Estrategias de influencia y manipulación mediática

Hola amig@s, en los últimos tiempos estamos asistiendo a una construcción de opinión favorable a determinadas posiciones políticas. Por ello, me he decantado por generar esta entrada, que aborda la “influencia” y la “manipulación mediática”.

Pues bien, los medios de comunicación tienen como principal fuente la información: un sistema de datos ordenados, que constituyen un mensaje sobre un acontecimiento o un fenómeno, y proporciona significado a las cosas. Y esta información es sometida a un proceso de selección en las redacciones de los medios, según los fines que se persigan (influir en la sociedad, divulgar conocimiento…). Un proceso denominado “Gatekeeping” es llevado a cabo por una figura que recibe la consideración de “Gatekeeper”, que controla y jerarquiza las informaciones según lo que considera en relación a su línea editorial. En estas bases se fundamenta la Teoría de la Agenda-Setting. Esta teoría determina qué asuntos poseen interés informativo y cuánto espacio e importancia se les proporciona en un determinado medio de comunicación. Los principales referentes de esta teoría son: Donald L. Shaw, Maxwell McCombs y Bernard Cohen.

Efectivamente, una persona controla, jerarquiza y su objetivo es influir de alguna manera a la sociedad. La influencia es un proceso psicológico a través del cual el poder o la autoridad de un individuo ejerce algún tipo de presión sobre otro. Desde luego, no es un secreto que el control y la manipulación de la información son un instrumento de poder de los gobiernos para promover el acatamiento de sus políticas.

La influencia de las comunicaciones de masas sería incomprensible si no se tienen en cuenta los contextos del público, ya que los mensajes son interpretados en base a los conocimientos y las motivaciones de los individuos. Un concepto subjetivo que difiere de una persona a otra.

La influencia y el impacto de la Agenda-Setting vienen determinados por estos supuestos:

-Lo que no entra en la agenda de los medios NO existe.

-El modo en que se encuadra un asunto puede afectar significativamente el desenlace final.

-Los mensajes mediáticos afectan de distinta manera a diferentes personas.

-Los lectores o receptores difícilmente podrán reflexionar, discutir o analizar los temas omitidos por los medios.

En otro sentido, cabe poner de relevancia que no es lo mismo persuadir que manipular, pues estoy persuadiendo cuando para mí es importante que, además de beneficiarme yo, también se beneficia de otra persona. La persuasión tiene que ver con la empatía, invocar sentimientos, crear curiosidad y atraer la atención. Mientras que al manipular, lo que busco es controlar a la otra persona e intento anular su capacidad crítica. Estoy manipulando cuando no tengo en cuenta el beneficio o perjuicio de la otra parte. La finalidad es lo que determina si hay o no buena intención.

Partiendo de esta base, se puede hacer uso de determinadas estrategias de influencia:el rumor, el cotilleo, la leyenda urbana, los bulos, los distintos tipos de filtración (constructiva, destructuva, globo-sonda…), desinformación y noticia prematura.

Cabe destacar las características de la propaganda: una forma de comunicación que tiene como objetivo influir en la actitud de una comunidad. Su meta es aumentar el apoyo o el rechazo a una cierta posición. No pretende hablar de la verdad, sino convencer a la gente: inclinar a la opinión general, no informarla, apelando a la afectividad, como sentimientos patrióticos. Se articula a partir de un discurso persuasivo que busca la adhesión del otro a sus intereses. Supone un modo de desinformación y censura, y usa la metodología de la retórica para convencer a los destinatarios de la misma. Algunas técnicas de la propaganda son: Fabricación de falsos documentos, Inspiración del miedo, Generalizar o estereotipar y Chivo expiatorio (la denominación que se le da a una persona o grupo de ellas a quienes se quiere hacer culpables de algo de lo que no son). ¿Os dáis cuenta de que está estrechamente relacionado con las acciones que determinados políticos han efectuado para el acoso y derribo de determinados partidos?

