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Entrevista en El diario de la Educación

Hola amig@s, recientemente me hicieron una entrevista en El diario de la Educación con motivo de mi libro “Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica”. Comparto el enlace a través del cual podéis acceder a la misma:

“Me llama la atención la ausencia de alfabetización mediática en chicos de 12 o 13 años”

Un saludo,

Acto de presentación de “Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica” en Teba, julio 2019

Hola amig@s, en esta entrada quería compartir con vosotros el vídeo que recoge el acto de presentación de mi libro “Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica” en la localidad malagueña de Teba, que tuvo lugar el pasado 19 de julio de 2019.

El vídeo fue grabado en varios fragmentos, pero al unirse la plataforma Youtube no permitía la subida de un vídeo de más de 20 minutos, por tanto los he unido y publicado en 2 partes.

Espero que os guste.

Un saludo,

La chispa de la vida y la ética periodística

La chispa de la vida es una película de Álex de la Iglesia del año 2012.

Este film nos acerca a la historia de Roberto, un publicista en desempleo. Acude a su antiguo jefe a rogarle un empleo, pero le comenta que no hay nada para él. Se decide a coger su coche para dirigirse al hotel de Cartagena en que pasó su aniversario de bodas. Sin embargo, se da cuenta que no hay hotel. Recorre una serie de pasillos y se cae, pero se sujeta a una estatua que está cogida por una grúa. Llega a parar, por desgracia, en una zona de hierros, y no se puede levantar porque se ha clavado un hierro en el cráneo. El guardia lo observa y acude a por ayuda. Pero el alcalde se encuentra mostrando el espacio a los medios de comunicación, un espacio compuesto por ruinas romanas. Aunque un periodista se enfrenta al alcalde, preguntando qué pasa fuera, porque necesitan informar de ello. Entonces percatan que este señor se encuentra en una situación arriesgada, pero no lo pueden ayudar. Llegan ambulancias, servicios de emergencias, bomberos, policía, pero nadie puede tocarlo. Roberto llama por teléfono a su mujer varias veces para informarle dónde se encuentra. Se pone en contacto con un antiguo amigo para intentar hacer de su desgracia un producto mediático. Es en este momento donde surge la problemática de la ética periodística. Algunos medios especulan que se pudo tratar de un posible suicidio.

Roberto contrata a un publicista para que lo representa, que intenta negociar con la desgracia ajena. Pidiendo miles de euros a las cadenas para que Roberto ofrezca una entrevista. Hace que firme un contrato para aparecer en Rumore Rumore, pero el publicista y el jefe de la cadena negocian que si muere en directo le podría pagar 2 millones de euros. Si sale del lugar ileso no valdría nada. Se observa cómo cada uno actúa conforme a sus intereses. El alcalde al principio muestra su urgencia para que lo saquen del lugar, y que ello no afecte a su vida política, aunque más adelante, aprecia más conveniente que no, porque le daría más publicidad.

Por otro lado, el publicista introduce una caja de cervezas como product placement, con el fin de que aparezca en las imágenes en directo. La directora del museo tiene urgencia porque lo saquen, pero en principio no quiere mover una piedra del lugar, para que no repercuta negativamente en la infraestructura de las ruinas.

La esposa de Roberto está en contra de todos lo que quieren negociar con su marido. Trasladan una sala de operaciones al lugar y le realizan una radiografía. La mujer quiere que lo saquen lo antes posible, pero pregunta al doctor los posibles riesgos. Aunque nos encontramos con una serie de profesionales médicos que no saben cómo actuar en estos momentos de riesgo en los que haga lo que hagan pueden cometer un error. Tras la intervención, Roberto muere, y uno de los jefes de una cadena se dirige al lugar con un maletín, suponemos que de dinero, y la esposa lo deja de caer con una patada.

Las reflexiones de esta película podrían incluirse en asignaturas como Filosofía, Moral y Ética, y ética periodística. En torno a esta película se puede debatir acerca de:

¿Qué es la ética y la deontología periodística?

¿Debe un profesional pensar como trabajador o como persona?

¿Se puede sentir empatía ejerciendo un puesto de trabajo de estas características o debemos ser objetos, alejándonos de nuestros principios? ¿O quizás nuestros únicos principios se centran en obedecer órdenes como un esclavo para tener el sueldo sin más a final de mes?

¿Le gustaría a un profesional de la información que se negocie con la vida de un familiar de esa forma? ¿Cómo actuaría si estuviera en el lugar de la víctima?

¿Es coherente o razonbale hacer un espectáculo con la vida privada de una persona anónima que está agonizando?

Lo cierto es que el tema principal que movería el diálogo en este film es que se pone de manifiesto cómo los medios de comunicación están dispuestos a negociar con la vida de un ser humano, para que les proporcione mayores beneficios económicos si pierden la vida en directo. Exigen que si muere pueden ofrecer una cantidad importante y de lo contrario, no ofrecer nada, pues no les supondría ningún rédito. Utilizando las desgracias de las personas como mero espectáculo, y es ahí donde el profesional de la comunicación debería preguntarse si es trabajador o persona. Específicamente en los medios de información una decisión tal vez buena o no tan buena te puede dejar sin trabajo o te puede dejar a la altura ética del betún.¿Qué harías tú? ¿Habrías hecho lo mismo que estos periodistas?

Comparto el tráiler de la película y os invito a verla para que os hagáis vuestras propias conclusiones.

Los guerrilleros, de Pedro Luís Ramírez (1962)

Hola amig@s, aquí he vuelto a las andadas para traeros un análisis nuevo. En esta ocasión se trata de unas observaciones que hice de la película Los guerrilleros (Pedro Luís Ramírez, 1962) a petición de una persona de mi municipio que pretendía avisarme para exponerlo como la última parte de su actividad cultural semanal. Pero, visto lo visto, solo me buscó para que le consiguiera la película y me he quedado con este contenido preparado. Realmente no es muy dado por aquí lo de remunerar a quienes hacemos investigación en el ámbito cultural desde el paro. La burocracia solo entiende de leyes y de documentación, no del tiempo que dedica un ciudadano a la realización de un estudio cinematográfico, pues desde fuera parece moco de pavo, mas no ha podido ser posible sin la formación académica universitaria de 10 años. Aunque, no me voy a quedar con las notas en el papel y las presento a continuación para compartirla con vosotr@s.

