1975), Annie Hall (1977), Interiores (1978), La rosa púrpura del Cairo (1985) o Poderosa Afrodita (1995), en algunas de las cuales tenía interesantes intervenciones durante el desarrollo de los acontecimientos de la historia, introduciendo a la muerte de manera semejante a como lo hizo Ingman Bergman en El séptimo sello (1957). O bien, la construcción de un personaje perdedor, con miedo, inmerso en una historia de amor no correspondido, son algunos de los pilares básicos sobre los que se sustenta la construcción de estas películas, en las que se aprecian esos gags, con características propias de los Hermanos Marx y Buster Keaton. Además, en el caso de la película que nos ocupa, podemos ver que se introduce el tema de la magia, como vemos, igualmente, en Scoop (2006).

Tras esta breve reflexión, os dejo en enlace del tráiler en cuestión y animo a ver la película, para que extraigáis vuestras propias conclusiones en cuanto a la evolución en las etapas del cine de Woody Allen y la influencia recibida de otros cineastas de diferentes épocas, tanto en esta película como en otras, ya sea el mencionado caso de Bergman, como de Hitchcock en Misterioso asesinato en Manhattan (1993) o Sombras y niebla (1991), entre otros.

Fuentes:

http://www.centromujer.es/cine/woody-allen-filmografia-i.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Filmograf%C3%ADa_de_Woody_Allen

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/allen.htm

Recuerdos de Blue Jasmine

Ficha técnico-artística:
Dirección y guion: Woody Allen. Año: 2013. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Reparto: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Sarsgaard, Louis C.K., Michael Stuhlbarg, Andrew Dice Clay, Max Casella, Tammy Blanchard, Alden Ehrenreich. Productora: Sony Pictures / Gravier Productions / Perdido Productions.

Los recuerdos son una parte principal de la historia. A través de los continuos flash backs somos partícipes de la vida pasada de las dos hermanas protagonistas del film. Vidas opuestas, totalmente diferentes. Marcadas, una por la pobreza y la otra por la riqueza. Riqueza que ya no tiene, por su corrupto ex esposo, pero que su mente no puede olvidar y cree que sigue teniendo.
Jasmine, en su miseria, es incapaz de decidir qué futuro quiere tomar, qué estudiar o a qué dedicarse a esas alturas de su vida. Reviviendo los recuerdos de un pasado que se niega a olvidar. Se niega a aceptar su nuevo ritmo de vida. Planteándose la idea de captar otro rico con quien casarse y seguir viviendo de sus millones. Mintiendo al nuevo chico acerca de su pasado, su profesión y en definitiva, su persona. A través de sus actos, podemos apreciar que se niega a aceptarse a sí misma. Se niega a pertenecer al mundo en el que se encuentra inmersa su hermana Ginger. Hermana que es feliz en su pobreza, sin llegar a fin de mes, con una pareja agresiva y ambos, dependientes uno del otro. Lo que podría considerarse un problema.
La hermana no tiene ni tuvo lo que poseyó Jasmine, dinero, pero Jasmine tampoco tiene ahora lo que tiene su hermana: felicidad. Una felicidad procedente no siempre de lo que se puede considerar realmente bienestar económico, físico, intelectual, y entre otras cosas, la pareja. Dado que su novio, un chico alcohólico, es una persona enferma que no tiene conocimiento de la realidad ni de que su problema se trate de una patología.
En esta película de Woody Allen podemos observar algunos detalles de otras como Recuerdos (1980), con respecto a la indecisión de las protagonistas, la felicidad y las desgracias del pasado de un pasado cuya mente no puede dejar a un lado, porque lo sigue sintiendo como su realidad actual. Felicidad para una, porque su marido era millonario y se podía permitir todo tipo de caprichos. Haciendo oídos sordos a que estuviese cometiendo todo tipo de ilegalidades, ya que su mayor interés estaba en el dinero, y no podía ni acercarse a su hermana, porque no tenía tanto poder adquisitivo y sus aspiraciones eran más bajitas. No obstante, cuando le tocó la lotería, Jasmine sí puso interés en acercarse a ella y su entonces pareja, pero las manos de su marido hicieron que perdiese todo y el matrimonio se fuese al garete, lo que provocó su desgracia.
El perfil de estos personajes lo tenemos además en otra película de Woody Allen, como es Hannah y sus hermanas (1986), donde teníamos a una, Hannh, de carácter fuerte que se casa con un empresario millonario y su vida parece equilibrada; otra, Lee, inestable y sensible, que vive de un sueño; y la tercera, Holly, ex-alcohólica que vive en una buhardilla con un pintor mucho mayor que ella. Estas dos recurren a la primera cuando tienen problemas económicos.
En Bue Jasmine se mezclan las personalidades anteriores y tenemos a la mayor, Jasmine, que se casó con un millonario, que tenía negocios un tanto ilegales, pero fue descubierto y su nivel de vida calló. La segunda, Ginger, su nivel de vida era más modesto, pero al tocarle la lotería, su cuñado le movió el dinero en unos negocios delictivos, haciendo que lo perdiese. Se separan y tiene una nueva pareja, con la que mantienen discusiones a menudo, bebe alcohol, es agresiva, pero con la cual se siente feliz.
Sin embargo, ambas hermanas, interiormente no son felices, cada una con unos determinados problemas, pero se intentan dar lecciones, en lo que respecta a su mundo y su alrededor.