El grueso de todo esto se materializa en la aportación de Chomsky y Herman: el modelo de la propaganda y el consenso manufacutrado, que plantea lo siguiente:

Estos autores muestran una esfera pública limitada y políticamente manipulada en sociedades supuestamente democráticas y libres de coacciones políticas autoritarias. El planteamiento de partida es simple: las élites estatales y las corporaciones económicas constituyen un gobierno mundial, que difunden su propaganda a través de los medios de comunicación. El control de la opinión pública supone afectar a la visión de los sujetos, de modo que se realiza un verdadero control del pensamiento.

La forma de actuación generalizada de los medios se fundamenta en cinco filtros que criban la información:

Primer filtro: la estructura empresarial del mercado de los medios, que alude a los beneficios de los medios, relacionada con la propiedad de los mismos. Que supone la dificultad de entrada de medios con menor capacidad financiera.

Segundo filtro: la dependencia de la publicidad, pues el imperativo comercial diluye la posibilidad de un sistema neutral por la obsesión con las audiencias masivas, en detrimento de la calidad informativa y de pensamientos profundos.

Tercer filtro: los proveedores de información que los medios posteriormente preparan y publican. La urgencia informativa y la cantidad de contenidos que se deben publicar imposibilitan la investigación periodística, que afecta a la parcialidad de la información.

Cuarto filtro: el flak, que hace referencia a las reacciones inmediatas del efecto en la opinión pública de las críticas vertidas por los medios.

Quinto filtro: el control ideológico con doctrinas negativas o de oposición, que está relacionado con la simplificación política y la condensación estratégica enfocada a un único enemigo.

El resultado es la confección de un consenso manufacturado dentro de las sociedades democráticas. De este modo, Chomsky y Herman expresan que “el resultado es un poderoso sistema de conformidad inducida ante las necesidades de los privilegios y del poder”. Estos límites de lo expresable son los mecanismos más eficaces del control del pensamiento, que reproduce una “ilusión de libertad”.

En este contexto, los límites institucionales orientan el interés público hacia determinados temas sociales. Orientación acorde a tendencias de opinión beneficiosas a los grupos de poder.

Ahora acordaros de todo esto cuando lleguen las elecciones y determinados medios de comunicación de masas ponen el foco de atención en masacrar determinadas propuestas sociales en pro de la construcción de opiniones favorables a lo que las élites sociales y económicas prefieren.  No pido que me creáis, sino que utilices las capacidades de observación, de crítica y llegaréis a conclusiones objetivas.

A través de esta vídeo se explica de una forma más ilustrativa:

 

Un saludo amig@s y gracias por leerme. Espero que reflexionéis al respecto.

Entrevista en El diario de la Educación

Hola amig@s, recientemente me hicieron una entrevista en El diario de la Educación con motivo de mi libro “Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica”. Comparto el enlace a través del cual podéis acceder a la misma:

“Me llama la atención la ausencia de alfabetización mediática en chicos de 12 o 13 años”

Un saludo,

Acto de presentación de “Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica” en Teba, julio 2019

Hola amig@s, en esta entrada quería compartir con vosotros el vídeo que recoge el acto de presentación de mi libro “Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica” en la localidad malagueña de Teba, que tuvo lugar el pasado 19 de julio de 2019.

El vídeo fue grabado en varios fragmentos, pero al unirse la plataforma Youtube no permitía la subida de un vídeo de más de 20 minutos, por tanto los he unido y publicado en 2 partes.

Espero que os guste.

Un saludo,

La confusión frente al espejo

La fotografía es un espejo de la realidad, pero no cabe duda que lo que se coloca delante de una cámara se somete a un proceso de manipulación. Igualmente, la fotografía es un medio de expresión de emociones y sentimientos, que se pueden manifestar de forma objetiva o subjetiva, y yo me decanto por la fotografía subjetiva, porque hace reflexionar hasta límites insospechados. Esta introducción la hago para presentaros esta obra fotográfica, que parte de una idea de la que llevo trabajando de forma introspectiva bastante tiempo. Y precisamente después de varios meses de espera, la propiedad intelectual me la ha inscrito bajo el número de asiento registral 04 / 2019 / 2327, con el título “La confusión frente al espejo”.
Por comentar algunas características, esta imagen fotográfica recibe inspiración de la pintura de René Magritte, el cine de Eduardo Chapero-Jackson y la obra de Joan Fontcuberta.