Los guerrilleros es un film español dirigido por Pedro Luís Ramírez en 1962 y estrenado en el año 1963. Por tanto, es realizado en el contexto de la dictadura franquista española e inspirado en la Guerra de la Independencia de 1808. Un conflicto que enfrentó a España, Reino Unido y Portugal contra el primer imperio francés, cuya pretensión era instalar en el trono español al hermano de Napoleón, José Bonaparte.

Y volviendo a la película que nos ocupa, es presentada en género musical, con bailes y cantes de la mano de los protagonistas: Manolo Escobar y Rocío Jurado, quienes interpretan los papeles de José Manuel y Salvadora. En principio, se observan los créditos del inicio mediante tonos grises y de color rojo. Que de alguna manera anuncian sangre, según la simbología y las connotaciones del color de la aportación del texto de Ferrer (1999), quien reflexiona sobre estos matices.

El rodaje se llevó a cabo en la localidad de Arcos de la Frontera, como bien se indica en los códigos textuales. Aunque, se mencionan Córdoba y Andújar como localizaciones. En este sentido, podemos poner de relevancia el trabajo del guionista, pues se trata de un individuo ubicado en un espacio y un tiempo concretos que, de una forma u otra, le puede influir a la hora de la construcción de los personajes y la narrativa presentada en su película.

Por otro lado, tiene presencia la canción titulada “Campanas del amanecer”, que se dio a conocer en 1962, con lo cual, procede del contexto de realización en que se desarrolla esta producción, no en el contexto de inspiración. Que, como mencioné anteriormente, se trata de la Guerra de la Independencia. Además, encontramos referencias al toreo y a la Iglesia Católica, que tuvieron bastante peso durante el período de la dictadura. Hemos observado también unos paisajes verdes, lo que denota una ausencia de sequía, sino todo lo contrario: vegetación viva. Encontramos igualmente referencias a Granada y a Córdoba, y brevemente vemos un patio decorado con elementos de origen marroquí. De alguna manera, implícitamente recuerda al arte musulmán, que permaneció en nuestro país desde 711 hasta 1492, y que dejó importantes influencias en nuestra cultura andaluza.

Asimismo, encontramos canciones con contenido del tipo “esclava a tu servicio” o “y yo soy la flor más hermosa”. Letras total y absolutamente machistas, en las cuales se recalca el atributo de la belleza, y se presenta a la mujer como figura sometida al hombre, sumisa, dependiente, como se demuestra con el comentario de Salvadora, cuando pregunta si puede triunfar en París, expresando estas palabras: “no podría llegar sola” y el personaje masculino le comenta: “para eso estoy yo”.

Por otro lado, se nombra a Herodes, quien fue conocido por sus proyectos constructivos colosales, entre los que están la expansión del segundo templo de Jerusalén, la construcción del Puerto de Masada. Pero aparece en el Nuevo Testamento como quien ordenó la Matanza de los Inocentes en la época del nacimiento de Jesús. El relato trata sobre su orden de ejecutar a los niños nacidos en Belén. Conviene matizar que este relato inspiró numerosas obras artísticas en la pintura y la escultura, y su difusión universal tornó a la figura de Herodes en el arquetipo de opresor que no duda en cometer crímenes. Incluso el asesinato múltiple de víctimas indefensas, por miedo a perder el poder. Idea similar es la que encontramos en esta película, pues sin motivo aparente se quiere asesinar a los franceses, por el miedo de los españoles a perder su poder.

Igualmente se juega y se ignora a la figura de los niños, delante de los cuales se asesina sin escrúpulos y se ven obligados a robar para sobrevivir en su contexto. Utilizados a conveniencia de los adultos que los rodean para hacer recados y caminar cerca de donde resuenan disparos. Además de facilitarles bebidas alcohólicas, tratándolos como si fuesen pequeños adultos. En este sentido, José Manuel comenta: “cuando de niños jugábamos a la Guerra”. Conflicto bélico como juego de niños, sin mayores miramientos ni responsabilidades de los adultos para con estas actitudes y aprendizaje que van adquiriendo, cuyo germen claramente nace o brota durante la infancia si no se promueven valores como el respeto, la tolerancia y el civismo social.

También se menciona la revolución francesa, que tuvo lugar desde 1789 hasta 1799, que marcó el final del feudalismo y sentó las bases de la Democracia moderna. Abriendo los horizontes basados en el principio de la soberanía popular. Algo que no casa mucho con el contexto de realización de esta producción cinematográfica, pues en 1962, en plena dictadura franquista, en las calles españolas reinaban la represión, el sometimiento, la ausencia de libertad de expresión y la penalización de la rebelión bajo penas de muerte o de cárcel. Aunque esto último se hiciese para perseguir el noble objetivo de luchar para la consecución de derechos personales y sociales.

El personaje de José Manuel resulta curioso, porque camela a varias mujeres a la vez, lo que tradicionalmente se conoce como un Don Juan, personaje creado en la literatura española por Tirso de Molina. Se aprecia que encandila a Salvadora, la vizcondesa, Marcelina y otras más. Incluso, en su canción dedicada a Andalucía, habla de “mujer bonita y hombre valiente”. Nuevamente se resalta el atributo primordial de la belleza, como si una mujer no pudiera ser valiente por sí misma o todos los hombres fuesen valientes.