Os adjunto un extracto de Blue Jasmine, y espero haberos animado a ver la película si aún no la habéis visto.

Referencias bibliográficas:
http://wwws.warnerbros.es/bluejasmine/
http://www.filmaffinity.com/es/film153594.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Stardust_Memories
http://www.filmaffinity.com/es/film948248.html
http://www.fox.es/dvd/hannahysushermanas/10540/
http://clementinelagranpantalla.blogspot.com.es/2011/02/hannah-y-sus-hermanas.html

Apuntes sobre análisis y crítica cinematográfica

A la hora de opinar sobre una película, podemos tener en cuenta muchos aspectos formales de la misma. Mucha gente piensa que su criterio es el único o el mejor. Pero ¿Por qué para unos una buena película es “Crepúsculo” o “El señor de los anillos”, y para otros “Fresas Salvajes” o “Vértigo”?

Cada espectador busca unas cosas diferentes en una historia. Podemos pensar que la preferencia personal es la única base para juzgar la calidad de una obra cinematográfica. Sin embargo cada espectador se basa en unos criterios diferentes a la hora de opinar sobre lo que verdaderamente piensa que es una buena película.

Algunas personas valoran las películas a partir de criterios “realistas” considerando que una película es buena si se ajusta a su visión de la realidad. Los aficionados a la historia militar podrían juzgar un film basándose en el hecho de que en las escenas de batalla se utilice o no un armamento adecuado desde el punto de vista histórico; la narración, el montaje, el sonido, la interpretación y el estilo visual de la película podrían tener poco interés para ellos.

Los espectadores  pueden servirse de criterios morales  para valorar las historias. Sin embargo esta forma no es totalmente objetiva. El cine se considera, entre otras muchas cosas, un arte, el arte es subjetivo, y cada espectador considera una obra de arte un determinado tipo de historia. Y por tanto, cada espectador valora la significación global de una película de una forma determinada y diferente en función de los gustos.

Se puede considerar que una película es buena por su visión general de la vida, su deseo de mostrar puntos de vista opuestos o su alcance emocional. Todo ello varía en función del tipo de espectador.

Algunos criterios en los que se debe basar el analista y el crítico cinematográfico para valorar una película son la coherencia, la complejidad, la originalidad. Una película original no quiere decir que sea mejor o peor que otra que no tiene tanta originalidad, sino que debe considerarse diferente y juzgarse por su forma y contenido, no sobre lo que opinamos de ese tipo de director o actor.

Por esto, no puede juzgarse ni valorarse igual una película comercial de una película independiente. No porque una sea mejor que otra, sino porque cada una va dirigida a un tipo de público que busca conceptos diferentes en una historia.

Hay quien piensa que las películas de Woody Allen son bazofia y otros piensan que “Pretty Woman” es genial. Una no es mejor que la otra. Simplemente una va dirigida a un público independiente y otra va dirigida a un público general que quiere soñar un rato.