Corral Rey. La confusión frente al espejo

Ahora voy a descomponer las particularidades concretas que se han tomado de cada uno de ellos para obtener este resultado final. De Fontcuberta se ha tomado como referencia el espejo y la duplicidad que este elemento ofrece, es decir, el otro “yo” contra quien este individuo en cuestión expresa su particular conflicto y su disconformidad: consigo mismo, ante un elemento reflectante que funciona como testigo del límite de su desesperación. De René Magritte se ha extraído la idea de lo macabro, a través de la técnica de la ocultación del rostro, presentándose así una renuncia a mirarse a la cara y una tela de color rojo, que simboliza la sangre, la muerte y supone una forma de llamar la atención del espectador. Y como principal idea, se ha tomado de Eduardo Chapero-Jackson la obsesión de una persona por la perfección corporal, presente en su cortometraje “A contracuerpo”, protagonizado por Macarena Gómez.

Esta imagen ha sido divulgada en congresos de innovación docente (Innovagogia, 2018), superando la evaluación ciega por pares. Con este antecedente, también fue considerada de interés para pasar a publicarse en la revista Hekademos (revista educativa, 2018), superando igualmente la evaluación ciega, así como en un capítulo de libro de la Editorial Octaedro. En estas fuentes podéis consultar los objetivos, áreas del conocimiento en que se puede trabajar, pues guarda un interés educativo, ya que se pretende afrontar los trastornos de alimentación de anorexia y obesidad desde las enseñanzas obligatorias. Con el fin de disminuir la manipulación que ejercen los medios de comunicación para el continuismo de los cánones corporales estéticos establecidos. Extrapolada al contexto de las bonituras y las valoraciones de quienes la observen, me gustaría plantear una pregunta y a la vez una reflexión ¿Es bonita o fea?, pues no, no es bonita, ¿para qué nos vamos a engañar? Sin cultura y sin reflexión, la existencia humana apenas tendría sentido. Y, a fin de cuentas, yuxtaponiendo estos aspectos, en esta fotografía se proyecta una visión pesimista que alcanza lo suicida como consecuencia del no cumplimiento del canon de belleza estético en el cual la sociedad Occidental se observa. Hasta el límite de ansiar arrebatarse la vida, negarse la mirada a su propio rostro e infravalorarse a sí mismo.

 

¿Qué es el Cine Español?

Hola amig@s, esta entrada surge como reflexión acerca de las concepciones que una parte de la sociedad guarda del Cine Español y plasma en las redes sociales.

Precisamente me surge esta pregunta: ¿Qué es el Cine Español? Hay quienes solo dicen: pues subvenciones, pues una bazofia, pues es patético… y un sin fin de opiniones sin fundamento ni criterio. Con la mera intención de descalificar. Efectivamente la libertad de opinión es un derecho evidente, pero no dejan de ser especulaciones. Solo hace falta leer un poco a los maestros del Cine Español para observarlo con ojos críticos, sin prejuicios y aprender a entender el Cine español. Sí, amigos, aprender a entender las metáforas, los simbolismos, los planos, los colores, los cliffhanger… Todo eso es común al lenguaje audiovisual per se, es cierto, sea de la nacionalidad que sea, pero el Cine Español trabaja con cierto cuidado algunas de estas cuestiones.  Y sobre ello voy a tratar de reflexionar en esta ocasión.

El espectador convencional se encuentra bastante cómodo con un estilo narrativo Occidental, basado en inicio, desarrollo y desenlace, al estilo propio de los cuentos de Disney. En cierta medida, fácilmente entendible, que no hay que calentarse mucho la cabeza para comprenderlo, que tenga acción y estructura correcta para mantener el interés y ya está. No obstante, el Cine Español no propone eso, el Cine Español se nutre de diferentes visiones y perspectivas audiovisuales, porque ¿Cuál es la estructura correcta? ¿Cuál es su público objetivo? ¿Cómo deberían trabajarse ciertos temas?