En otro sentido, el reloj marca fervientemente el paso del tiempo, no solo sirve para informar al espectador de la hora en la que se encuentran los personajes. Finalmente, destaco otra de las canciones que aparecen en esta película y que expresa estas letras: “en las heridas que dejó la Guerra, nace una flor”. Lo que supone un intento de romper un pasado de forma fría. Olvidando que las heridas no son bonitas ni agradables de recordar como si de una mera planta se tratase. Obviando igualmente que un pueblo que no conoce su historia está condenado a repetirla. Pues un pasado sangrante que se oculta y no está dignamente sanado, regresa a nuestro presente a través de múltiples formas, visibles o invisibles, pero se plantan delante de nuestros ojos para intentar hacernos recapacitar como seres humanos.

Por último, el asesinato final es presenciado por un niño, y el arma es tomada por éste, quizás para reproducir lo que ha visto y lo que ha aprendido.

Después de todo, os recomiendo la película y sería interesante que reflexionéis sobre los detalles que os comento. Aunque comparto con vosotros un fragmento del film para invitaros a verla por completo.

Un saludo amig@s,

 

 

Comentario de El Bar (Álex de la Iglesia, 2017).

Bajo el eslogan “El miedo nos muestra cómo somos”, Álex de la Iglesia nos presenta su film titulado “El bar” (realizado en 2016 y estrenado en 2017) en cuyo interior se conjugan la vida y la muerte, tanto explícita como implícita, bajo el desconocimiento de una realidad que azotó a nuestro país hace unos años, como fue la presencia del virus del Ébola, que se detectó por primera vez en algunas partes de África y, por las circunstancias que ya conocemos, llegó a España.

La característica principal de esta película española es su reparto coral y la ausencia de un protagonista único físico, aunque sí psicológico: el miedo a ser contagiado por este virus mortal. Un miedo que se asemeja al presentado en “El ángel exterminador”, film dirigido por Luís Buñuel que muestra la imposibilidad emocional/psicológica de una serie de individuos pertenecientes a una clase social elevada para salir de la vivienda, por un motivo que desconocemos, pues la puerta está abierta. Al igual que sucede en “La niebla”, obra escrita por Stephen King y film dirigido por (Frank Darabont), donde no pueden salir de un supermercado por la presencia de unas criaturas extrañas en el exterior. Aunque al igual que en este último, el miedo es ser asesinado, aparentemente es un motivo de peso, pues se juegan su propia vida.

El inicio es un poco desconcertante, pues aparentemente una chica ha quedado con un chaval en un establecimiento, cuyo emplazamiento desconoce y una mujer le augura malos deseos, por no ofrecerle una limosna con el ramo de romero que le entrega. “El bar” es un establecimiento de Madrid que abre sus puertas a un heterogéneo grupo de clientes, en cuanto a su estilo y estatus social. Una de estas personas sale del establecimiento deprisa y recibe un disparo desde origen desconocido. Mientras, el resto de clientes permanecen en el interior y presentan sus dudas acerca de la posibilidad de salir o, por el contrario, permanecer dentro hasta que las autoridades aparezcan. En esta trifulca, otro de los clientes sale y recibirá otro disparo a vista de todos. Las autoridades aparecen y hacen desvanecer los cuerpos a través del fuego. En momentos posteriores, alguien enciende el televisor y descubren que han tergiversado esta realidad para sacar a la luz una historia distinta, convertida en una mentira periodística: “un establecimiento ha ardido y han acordonado la zona”, seguramente bajo la conjunción de un complot policial-político para dar a conocer los hechos a la sociedad española, pero transformados, para, posiblemente, terminar con las pocas personas que permanecen en el local, pero informando que se debe a un accidente. Por ello, llegan a la conclusión de que las autoridades regresarán a quemar el local y la única idea que se les ocurre es bajar al sótano e intentar sobrevivir o serán disparados por la dueña del bar. No olvidemos que han encontrado en el aseo a una persona que entró en el local y había viajado a África, por lo cual, igualmente es sospechosa de padecer este virus mortal, y es evidente la posibilidad de haberlo contagiado al resto de clientes. Así pues, llegan a un punto en el que desconocen quién lo ha tocado, quién ha contactado con sus fluidos o quién ha rozado su móvil. Único dispositivo que tiene cobertura en el interior, pero tiene la ubicación y desde instancias exteriores pueden estar controlando que el dispositivo está siendo utilizado. En definitiva, rodean al señor, que fallece delante de ellos, y divagan qué hacer con el cadáver, sin poseer el suficiente valor para salir al exterior, pues creen que pueden correr la misma suerte que los clientes anteriores. No olvidemos que algunos personajes lo tocan espontáneamente, sin ser conscientes del contagio, pues de eso percatarán más adelante.

Con todo, las autoridades llegan y terminan con la vida de quienes quedan arriba, pero desconocen que en la parte inferior del establecimiento una serie de individuos intentan sobrevivir y luchar por las pocas vacunas que el infectado porta en su bolsillo. ¿Quién merecerá vivir? ¿Quién deberá morir? ¿Quién valdrá más como persona para seguir viviendo?  Estas son las preguntas que se plantean en el camino que emprenden bajo las aguas subterráneas y el fango de las alcantarillas.

Destacaría de este film el fallecimiento explícito del individuo que padece Ébola, el desgarro en la interpretación de Hugo Silva y Blanca Suárez, la disputa bajo el agua de dos de los personajes que luchan por la vida asesinando al otro y la obsesión por el dinero. Así puede percibirse con el juego activo del personaje que encarna a Carmen Machi y las conversaciones del indigente al que Hugo Silva encarna, además de sus acciones: coloca unas monedas sobre los ojos del fallecido. Al igual que sucede con el alcohol, en el que tratan de ahogarse para poder llegar a alguna solución medio coherente dentro de la situación que están viviendo. A mi juicio, la interpretación de Mario Casas se crece en el corredor subterráneo, cuando tiene el arma de fuego como instrumento defensivo. Inclusive, creo que son impresionantes los créditos del inicio, pues no solo textos, ya que se conjugan la música, una cueva, bacterias y virus, que mutan y se transforman. En cada una de sus películas, Álex de la Iglesia se crece en los créditos.