Hay un cine que está hecho para venderse al gran público y otro cine que está hecho para consumirse a pequeña escala, dirigido a analistas, investigadores cinematográficos que ven en una película algo más allá del simple argumento, o bien aficionados que buscan algo más que un argumento. Cada espectador considera arte unas películas distintas. Unos piensan que el cine es un negocio y otros que el cine es un arte. Pero en definitiva, ¿Qué es el arte? ¿Qué es el cine-arte? ¿Hay algo escrito sobre lo que se considera arte o lo que se considera no-arte? El arte es subjetivo. No hay nada escrito. El arte es un libro de gustos que está en blanco y cada uno rellena en función de sus opiniones. Como dijo un profesor de una asignatura del Máster en Cinematografía: “Hay veces que uno pregunta a otra persona si una película es buena o mala. Y si es mala no ir a verla. Al contrario, si dicen que es mala, hay que ir a verla, para ver por qué es tan mala”.

Según los análisis, hay obras más buenas y obras no tan buenas en función de sus aspectos formales, técnicos y estéticos, pero al fin y al cabo, toda obra requiere un grupo de personal técnico, humano, económico, que se esfuerza y sacrifica por dar lo mejor de sí mismo a un público que busca evadirse, soñar y encontrar puntos de estudio/reflexión.

Parte de esta información está contenida en el libro:

BORDWELL, D., y THOMPSON, K. (1995): El arte cinematográfico. Paidós Comunicación. Barcelona.

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía va a influir en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue con tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo. Amante del humor de los Hermanos Marx y Bob Hope. Además de los hermanos Marx le atraían otras estrellas como Humphry Bogart, James Cagney, Gary Cooper, entre otros. Lo contrataron con 16 años, mientras estaba en el colegio, para escribir chistes y anécdotas, luego escribió para la radio, la televisión y humoristas de cabaret. Luego escribió para él mismo como humorista y posteriormente pasó a escribir guiones de cine y a dirigir.
Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin, y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.  Como actor realiza dos tipos de papeles, hace de intelectual o de retrasado. Casi nunca lo invitan a participar como actor en otras películas. Se considera miembro del grupo de intelectuales de izquierdas. Intenta escribir la realidad como la percibe, de la misma forma como si estuviera describiendo a una familia de judíos, como en la que se educó, con sus defectos y sus virtudes.

Su estilo puede dividirse en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos “Toma el dinero y corre”, escrita y dirigida por él, en la que actúa como un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final, pero fue un éxito de espectadores. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charlie Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, con influencias de Fellini, formada por gags independientes. “El dormilón”, “Sueños de un seductor”, que no dirige pero sale como protagonista. “La última noche de Boris Grushenko”, ambientada en la Rusia del siglo XIX, y juega con varias señas de identidad de ese país. La importancia los gags, la construcción de personajes perdedores y miedosos.
-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, con su personaje débil y perdedor, descrito como intelectual, por la que recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo.

“Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, percibimos planos de susurros y gritos, vemos la influencia de Bergman, de “Mitos y susurros” por el tema de la muerte e incomunicación humana. Tiene largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturalezas muertas, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Trata la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película es de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista neurótica, dominante.