Como crítica, voy a hacer un inciso, porque el Cine Español no consiste en ver a los actores recorrer las calles de Málaga durante un período de tiempo, en tomarse fotos delante de imágenes colocadas en la Calle Larios… Pese a que no me dedico profesionalmente al Cine, he de decir que lo defiendo porque he estado trabajando el Cine Español desde el ámbito científico durante 4 años en mi tesis doctoral y lo sigo haciendo en mi actividad investigadora, de forma altruista. Con el único objetivo de extraer lo positivo, lo que enriquece del Cine Español en el ámbito de la Cultura y para aplicar en la Educación. Y me ha alimentado el alma hasta límites insospechados.

El Cine Español se siente cada día. Y es por ello por lo que he generado 8 publicaciones científicas en revistas académicas (en 3 años), capítulos de libro, proyecto próximo de un libro en editorial indexada en spi, 6 congresos internacionales (desde Ronda hasta Monterrey, pasando por Granada y Tenerife) para analizar su grandeza, para examinar los detalles. Y es  estque precisamente está rodeado de matices que, en ocasiones, no son comprendidos, no son observables por los espectadores convencionales, pues pasan desapercibidos. Hace falta más alfabetización audiovisual para interpretar y entender el lenguaje cinematográfico. Con ello me refiero a:

-El estilo sobreentendido, la paciencia y los silencios que se observan en Obaba, No tengas miedo y Silencio roto de Montxo Armendáriz.

-El estilo crítico, desgarrador, el dolor y la pasión generada con las imágenes y la música de Las brujas de Zugarramurdi y Balada triste de trompeta de Álex de la Iglesia.

-La complejidad de los personajes de Pedro Almodóvar, por ejemplo en filmes como La piel que habito o Julieta.

-La capacidad de entendimiento de los personajes secundarios (inglés, catalán, castellano…) de Ocho apellidos catalanes, de Emilo Martínez-Lázaro. Y en especial, la escena en la cual un andaluz y una vasca son rodeados con una bandera catalana hacia el final del filme. Esa es la escena del amor y la convivencia social, fundamentadas bajo el respeto y la tolerancia.

-El estilo de Isabel Coixet que puede no decir nada, no intrigante, pero transmite emociones y hace reflexionar sobre temas como el amor y la vida, por ejemplo en Cosas que nunca te dije.

-La expectación e intriga de Alejandro Amenábar, en películas como Tesis y Los otros.

-El terror y lo sobrenatural que confunde en Frágiles de Jaume Balagueró y No-Do de Elio Quiroga.

-El realismo social de Antonio Giménez-Rico en Las ratas y la imaginación de Ramón como vía de escape, de Antonio Cuadri, que se presenta en Eres mi héroe. Un filme este último especialmente interesante por la conjunción del color y el blanco y negro, como simbolismo propio del proceso de Transición Política que vivió España después de la muerte de Francisco Franco. Así me lo transmitió este director en una entrevista realizada en 2015, aportada a mi trabajo de tesis doctoral.

-Los referentes simbólicos para ahondar en el universo infantil, como el árbol de El Laberinto del Fauno de Guillermo del Toro, las gafas de Andreu en Pa negre, de Agustí Villaronga o el camión de juguete de Tito, como forma de representar su ansiada huida de ese entorno represivo en El portero, película dirigida por Gonzalo Suárez. Asímismo, la presencia y la utilización del color en estas producciones tienen una clara voluntad emocional y psicológica.

-En el manejo de los colores con clara voluntad emocional es clave la figura de Agustí Villaronga. ¿Qué puedo decir de este director? Uno de los más valientes del Cine Español. Como bien comenta Zubiaur Gorozika, 2013), sus monstruos son de carne y hueso y habitan en el interior de sus torturados seres humanos.  Sus producciones abordan el mal, no señala culpables sino a participantes de una tragedia. Sus principales filmes son crueles y comparten su estilo de obscenidad, presentando en la pantalla aquello que moralmente podría considerarse que debería estar fuera, por el dolor subyacente que genera observarlo. Precisamente presente en Pa negre y Tras el cristal. Una frialdad presente también en los padres de Itziar, de Los años oscuros, película dirigida por Arantxa Lazcano.