Finalmente observo que se cumple la reflexión “el hombre es un lobo para el hombre”, pues las acciones de los personajes así lo demuestran y todo ¿por qué?: por miedo. Considero que el miedo merma y desgasta psicológicamente a las personas por el afán de agarrarse a un clavo ardiendo para seguir viviendo.

Desde una perspectiva semiótica, podemos ofrecer una visión actancial, partiendo del modelo actancial del relato que propuso Greimas. El término “actante” es originalmente creado por Lucien Tesnière y usado posteriormente por la semiótica para designar al participante. Así pues, todos estos personajes funcionan como actantes. Denominándose actante a aquel que realiza una acción, que busca cumplir con algún objetivo, y este objeto es vivir. El destinador es el motivo, y aquí pregunto: ¿Cuál es el motivo para querer vivir? Reflexionen ustedes. A continuación seguimos con el destinatario (es quien se beneficia si el sujeto consigue el objeto), y en este caso podemos decir que es el propio sujeto (cada uno mira por sí mismo, por su propia vida). En última instancia tenemos el adyuvante (aquellos que colaboran con el sujeto a conseguir el objeto) y el oponente (quienes obstaculizan o se oponen a que el sujeto consiga el objeto) que no dejan de ser ellos mismos: Hugo Silva, Mario Casas, Blanca Suárez y Carmen Machi. O en todo caso, observamos que simulan colaborar, pero por otro lado guardan secretos que lo obstaculizan y nos hacen dudar sobre sus verdaderas intenciones, con el único fin de  luchar por vivir.

Sin más, os animo a ver la película, porque no os va a dejar indiferentes. Aquí comparto con vosotros el tráiler.

 

 

“La representación de los menores de edad en los filmes que recrean el contexto de la dictadura franquista”.

Hola amig@s, dedico esta entrada para comentaros que al fin he terminado mi tesis doctoral después de 3 años de investigación, 9 meses de trámites burocráticos, unos 10 cursos de formación aproximadamente, 6 publicaciones científicas (algunas otras pendientes) y mi presencia, en la medida de los posible, en 3 congresos de ámbito internacional, mediante la presentación de comunicaciones/ponencias.

Foto4

Ofelia (El laberinto del Fauno, Guillermo del Toro, 2006).

A través de esta entrada me gustaría compartir con vosotros una síntesis de mi defensa, que se llevó a cabo el pasado 7 de septiembre de 2017, dando a conocer algunas de las claves que definen mi investigación y algunos de los contenidos de la misma.

Así pues, antes de comenzar con ello, también en esta ocasión, quisiera agradecer a las miembros del tribunal por haber aceptado formar parte de mi evaluación; a mis directores de tesis, porque han sido unos pilares fundamentales en este intenso proceso de aprendizaje durante estos 3 años; y a mi familia, amigos y compañeros por su apoyo durante este proceso.

La justificación del presente trabajo de investigación viene determinada por el interés en un mayor conocimiento y análisis de la recreación cinematográfica española de una parte de nuestra Historia pasada que repercute en nuestro presente, por propia conciencia, empatía y motivación a nivel personal y académica. Aparte de ello, existen otras razones que motivaron la elección de este tema. Entre ellas destaco la inquietud en conocer las formas de representación de la infancia y la adolescencia en el medio fílmico, especialmente en las producciones que recrean este periodo histórico de nuestro país, porque se ha observado que a estas figuras no se les ha otorgado una atención propia desde el ámbito científico.

En un segundo plano se pretende alimentar la memoria histórica, que está siendo tan cuestionada y fragmentada últimamente. Principalmente poner en valor cómo el cine entiende y refleja las peripecias de estos menores de edad, en su tentativa de salvaguardar su integridad física y psicológica, así como su vulnerabilidad y su fragilidad ante los acontecimientos vividos en aquel contexto socio-histórico.

Y tampoco podemos obviar el fuerte peso del poder del cine para instruir a la sociedad, lo que supone una oportunidad para sentar las bases de nuevas propuestas educativas, con las cuales plantear reflexiones y debates en acciones formativas y culturales.

 

En líneas generales la fundamentación metodológica se divide en dos puntos principales que son: el diseño metodológico del estudio empírico y el marco teórico, que comprende diferentes disciplinas que comentaremos un poco más adelante. Pero antes nos gustaría aclarar que nos encontramos ante un tipo de investigación con enfoque cualitativo, pues el análisis cinematográfico comprende las tareas de observación y exploración minuciosa de una serie de elementos audiovisuales que no son exactos, sino sometidos a la interpretación.

Por otro lado, los criterios que se han tenido en cuenta en la selección de producciones han sido: filmes españoles realizados a partir de 1978, protagonizados por menores de edad de hasta 17 años, integrados en contextos de agresividad, represión, persecución… que tuvieron bastante peso durante la dictadura franquista española y los primeros años de la Transición Política. Seleccionamos como partida este año con motivo de que se tiene en cuenta la Constitución española, que abole la censura previa y otorga libertad de creación en los diferentes medios artísticos, aparte de que supuso un punto de inflexión social y cultural en nuestro país.

Se han encontrado 13 filmes que responden a estas características, aunque algunas otras producciones han tenido que ser descartadas por diferentes motivos que justifico en el texto completo de mi tesis doctoral. Los personajes infantiles y adolescentes que conforman la muestra de estudio han sido analizados según los parámetros de una ficha, que comentaremos más adelante, y que explora en profundidad su universo individual, enfatizando el hilo narrativo y los códigos morfológicos y sintácticos.

 

Como mencioné anteriormente, la atención principal se ha centrado en el estudio exhaustivo del personaje, y ante esto podemos preguntarnos ¿qué es un personaje? este supone un elemento esencial de la diégesis narrativa que continúa albergando una problemática en su exploración, como consecuencia de la complejidad del concepto y la diversidad de funciones que esta figura adopta en la ficción. En su construcción intervienen una serie de rasgos de diferentes dimensiones: física, psicológica y sociológica, que responden a una serie de particularidades de tipo político, social, cultural, religioso…que de una forma u otra están vigentes en el momento de su construcción.