Tiene también influencia de los grandes pensadores del existencialismo. Una de las hijas de la protagonista se dirige a la cámara, hablando al espectador, y así intentar que el espectador la comprenda. Recibe influencias filosóficas de Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). “Manhattan”, en 1979, realizada en blanco y negro y considerada un clásico en la historia del cine, fotografía realizada por Gordon Willis y con música jazz, fue rodada en localizaciones reales, a Allen no le gustó el resultado final debido a su excentricismo y perfeccionamiento, y le propuso a su productora destruirla y hacer otra película gratis, pero la productora no le hizo caso, y estrenó la película, con la que tuvo mucho éxito.  Aquí Allen se inspira en Vicente Minelli, en las películas: “El apartamento”, para el travelling final corriendo por la ciudad de Nueva York, también de “Dos semanas en otra ciudad”, durante el paseo nocturno que termina en un puente colgante. Otra de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini, “Comedia sexual de una noche de verano”, con influencia de Shakespeare y Bergman. “Zelig”, “Broadway Dany Rose”, aquí si sale la ciudad de Nueva York con basura, grafitis, muestra la cara más sucia de esta ciudad, a diferencia de en sus demás películas, donde muéstrala belleza de esta ciudad con total esplendor. “La rosa púrpura del Cairo”. El marido de la protagonista es un personaje agresivo, maltratador, villano, uno de los más contundentes creados por Allen, es desagradable, su manera de actuar es claramente la de un mafioso, hay otros personajes en el cine de Allen con estas características como es Humphry Bogart en “Sueños de un seductor”, los demás personajes de esta película no tienen ninguna autonomía, están supeditados al creador, el gran acierto a nivel técnico es el tránsito de los personajes que salen de la pantalla, se relaciona con el mundo de lo onírico y la realidad. Hay dos clásicos que influyen en esta película, que son: “El discreto encanto de la burguesía” de Luis Buñuel y “El moderno Sherlock Holmes” de Buster Keaton, “Hannah y sus hermanas”, que es una película coral, en la que todos los personajes son importantes, Allen actúa como coprotagonista, la rueda en su casa, con sus niños, la música está adecuada a cada personaje como señal de identidad, el tema principal es el deseo. “Septiembre”, “Días de radio”, donde un personaje recuerda su infancia en Brooklyn, que también tiene influencias de Fellini, “Otra mujer”, en la que cuenta con Bergman para que le aconsejara en temas de fotografía, “Delitos y faltas” donde mezcla comedia y drama.

-Etapa manierista, con películas de influencias de Hitchcock, como “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini, por la esposa de éxito, de clase burguesa, asiste a sesiones de espiritismo para resolver sus problemas. “Sombras y niebla”, , “Maridos y mujeres” en la que mueve la cámara de forma alocada, los personajes se dirigen a la cámara para hablar en ocasiones. “Misterioso asesinato en Manhattan” en la que utiliza muy bien el suspense, “Balas sobre Broadway”, donde Allen deja el papel a John Cusack, “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, que es un musical, “Desmontando a Harry”, “Celebrity” y la etapa se cierra con “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental. Su cine de esta etapa está más centrado en la forma.
-De su etapa de madurez tenemos “Granujas de medio pelo”, donde vemos  que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop”, “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, a diferencia del resto de sus películas, en las cuales se utiliza un lenguaje más formal, comedia con parte musical, tono realista, estilo irónico, los temas que muestra son la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, prostitución, machismo, adopción. Tiene escenas largas con largos planos-secuencia, panorámicas, habla del teatro dentro del cine. Lenny, encarnado por Allen, es un periodista deportivo marido de una joven galerista de arte. La esposa, después de mucho insistir, consigue adoptar a un niño. Con el paso del tiempo, Lenny se propone buscar a la madre de su hijo adoptivo y descubre que es una prostituta, a la que intenta ayudar para que tenga un futuro.
En “Scoop” muestra una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística, vemos planos-secuencia con personajes hablando fuera del encuadre, situaciones poco creíbles, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información, no hay que confiar en el amor ciego. El periodista fallecido Joe Strombel trata, desde el más allá, resolver el caso del asesino de las cartas de tarot. Le ayuda a Sondra Pransky, encarnada por Scarlett Johansson, una periodista, que ve al difunto cuando asiste a un espectáculo de magia de Sid Waterman, interpretado por Woody Allen. El principal sospechoso del caso es Peter Lyman (un aristócrata del que Sondra se enamora. Según mi punto de vista, algunos planos son muy buenos y la iluminación de ciertas escenas dan sensación de miedo. Algunas escenas pueden resultar no creíbles.

“Zelig” es una sátira, que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. No tiene personalidad propia, pero se da a conocer porque experimenta unas transformaciones en las personas que entran en contacto con él. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático. Creo que son geniales las interpretaciones, es muy buena la construcción del documental y los diálogos son memorables.
“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste este plan. Utiliza la música de suspense, manejos de silencios, recursos que dan ritmo a la obra, muestra atmósfera expresionista: niebla, oscuridad, claroscuro, callejones poco iluminados, planos-secuencia y planos circulares, música en escena de suspense, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista. Un asesino siembra el pánico en la ciudad. Tiene influencias de Fellini, Hitchcock, Bergman y del cine negro de los 40 y 50. Tenemos temas como el sexo, la muerte, el caos en la sociedad, infidelidades, dinero, decadencia de la sociedad.