-Sin dejar atrás a otros muchos que aportan y aportaron su granito de arena al noble arte de contar historias a través de la imagen en movimiento, porque esa es básicamente la esencia del Cine. Como serían, por ejemplo, José Luís Garci, José Luís Cuerda, Julio Medem, Luís Buñuel, Pilar Távora, Pilar Miró, Luis García Berlanga, José Luís Sáenz de Heredia, Icíar Bollaín, Víctor Erice…

-En lo que a personajes se refiere, resulta absurdo pretender un estado puro, ya que los individuos son únicos. Lo cierto es que los espectadores tradicionales no dejan de preguntarse ¿Quién es el bueno? o ¿Quién es el malo? Esta postura promueve prejuicios y estereotipos, los cuales ponen de relevancia personajes planos: las concepciones maníqueas de bueno o malo. Y ¿Qué significa ésto?, pues que el ser humano como espectador no progresa, busca un bueno y un malo de la película, porque sus concepciones ancestrales no le dejan entender que un personaje evoluciona, presenta matices, no se comporta igual con todos los individuos que conforman su entorno. Y esta atención que presta el Cine Español a la profundidad de los personajes es una cuestión clave en nuestra Cinematografía, que le cuesta tanto hacer al Cine estadounidense contemporáneo. Salvo posibles excepciones, evidentemente, pues suele centrarse más en la acción o en la estructura del filme. Pero ¿Qué es más importante: los personajes o la estructura? La estructura la integran sus personajes y los personajes son la estructura. Son elementos dependientes en un filme.

Precisamente construir un personaje consiste en escarbar en su pasado, crearle un presente, unas motivaciones de futuro, otorgarle defectos, virtudes, caracteres, personalidades, matices, temperamentos… no es construir una casa.

Más allá de vaguedades sin fundamento al hablar de Cine Español, lo que sería necesario es más comprensión, más alfabetización audiovisual, más lecturas y observaciones de detalles trascendentales. Ver un poco más alllá de “las subvenciones” o “esta película es buena o mala”. Amigos, en la vida no todo es bueno o es malo, ni las personas, ni las experiencias, la gama de colores es muy amplia y variada. Y a través de ella el ciudadano de a pie puede crecer un poco más como persona, adentrándose en el Cine con ojos culturales, artísticos, educativos y críticos. Desde el constructivismo, lejos de descalificaciones que no llevan a ningún sitio. ¿Aporta algo la expresión: “El Cine español es patético” y quedarse ancho? En serio, aporten algo constructivo: ¿Qué le sobra? ¿Qué le falta? ¿Qué cree que hace mal? Ayudemos al bien común contribuyendo a su crecimiento. Pueden crecer un poquito aportando madurez, reflexión y argumentos con fundamento. Si realmente se sienten españoles, pueden hacer crecer el Cine Español, no solo llevar la bandera de España en forma de pulsera. Háganlo evolucionar, cooperen.

Finalmente, decir que para aprender un poquito más de Cine Español recomiendo la lectura de contribuciones de quienes yo llamo “mis maestros”, tanto si me dieron clase como si no. No se puede entender la complejidad y la profundidad del Cine Español si no se ha leido a algunos clásicos, como Roman Gubern, José María Caparrós Lera, Emilio C. García Fernández, José Luís Sánchez Noriega, Julio Pérez Perucha, Santos Zunzunegui y Rafael Utrera. De corazón, yo os animo a hacer este ejercicio de lectura activa, en aras de fomentar la comprensión del Cine Español. Merece la pena.

Si esperábais una respuesta objetiva sobre la pregunta: ¿Qué es el Cine Español? Lo siento, así es el Cine Español, no suele ofrecer un fin claro y contundente, porque prefiere que el ciudadano de a pie tenga una idea propia.

Un saludo, amig@s.

 

 

 

Mitad del Mundo

Hola amig@s, quienes me seguís a menudo sabéis que suelo describir las cosas de forma pormenorizada y con cierto nivel de detalle. El presente blog es sobre Análisis Audiovisual, es cierto, pero no es un secreto que el nacimiento del Cine está relacionado con el Teatro, pues así lo podemos comprobar en la figura de Georges Méliès. Por eso, en esta ocasión voy a comentar mis impresiones sobre una obra de teatro a la que, recientemente, tuve la oportunidad de acudir, titulada “Mitad del Mundo”, escrita por el dramaturgo Pablo Díaz Morilla y que ha sido llevada a los escenarios del Teatro Echegaray (Málaga) bajo la dirección de Fran Perea.