En cuanto a las metodologías de análisis fílmico, partimos de la premisa de que cada analista tiene su propio método de estudio y de que un mismo texto permite numerosas interpretaciones, por tanto existen diferentes propuestas metodológicas de análisis fílmico y en particular de personajes. Podemos citar algunas como las de Casetti y Di Chio (1998) y el modelo actancial estructuralista de Greimas. No obstante, nuestro planteamiento es de elaboración propia y profundiza en el estudio narrativo y de contenido, con especial énfasis en el universo del personaje menor de edad.

Si concretamos, nuestra propuesta está dividida en tres apartados: primero se realiza una contextualización de la obra cinematográfica, en la cual se mencionan brevemente los rasgos del estilo del director y se identifican los puntos principales de la narrativa cinematográfica; un segundo apartado está dedicado al estudio del personaje infantil y/o adolescente, en base a tres dimensiones: física, psicológica y social; y en último lugar, en segundo plano, se lleva a cabo un análisis de la utilización de los elementos que consideramos más trascendentales del lenguaje audiovisual de cada uno de los filmes que conforman la muestra.

Seguimos con el marco teórico, en el cual destacamos:

-Las características del contexto socio-histórico en el cual se inspiran las películas objeto de este análisis, como son la racionalización alimentaria, el estraperlo, el poder de la institución eclesiástica, la disciplina y la resistencia, que generaron un clima de terror y dominación por parte de individuos con cierto poder social.

-Igualmente, la memoria histórica es un concepto que conlleva unas actividades morales y de dignificación de las víctimas de la dictadura franquista, y ello se pretende abordar a través del cine, la alfabetización audiovisual y la inteligencia emocional.

-Además el proceso de Transición Política, la abolición de la censura previa y el interés de la sociedad española por enterrar cualquier huella del franquismo provocaron una liberación creadora que se tradujo en multitud de propuestas distintas en el cine, con variedad de temáticas y estilos. Aunque, todavía en estos años apreciamos una ausencia de proyectos de largometraje que ficcionalicen las problemáticas de los niños en este contexto de represión, salvo casos excepcionales, como ¡Arriba Hazaña! un film dirigido por José María Gutiérrez Santos en 1978, que yuxtapone sacerdotes violentos y sacerdotes mediadores en un conflicto.

-También hemos mencionado en varias ocasiones a los niños y a los adolescentes, pero por aclarar un poco esta noción podemos preguntarnos ¿qué es un niño? se trata de un concepto que ha ido evolucionando en la Historia de la Humanidad y se entiende de forma diferente según el punto geográfico en el que nos ubiquemos. En este sentido, se observa que los conflictos bélicos, los contextos de represión y de violencia no respetan a los niños ni a sus hogares, pues continúan siendo utilizados para matar y morir por cualquier motivo en diferentes lugares del mundo. Crecen en medio del conflicto aprendiendo a mentir, a caminar cerca de donde suenan los disparos y a utilizar juguetes como armas o armas como juguete. Incluso llegan a confundir una cámara con un arma, ante la que alzan sus manos, posiblemente en señal de subordinación, sumisión o resignación a la muerte que creen que les acecha tras el objetivo que les apunta.

Por otro lado, una parte de los resultados procede de esta pregunta: ¿Por qué aparecen los menores de edad en el cine?

El cine presenta situaciones de la vida y los menores de edad forman parte de la misma, su presencia sirve como objeto de reflexión en los filmes. Aunque resultan desagradables ciertas escenas como por ejemplo en la recreación de conflictos bélicos, familiares o abusos con niños de por medio, quizás con intenciones simbólicas. En este sentido, hemos tenido la oportunidad de recopilar testimonios de las formas de trabajar de algunos directores de cine español, como son Antonio Cuadri y Antonio Giménez-Rico, quienes prefieren respetar la vulnerabilidad de la infancia y la adolescencia, para evitar dañarles psicológicamente. Y para trabajar con los menores de edad siguen otras pautas diferentes a las que emplean con los adultos, pues con estos últimos tienden a ser más rigurosos, teniendo en cuenta que éstos últimos tienen mayor experiencia en la interpretación.

En cuanto a la exploración de la dimensión psicológica, para el estudio de la personalidad hemos seguido la propuesta de Morgan Forster referida a personaje plano y personaje redondo; para el carácter hemos tenido en cuenta a Carl Jung en cuanto a la extroversión y la introversión; y para el temperamento nos hemos basado en Hipócrates de Cos y su teoría de los cuatro humores: melancólico, colérico, sanguíneo y flemático.

Finalmente, el corpus conformado por el material fruto de nuestro análisis fílmico se revela de interés para ser utilizado y promover tanto la alfabetización audiovisual como el reconocimiento de los niños y los adolescentes que vivieron en el mencionado contexto socio-histórico. De manera que se plantea una propuesta pedagógica que recoge una serie de cuestiones que pueden ser abordadas, asociadas a la visualización de cada una de las películas examinadas. Aunque conviene recordar que el estudio teórico-reflexivo de la disciplina de la Cinematografía difícilmente se puede aplicar a la vida cotidiana desde el punto de vista técnico-práctico. Desgraciadamente, en la sociedad en la cual nos integramos pesa fuertemente un sesgo utilitarista que está al servicio del universo empresarial. No obstante, reitero y defiendo que el cine supone un instrumento significativo para la educación, la reflexión y la formación de los ciudadanos.

Los derechos del fotograma utilizado pertenecen al autor de la obra y en este caso ha sido utilizado simplemente bajo el amparo del derecho a cita, para contextualizar uno de los casos de la muestra de estudio. En ningún motivo nuestro interés va enfocado al lucro personal o colectivo con la utilización de esta imagen, pues este blog se mantiene de forma altruista desde el año 2012.