“Match Point” un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utilización de música clásica, muestra un reflejo de la sociedad europea. La historia transcurre entre la campiña inglesa y rincones refinados de Londres. Los productores jamás interfirieron en la realización de la película. La película cuenta la historia de Chris Wilton un ex campeón de tenis irlandés de orígenes humildes que traba amistad con Tom Hewett,un hombre rico, al convertirse en su entrenador. Su hermana, Chloe Hewett se enamora de él. Pero Wilton siente una pasión por Nola, encarnada por Scarlett Johansson, una joven que lucha por convertirse en actriz. El cine de Allen ha sido utilizado como objeto de metáforas relacionadas con algunos temas más candentes de la vida nacional, como es el terrorismo. El consejero de Interior del Gobierno Vasco, Javier Balza, utiliza la famosa imagen de la pelota de tenis cayendo hacia un lado, mostrada al comienzo de esta película, para explicar que “el final de ETA y la paz no pueden depender de la suerte”.

“El dormilón”, construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz. Monroe, encarnado por Allen, es dueño de un establecimiento de comida. Tras acudir a una operación de es congelado por error siendo despertado 200 años después, en el futuro, por un grupo de rebeldes que precisa una persona sin identidad para llevar a cabo sus planes de derrocamiento del dictador que gobierna el mundo. Monroe se resiste e intenta escapar, haciéndose pasar por un mayordomo mecánico. Se encuentra con una mujer, Luna (Diane Keaton) y unas persecuciones provocan que sea capturado. Tras ser secuestrado de nuevo es sometido a un proceso de reeducación. Se informa sobre el secreto proyecto que se ofrece como una oportunidad para lograr sus objetivos. El argumento y la trama resultan interesantes, muy futurista para la época, y tiene unos puntos que se notan que solo pueden ser de Allen.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Esta fue la primera película en que Keaton trabajó con el cineasta. Carol Lipton, encarnada por Diane Keaton, es ama de casa de Manhattan. Sospecha que su vecino Paul House, interpretado por Jerry Adler, un hombre de edad avanzada, ha asesinado a su mujer, que ha aparecido muerta, El marido de Carol, Larry, Woody Allen, piensa que es una obsesión, y trata de quitarle la idea de la cabeza, pero Carol investiga a su vecino. Me ha parecido muy graciosa la interpretación de Allen, la iluminación me ha gustado mucho, sobre todo en las escenas nocturnas. Algunos momentos son parecidos a la forma de hacer cine de Hitchcock.
“Maridos y mujeres” está protagonizada por Woody Allen y Mia Farrow. Interpretan el papel de un matrimonio que lleva muchos años de casado y su relación comienza a deteriorarse a partir de que sus mejores amigos, encarnados por Sydney Pollack y Judy Davis, les comentan que se van a separar. Una película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos no me resultan ingeniosos, pero sí son intimistas, hacen reflexionar.

En “Granujas de medio pelo”, Ray, encarnado por Allen, es un ex-convicto con grandes sueños que está harto de su trabajo. Se le ha ocurrido la idea de robar un banco gracias a lo que él cree un ingenioso plan. Con la ayuda de su mujer y unos ladronzuelos, abrirán una tienda de galletas al lado del banco y mientras su mujer atiende a la clientela, él y sus socios excavaran, hasta construir un túnel hacia el interior del banco. Se harán ricos, pero caerán en la ruina. Según mi punto opinión, visualmente los planos son normales, no veo una iluminación muy estudiada, aunque la trama me resultan interesante y la forma de desarrollarla. Creo que es interesante la evolución psicológica de la esposa.