No soy partidaria de las etiquetas, por eso no trato este post como una crítica más o como un análisis, sino una descripción de mis observaciones de esta función teatral. No me encorseto en ningún estilo en particular, pues en mi blog adopto los formatos como mejor estimo conveniente en cada caso. En esta ocasión, estaría más bien relacionado con un comentario reflexivo de los míos. Y estas reflexiones surgen de las dudas, las inquietudes y el caos interno.

Realmente lo que me llevó a interesarme por esta obra era la inquietud por sentir algo, ya que por más libros que leía, más películas que veía o más sitios que visitaba, nada me transmitía nada. Llevaba casi un año y medio desde que terminé la tesis doctoral bastante apática, ensimismada, sin desarrollar la capacidad de emocionarme de verdad, ni en general ni con el arte en particular. Lo que vulgarmente se viene conociendo como “estar seca y vacía por dentro, sin inspiración ninguna para nada y llorar sin fundamento”, para que me entendáis. Los cambios de etapa son malos, muy malos, doy fe de ello.

Pues bien, llegué al sitio media hora antes. Que me altero y sufro con la impuntualidad tampoco es un ningún secreto. Así que, entré al salón casi de las primeras y, durante mi particular cruzada por averiguar cuál era el sillón número 13 de la primera fila, porque no estaban numerados, escuché a un señor que dijo: “desde la segunda fila se ve mejor que en la primera”. Lo que me llevó a preguntarme: ¿Quién le habrá dicho a este señor que yo vengo solo a ver? Pues en fin, yo quería que empezara ya, cuanto antes, bajo el ansia de mirar a los ojos a los actores y desarrollar esa capacidad de empatía que me hiciera sentir algo profundo con su interpretación.

La línea argumental de esta obra plantea un enfrentamiento de Augusto Pinochet con Superman. Según cuenta la historia, Christopher Reeve emprendió una lucha activista. Al hacerse famoso en su papel de Superman, apoyó las Olimpiadas Especiales, colaboró con la fundación americana de parálisis, el medio ambiente y visitaba infantes y personas con enfermedades terminales que tenían como último deseo conocerlo personalmente. Además, en 1987, viajó a Chile bajo la invitación del escritor Ariel Dorfman, con el fin de liderar las protestas contra las amenazas de muerte a escritores, sindicalistas y artistas que se manifestaban en contra del régimen militar de Augusto Pinochet. Y en esta función se materializa un encuentro del superhéroe con el dictador, con huellas del pasado, del poder de la mente y del uso de la palabra para el cambio de actitudes en un criminal. Aquell@s que no hayáis podido ir a verla, os lo habéis perdido, se siente, ya ha tenido lugar la última sesión en la programación del teatro.

Bueno, y concretando con mis observaciones, me llamaron la atención varias cuestiones de las cuales me gustaría destacar algunas que cito a continuación:

En principio, la música, no sé qué guardaba la música, pero conjugada con la sucesión de algunas imágenes en una pantalla superior, algo se me encogió. En segundo lugar, la interpretación de los actores. Otra de las cosas que me había llevado a interesarme por asistir a esta obra de teatro era el acercamiento a la interpretación actoral, porque observando las actuaciones detrás de una pantalla televisiva o cinematográfica no se siente lo mismo. Y como mencioné anteriormente, yo buscaba experimentar algo diferente, fuerte, sentir la interpretación. Lo cierto es que esa capacidad de interpretación, ver sudar a los actores y atestiguar esa pasión transmitida, me puso un nudo en el estómago. Cosa que se complementó con la interacción de los mismos, dirigiéndose al público para el relato de algunas experiencias y hechos relacionados con el contexto socio-histórico.

También me gustaría destacar notablemente la voz de una chica con un tono impresionante, recitando unas letras en forma de canciones en un segundo plano. Lo que hizo que me afloraran las emociones, la sensibilidad a flor de piel y el nudo se me subió a la garganta.