Comentar además que esta tesis fue valorada por el tribunal con la calificación de Sobresaliente por unanimidad con Mención Cum Laude. Evidentemente tendré en cuenta todas las propuestas del tribunal, en aras de mejorar mis líneas de investigación a largo plazo y plantear futuras publicaciones.

Pero antes de terminar me gustaría poner de relevancia que esta tesis doctoral se rigió por lo indicado en el RD 99/2011, superando positivamente los informes de 2 evaluadores externos a la Universidad de Málaga y un tribunal compuesto por 3 Doctores (profesoras titulares de Universidad) con más de 8 años de experiencia docente e investigadora. Algunos comentarios y reflexiones de los mismos fueron:

-En la tesis se observa objetividad y sensibilidad para tratar un tema tan espinoso como es la infancia en este tipo de cine.

-¿Por qué has seleccionado un tema tan duro como éste? Lo habrás pasado bastante mal viendo estas películas.

-Estaba leyendo tu tesis, se me ocurrían preguntas pero en los párrafos siguientes tenía las respuestas a esas preguntas.

-Puedes publicar la última parte en forma de unidades didácticas, para que sean de utilidad a los profesores estas películas en sus clases.

-No sé por qué utilizas como muletilla la expresión: “En este sentido” de forma reiterada, tampoco es algo negativo, pero es curioso.

-La lectura de la tesis resulta bastante fluida, minuciosa, detallada y fácil de comprender. En el capítulo 3 haces un análisis pormenorizado y en el capítulo 4 en la comparativa psicológica de los niños condensas y sintetizas de forma clara todo lo que se recoge en el capítulo anterior.

Mi nivel de nervios no me deja recordar ahora cuántas otras preguntas me hicieron. Lo cierto es que me dijeron que no se me notaba el nerviosismo, que se me veía bastante segura de mí misma. Aunque no sé cómo lo hice. Exceptuando el inicio de la presentación, que me vine abajo porque han sido 3 años duros de investigación sin un euro y no veia nunca en mi mente ese momento final. Al verme en situación, rodeada de mi familia, profesores y amigos, me imaginé a mi padre viéndome desde arriba, no me lo creí. Pero supe tragarme las lágrimas y continuar con energía. Lejos de considerar esto como algo negativo, una de las miembros del tribunal me dijo que pudo percibir que me apasiona lo que hago y esas lágrimas eran síntoma de que somos personas con sentimientos y emociones, no máquinas como nos convierte la burocracia en ocasiones. La sala quedó vacía, después de unos minutos dieron la entrada e informaron del resultado. El cum Laude no lo informaron en este paso (había que esperar días después) El paso último y siguiente era acercarse al Trbunal a darles la mano y dar las gracias nuevamente por su asistencia.

Tras este cúmulo de emociones, miembros del Tribunal, directores de tesis y yo fuimos al restaurante Garum a almorzar. Había reservado de antemano. Por cierto, comiendo me preguntaron por qué escogí ese lugar. La verdad es que me enamoré de este sitio porque está enfrente del cine Albéniz (C/ Alcazabilla) y me resultaba bastante simbólico. Está en una calle muy tranquila. Se come de maravilla, es especialista en atún y procuraron en todo momento adaptar la comida a las intolerancias y alergias. Al terminar el almuerzo no quería encerrarme entre 4 paredes todavía y en shock me recorrí las calles del centro de Málaga montada en una nube blanca, haciéndome estas preguntas: ¿era verdad o mentira? ¿habia pasado ya?

Un saludo amig@s y gracias por leerme.

Nombres, apellidos y fosas en el cine

Hola amig@s, perdonadme por no haber podido escribir durante tanto tiempo, pero no me he sentido con la suficiente inspiración para hacerlo. Esta entrada toma como referencia distintos medios. En principio leyendo la obra “Los maestros de la República” escrita por María Antonia Iglesias; en segundo lugar, oyendo la canción titulada “Todos los nombres” de la cantautora Lucía Socam (Vídeo Adjunto) me vinieron a la mente unos fotogramas de otro medio: varias películas que trabajan este tema de la memoria histórica, como son “El laberinto del Fauno”, “Las trece rosas” y “La voz dormida”.

 

 

En primer lugar, procedo a comentar los frames del film La voz dormida (Benito Zambrano, 2011). Aquí apreciamos unos planos cortos que nos introducen en los sentimientos y las emociones del personaje (Fotograma 1); y al mismo tiempo, la película presenta planos generales en los cuales se observan los fusilamientos (Fotograma 2 y 3). Aquí los rostros no se presentan de forma definida. En el caso de los encuadres de los fusilamientos nocturnos, la oscuridad impregna la escena y las sombras de la benemérita predominan en el suelo y en la pared exterior del cementerio.

la voz dormida 1.

Fotograma 1.

La voz dormida 2.

Fotograma 2.

La voz dormida 3.

Fotograma 3.

Tanto quienes van a ser fusiladas como quienes van a ejecutar las acciones se presentan en filas lineales en forma vertical respecto al horizonte del encuadre y en plano entero conjunto. Los dos fotogramas finales muestran un plano contra plano de la despedida (Fotograma 4 y 5), en la cual se lanzan un beso.

 

 

Fotogramas 4 y 5.

En la totalidad del film, tonos grisáceos que simbolizan cierta melancolía rodean a los personajes. Mueren sus esperanzas y sus ilusiones se marchitan, en un entorno en el cual son plastilina moldeables por las autoridades y la institución eclesiástica que dominaba a las mujeres en las prisiones, exigiéndoles creer en un ente superior, negando las creencias políticas individuales.

Tras este film, menciono el segundo que me vino a la mente al oír esta canción de Socam. El laberinto del Fauno (Guillermo del Toro, 2006). Vértebras abandonadas en un espacio que parecen unas fosas, mientras se presenta la historia de Ofelia. Unas vértebras presentadas en las ruinas de Belchite de forma cruel e inhumana (véase Fotograma 6). Quizás como metáfora de la destrucción a la que se encuentra sometida el mundo de los humanos, tal como fueron enterrados en fosas comunes los cuerpos de las víctimas de esta Guerra y posterior dictadura. Sin merecimiento de dignidad ni respeto hacia la vida humana. Para profundizar en estas fosas comunes se invita a la consulta de análisis de Armengou y Belis (2004), Barragán Mallofret y Castro Fernández (2004-2005) y Malgosa, Armentano, Galtés, et. al., (2010).