“Melinda y Melinda”, comienza con una discusión en una cafetería, en la que unas personas debaten las diferencias entre la comedia y la tragedia. A partir de una mínima idea dos escritores, comienzan a inventar sobre cómo desarrollarían sus historias, una cómica y una trágica. Ambas visiones se ven representadas en el personaje de Melinda, mujer que lleva a la gran pantalla algunos temas que más le gustan a este director como la lucha personal entre la moralidad, la identidad, la intimidad, los celos. Creo que la forma de desarrollar la historia me parece muy bien hecha, habla del cine dentro del cine.
“Delitos y faltas”, muestra la historia de Judah y Clifford, que son dos hombres enfrentados a dilemas morales diferentes. Judah, es un oftalmólogo, que pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona, pero su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por otro lado, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado. Oímos la música jazz durante toda la película, mezclándose con música clásica. Esta película tuvo ciertos problemas de producción, que afectaron al proyecto, como por ejemplo, que del montaje final desaparecieron algunos personajes que daban vida a alguna subtrama y hasta poco antes de su estreno no se supo cuál sería su nombre definitivo. La fotografía es muy buena. Algunos silencios son largos y me resultan inquietantes. Es interesante el montaje en paralelo en ciertos momentos: mientras uno de los personajes conduce un coche y pasa por un túnel, otros señores leen unos libros. Vemos claramente los temas que usualmente trata este director como la religión, el amor, la política y el sexo. Habla del mundo del espectáculo dentro del cine.

“Si la cosa funciona”, es una de sus últimas películas que tiene peor crítica. En la revista cinematográfica Filasiete1, el crítico Claudio Sánchez comenta lo siguiente: “Un Allen menor en una película con destellos de su genialidad, que arranca muy bien y se va desinflando hasta un desenlace pobre”. Comienza la crítica con la siguiente afirmación: “Estamos ante una película menor de Allen, de las de mitad de tabla…, de ésas que parece que el guión lo ha escrito en una servilleta durante los anuncios de la tele”. Sin embargo, el crítico Ricardo Aldarondo, en la revista Fotogramas2, realiza el siguiente comentario de esta película: “Si la cosa funciona” es en realidad, un canto al amor, en el sentido menos remilgado”. “…Una obra sincera, muy divertida, con su filosofía de la vida entre descreída y apasionada…”. Cuenta la historia de una joven que se escapa de casa. Conoce a un hombre mayor que la acoge y busca un trabajo. Este hombre, Boris, se pasa la vida insultando a los niños que asisten a su clase de ajedrez. Tras vivir un tiempo se casa con la joven Melody, y comienzan una vida juntos. Un año después, su madre la encuentra e intenta “ennoviarla” con un joven. La chica se enamora del joven,  se divorcia de Boris, y termina casándose con el muchacho. Creo que el resultado de la película sugiere que no existen reglas en el amor y que todos debemos aprender a ser realistas. Aunque una relación no pueda parecer común, lo importante es que funcione y haga feliz a ambos. Lo que me resulta más complejo de la película es la personalidad de Boris, creo que está muy bien planificada, en algunos momentos se parece a las actuaciones de Allen, cuando habla a la cámara para dirigirse al espectador. Hace menciones al judaísmo, al sexo, reflexiones de la vida.

En “Vicky Cristina Barcelona” oímos una voz narradora que nos relata la historia. Resulta graciosa la banda sonora, aunque no me gusta la parte de España que muestra. Muestra a los españoles como obsesionados con ciertos temas. Está rodada en Nueva York y en las comunidades españolas de Cataluña y Asturias. El argumento de la película se basa en que dos jóvenes estadounidenses, Vicky y Cristina van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky tiene planes de matrimonio y Cristina se deja llevar por los sentimientos. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio. Allen reveló en Nueva York en marzo de 2007 que sería “una película romántica, seria, con algunos momentos divertidos y sin sangre”. Creo que los personajes son lanzados y agresivos. Respecto a la iluminación, me gusta el filtro rojo de ciertas escenas, como las escenas que transcurren en el cuarto oscuro de fotografía, ya que da dinamismo al film. Lo que no me gusta de la película es la interpretación de los actores españoles. Creo que tiene un argumento interesante, pero los diálogos de los actores españoles no me resultan agradables.

Respecto a los créditos de sus películas, son fáciles de reconocer, utiliza la tipografía Windsor Light condesed. Cada vez que vemos en pantalla unas letras blancas sobre fondo negro y música de jazz sonando de fondo, sabemos que estamos ante una de sus películas. En el libro “Woody Allen on Woody Allen” confiesa: “Hice unos títulos elaborados para “Bananas” y “Todo lo que quiso saber sobre el sexo…”, y, entonces, me dije: ¡Es estúpido gastar dinero en los títulos! Es un estúpido hábito muy americano. Voy a poner los más baratos que pueda, que sean un simple anuncio”.