Ello habría que unirlo con una relación de nombres y números de personas que iban siendo citadas, cuyas vidas habían sido arrebatadas vílmente con el único propósito de despojarlos de la capacidad de soñar. Si bien, habría que poner de relevancia que este dictador fue alguien incapaz de soñar, de sentir… y la obra enfatiza la idea de que todo lo que miraba terminaba siendo de su poder, fuera lo que fuera. Tenía a un país comiendo de su mano y su capacidad de liderazgo era evidente en aquellos años. En este sentido conviene citar un momento en particular, me refiero a cuando se puso de manifiesto que la situación de Chile era una “Dictablanda”. Para qué voy a mentir, bajo el conocimiento de la Historia y concibiendo las experiencias dadas a conocer en esta obra de teatro (muerte, dolor, sufrimiento, indiferencia, insensibilidad, miseria humana…), yo ya no podía más y quería llorar. Pero tenía puestas las lentillas y me dije: “tú verás que se te salen, te quedas sin ver y encima, con todo oscuro, cualquiera encuentra las gafas”. Total, intenté calmarme, como suelo decir yo, “para adentro”. Y me vinieron a la mente algunos nombres de películas que relatan aquellos acontecimientos, como “Missing” (Costa-Gavras, 1982) y “Cicatriz (El atentado a Pinochet)” (Sebastián Alarcón, 1996).

No obstante, si esto fuera ya poco, algunas expresiones y diálogos enfatizaron mi capacidad de reflexión. Y con esto me refiero a este comentario: “hay manos para destruir y manos para crear”. Esto me llevó a recordar un blog que había leído hace poco, que aborda la idea de que “Para crear hay que destruir”, pero me pregunté ¿por qué hay que destruir para crear desde cero y no se puede reconstruir curando el daño provocado previamente?, ¿Por qué es más fácil construir algo partiendo de lo sano y es tan difícil recomponer algo destruido ante el dolor generado por la sociedad? Destruir/Crear.

Total, que apareció nuevamente este comentario hacia el final: “hay manos para destruir y manos para crear”. Y no sé por qué, me volvió a venir a la mente otro recuerdo, pero esta vez relacionado con el Cine. Concretamente del Neorrealismo italiano y los escenarios naturales de Alemania que se dan a conocer en la película “Alemania año cero” (1948), dirigida por Roberto Rossellini. Una mostración de que el país se reconstruye partiendo desde, como el propio nombre indica, cero, después de la II Guerra Mundial, en cuanto a infraestructuras, a valores morales/humanos. Y me volví a hacer la pregunta desde otra perspectiva: ¿se puede construir partiendo de la miseria humana o es necesario destruir todo para crear de nuevo?

Al salir del salón, realmente sin palabras porque me sentí desconcertada, fui reflexionando sobre esa misma expresión: “hay manos para destruir y manos para crear” y multitud de preguntas me fueron azotando en cada paso que iba dando. ¿Por qué hay gente tan enferma que crea guerras para destruir sociedades? En fin, no sé, la verdad es que me sentía tan nerviosa que no sabia poner palabras a lo que esa función me había generado. Solo puedo dar las gracias por lo que me transmitió la obra en su conjunto.

Finalmente, me gustaría haceros esa misma pregunta: si hay manos para destruir y manos para crear ¿Qué preferís hacer con vuestras manos?

Y a modo de reflexión final: aunque nos arrebaten las pestañas, nos corten la lengua, nos amputen las manos, observemos la indiferencia de nuestros gobernantes…, jamás nos arrebatarán la capacidad de soñar, porque puede resultar obvio, pero el acto de soñar e ilusionarse trasciende lo materialmente físico.

Gracias por leerme y un saludo amig@s.

La memoria audiovisual de Auschwitz

Hola amig@s, este post me gustaría dedicarlo a recordar que en el día de hoy, 27 de enero de 2019, se cumplen 74 años desde que el Ejército Soviético libera el campo de concentración nazi de Auschwitz. Y es que ya lo decía Marco Tulio Cicerón: “El cultivo de la memoria es tan necesario como el alimento para el cuerpo”. Aunque algunos se empeñan en borrarla cada día, a través de sus discursos banos, frívolos, triviales y huecos, pero no es ningún secreto que “La memoria es el único paraíso del que no podemos ser expulsados” (Jean Paul).