El laberinto del fauno 1.

Fotograma 6.

Expuesto el fotograma, si analizamos su composición podríamos tener en cuenta la regla de los tercios. Efectivamente, si dividimos la imagen en 3 tercios horizontales y verticales, esta cabeza se encuentra en los tercios inferiores, dejando aire alrededor de la misma y situándola estratégicamente en el lado derecho del fotograma. Simbólicamente se aprecia que este cuerpo o solo la cabeza ha sido enterrado en ese espacio de forma cruel e inhumana, pero proporciona cierto contraste, pues la escena está impregnada e iluminada con una yuxtaposición de tonos marrones y amarillos, otorgando calidez a esta situación de abandono. Analizada esta cuestión, lanzo la pregunta ¿Por qué se intenta proporcionar calidez a una situación de cruel abandono humano? ¿casualidad del director? O ¿realmente intenta ofrecer un contraste de frialdad y calidez para hacernos reflexionar en este sentido? Ahí dejo abierta la cuestión.

En tercer y último lugar, comento el final del film Las trece rosas (Emilio Martínez-Lázaro, 2007). Aquí trece mujeres van a ser fusiladas, se resisten a salir del camión (Fotograma 7). Colocadas una al lado de otra en fila vertical respecto al encuadre que se presenta, pero se desordenan en varias ocasiones para despedirse (Fotograma 8). Van a ser fusiladas, las manos les tiemblan y a través de un travelling lateral izquierdo en pulso, pues se nota la imprecisión de la cámara, se hace un recorrido por sus manos, que se entrecruzan y se ignora la representación del cuerpo hasta la cintura, otorgando mayor significación a estas partes del cuerpo: manos y brazos (Fotograma 9), hasta que al llegar a la última chica, la cámara nos hace partícipes de sus nervios y se desplaza para mostrarnos su rostro. El encargado da la orden de disparar y al final del film se muestra un texto explicativo (Fotograma 10).

 

 

Fotogramas: de izquierda a derecha: 7, 8, 9 y 10.

Y hasta aquí mi análisis, no se trata de un tema agradable, pero como bien indica la canción, todos los humanos tienen nombre y apellido y abandonar este tema desde la política más conservadora actual, por negarse a revivir un pasado, no es más que un absurdo. No proporcionar los derechos que como humanos tuvieron en su momento, que no es otro que un sepelio digno, excusarlo a motivos económicos es de una bajeza impresionante.

Ahora bien, no son idénticos conceptos la historia y la memoria (Tony Judt).

No podemos cambiarla, pero sí examinarla a través del cine, que presenta lo agradable y lo desagradable, en formas implícita o explícita, apelando a nuestros sentimientos y emociones, haciendo uso de una serie de estrategias audiovisuales. Lo inhumano, lo cruel, el montaje fílmico que lleva dolor y una lágrima se nos derrama al saber que realmente ocurrió en un pasado y en este medio solo se muestran ciertas cuestiones con muñecos, golpes, cisuras, armas… Lloramos con los protagonistas, nos imaginamos en ese lugar, sus lágrimas las hacemos nuestras al apreciar que la sangre brota de alguna parte de su cuerpo, que alguna humillación realmente tuvo lugar en aquellas personas que solo pensaban diferente políticamente o solo querían sobrevivir tras una maldita guerra que destrozó a tantos humanos; y todavía la negación de un respeto y entierro digno sigue destrozando a muchos. Malgastando recursos en temas que la sociedad no requiere y lo que requiere es ignorando de forma reiterada. Ignorando sus huesos, como si no fuesen personas con nombres y apellidos y no formasen parte de nuestra historia.

La conciencia, la verdad y la mentira se entremezclan y hacen un cóctel de sufrimiento que muchas personas lo hacemos nuestro por empatía, sensibilidad y queremos ofrecer una visión hermenéutica de su representación en el cine.

 

Los fotogramas solo han sido includos bajo el amparo de derecho a cita. Los derechos de la imágenes pertenecen a los autores de las mismas, no es mi intención lucrarme de ellas, regulado en el artículo 32 del Texto Refundido de la Ley de Propiedad Intelectual (TRLPI), según el Decreto Legislativo 1/1996, de 12 de abril:1

 

 

Requisitos para ser una persona normal (Leticia Dolera, 2015).

Hola amig@s, en mi tarea de colaborar  comparto con vosotros una nueva entrada titulada “Requisitos para ser una persona normal”, pero realizada en el blog en el que me invitaron a escribir (Cinéfilos frustrados), espero que os guste, disponible en:

https://cinefilosfrustrados.com/requisitos-persona-normal-leticia-dolera/

El club de los incomprendidos (Carlos Sedes, 2014).

Hola amig@s, después de varios meses de pausa en el blog, sin poder escribir ante el poco tiempo con el que cuento, porque debo dedicarle más a la tesis doctoral, pendiente de entregar en breves semanas y que me tiene ya agotada físicamente, después de 33 meses casi a muerte, vuelvo con una película que he visto este fin de semana, que lleva por título El club de los incomprendidos, una producción española dirigida por Carlos Sedes en 2014.

A grandes rasgos, el argumento tiene como centro a una joven llamada Valeria (Charlotte Vega), que se acaba de trasladar a la comunidad de Madrid tras la separación de sus padres. En su nuevo centro, comienza a frecuentar sesiones psicológicas con el orientador y otros compañeros de clase, que padecen distintos problemas, bien maltrato escolar, ansiedad, dificultad de ser uno mismo… Unas reuniones que, a priori, parecen fastidiosas, pero que terminan convirtiéndose en una auténtica experiencia, que le permite a nuestra protagonista hacer nuevos amigos, conocer el amor, la verdadera amistad, la lealtad, el respeto… Moviéndose por la ciudad de forma dual, es decir, tanto con estos amigos, como con un chaval que la conoce en el metro e intenta camelarla, pero en el último momento, consigue decepcionarla ante una de sus actuaciones negligentes en un accidente, unido a su trayectoria policial, repleta de delitos.