No hace falta describir con niveles minuciosos de detalle qué se hacía en cada uno de esos tenebrosos campos, pues la Historia de la Humanidad se ha encargado de transmitirnos, en líneas generales, todas las barbaridades que pasaban por la cabeza de aquellas aberraciones de la naturaleza. Aquellas aberraciones que fueron capaces de perpetrar de forma vil y rastrera crímenes de lesa humanidad, y que todavía ponen en duda muchos revisionistas de la historia, pero que dejaron si no miles, millones, de víctimas, tanto física, psicológica y emocionalmente (difícilmente cuantificables en realidad). Y construyeron estos campos por doquier, por allá por donde pasaban, tanto en Alemania, Polonia, Rumanía, Italia…

Realmente quienes no estábamos allí, no conocemos de primera mano el día a día que fluctuaba por aquellos “campos de la muerte”, a los que se llegaba en trenes que tenían el beneplácito de la Iglesia Católica y en los cuales se asesinaba, se experimentaba y se explotaba a seres humanos a través de múltiples técnicas despreciables y miserables. A día de hoy, igual a algunas personas les puede resultar complejo empatizar e incluso pueden llegar a justificar ciertas actuaciones. Otros prefieren olvidar lo que hace daño. Si bien sigue haciendo daño lo que no se ha terminado de curar.  No obstante, algunos han sobrevivido para contarlo, para dar fe de ello, para intentar denunciar y ser reconocidos por el sufrimiento que unos líderes abominables les hicieron padecer, simplemente por diferencias ideológicas, políticas o raciales.

Muchos documentos textuales y audiovisuales lo atestiguan y muchas producciones cinematográficas presentan perspectivas que toman testimonios orales y experiencias de vida para intentar estremecernos y ponernos en la piel de quienes fueron testigos de esta crueldad. Ejemplos de ello pueden ser: “El niño con el pijama de rayas” (Mark Herman, 2008), “Tras el cristal” (Agustí Villaronga, 1986), la bien conocida “Lista de Schindler” (Steven Spielberg, 1993), “El último tren a Auschwitz” (Joseph Vilsmaier y Dana Vávrová, 2006), “Amén” (Costa-Gavras, 2002) e “Hijos de un mismo Dios” (Yurek Bogayevicz, 2001).

Ante toda esta vorágine de experiencias dolorosas de supervivencia, conviene tener en cuenta que algunas que otras mujeres se envalentonaron en aquel contexto para intentar contribuir con un poco de ayuda. Y una de estas mujeres fue la polaca Irena Sendler (1910-2008), quien arriesgó su vida en la Varsovia ocupada por los nazis para salvar de la muerte a 2.500 niños judíos, fallecida a la edad de 98 años. Sus testimonios se recogen en una emocinante obra titulada “La madre de los niños del Holocausto” (Anne Miesxkowska, 2008).

Si bien es cierto, desde el punto de vista económico y social, hay quienes piensan vagamente que “la memoria no da de comer” o “la memoria no quita a la gente del paro”. Pero lo cierto es que “un pueblo que no recuerda su historia está condenado a repetirla”. Como bien comentaba un profesor que me impartió clase: el pasado es lo único que podemos cambiar, intentando comprenderlo, dando respuestas a incógnitas, porque el presente es efímero, se va, no da tiempo a atraparlo y el futuro quién sabe lo que nos depara si no conocemos nuestro pasado.

Y finalmente comparto con vosotros algunos documentos audiovisuales que ponen de manifiesto las aterradoras experiencias vividas en aquellos campos. Aunque me gustaría recomendaros Shoah, un documental francés dirigido por el realizador Claude Lanzmann, estrenado en el año 1985 y con una duración de alrededor de 10 horas. Este filme de Lanzmann es un documental de historia oral, filmado en alrededor de 10 años en distintos continentes. Se compone de testimonios en primera persona: víctimas, testigos y verdugos del exterminio de las comunidades judías durante la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

Y con esto doy por terminado el post: el dolor duele a todos, pero forma parte de la vida y nos hace madurar como seres humanos. Un saludo, amig@s.