Como mencionamos anteriormente, en el grupo de orientación, Valeria comparte momentos con otros cinco compañeros: Raúl, Meri, Eli, Ester y Bruno, los problemas de cada uno de ellos se entrecruzan y se sentirán parte de una piña, de la que nacen vínculos íntimos (confianza, afecto) en la que se confiesan todo y se defienden; hasta que el amor toca a sus puertas de una manera u otra, y comienzan a florecer los miedos, los secretos, enemistades por la dificultad de los demás en asumir los sentimientos de los otros, mentiras, de la misma forma que en la vida real sucede en la vida de los adolescentes.

A lo largo de la historia, vamos apreciando en qué consisten los problemas de cada uno de ellos: Raúl, debido a la muerte de su padre; Bruno, por consentir que sus otros amigos lo avasallen y la complejidad de frenarlos; Ester, por la ansiedad, provocada por la necesidad de agradar a sus padres y encontrarse inscrita en todo tipo de actividades, que realmente la dejan agotada físicamente y repercute en su rendimiento; Meri, por no atreverse a ser ella misma ni a abrirse socialmente; y en última instancia, tenemos a Eli, que aparenta una chica fácil en cuanto a relaciones amorosas se refiere y su miedo a no encontrar a alguien que la quiera en un futuro. Este personaje de Eli, será la conexión del conjunto del grupo, enamorada de Raúl, al mismo tiempo que Valeria, algo en su interior la hace notar que el chaval está enamorado de ella, aunque el otro intenta darle largas, pero recibe la visita de una amiga llamada Alicia, que parece ser, se fue hace años del centro, va a volver a matricularse en el curso siguiente y la hace dudar en cuanto a la relación con sus nuevos amigos. Incluso, la tarde en la que Meri partirá en el tren a Barcelona, Alicia le comenta que sus amigos se están riendo de ella, puede volver a la estación a comprobarlo, y después del descubrimiento, la anima a irse de marcha juntas. Lo que vemos, parece normal, la figura de esta chica es nítida en las ocasiones en las que aparece, pero nuestra sorpresa vendrá cuando Valeria llama por teléfono a la madre de Eli, le comenta que últimamente trata con su amiga Alicia, y la adulta le expresa que tienen que ir a buscarla rápidamente, porque su amiga Alicia no existe, es producto de su imaginación. Este punto de inflexión en el descubrimiento del problema de Eli, supone un recuerdo al pasado para nosotros, un momento en el que trataremos de hacer memoria, para dilucidar si realmente la figura de Alicia aparecía nítida o difuminada, ya que esto supone un recurso audiovisual que nos da información sobre cómo lo percibía la muchacha. En ningún momento apreciamos que se tratase de un flash back, ni un fantasma, lo que ayudó que creyésemos desde un primer momento, que podría tratarse de una amiga de verdad, que vuelve a reencontrarse con ella. No obstante, el hecho de conocer a partir de ese momento que “Alicia no existe”, es cuando llegamos a conocer su problema de inseguridad, en una escena en la que esa voz le recomienda estar siempre juntas: abandonar y dejarse caer por el puente. Una conversación, en la que se debate con su yo interior, sus miedos, inseguridades, complejidades, y su amiga aquí ya es mostrada como visión, a diferencia de la claridad con la que se nos representaba anteriormente, en plano objetivo, partícipes de su amistad anterior, y en este momento, en plano subjetivo, introduciéndonos en su visión de la figura joven que está observando, que le está tomando la mano, para que se decida a dar el paso final. Hasta que sus amigos la encuentran e intentan protegerla de ese peligroso escenario mortal, por el que penderá durante unos segundos, en lo que los cinco se unirán para cogerla. Finalmente, en grupo aprende a hacerse respetar y abrirse un hueco en su mundo, comportándose tal como es, con confianza en sí mismos.

Como bien dijimos anteriormente, nos encontramos con una película española, y en un tiempo actual en que lo explícito sexual parecer ser tan reiterado en tantas producciones, en esta película no lo encontramos, sino que las escenas en las que se comparten momentos de este tipo se nos transmiten de forma implícita, tras cortinas, cierres de puertas. Si bien es cierto que se produce una brutalidad, ya que el entrenador corre tras Ester y, cuando aparece en escena, está llorando, pero se hace de forma implícita, no se nos muestra ante nuestros ojos la brutalidad cometida, para que sea nuestra mente la que suponga lo que ha podido ocurrir.

Supuestos, aunque en otros contextos, que se llevan a cabo en otras películas españolas de otros directores, como Montxo Armendáriz y su Silencio roto u Obaba, a diferencia de lo explícito de Álex de la Iglesia, Pedro Almodóvar u otras más comerciales. Incluso, y ya para terminar, una película en la que chicos adolescentes presentan miedos y dificultades en su integración social, que guarda similitudes con Las ventajas de ser un marginado, película americana dirigida por Stephen Chbosky en 2012, en la que un chico llamado Charlie, tímido y rechazado, escribe cartas anónimas a una persona, en las que aborda cuestiones como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, las drogas… y deberá afrontar conflictos, al mismo tiempo que luchar por encontrar un grupo de personas con las que pueda sentirse cómodo.

Sin más, os dejo unos pequeños fragmentos de esta película, tanto del tráiler como de los ensayos, y os animo a verla, porque gana el amor, la comprensión, el cariño, valores casi ausentes en la sociedad actual, tanto en las relaciones, en la amistad, en el apoyo de la familia.

 

 

 

 

 

 

Comentario El abuelo (J.L. Garci, 1998)

Hola amigos, después de un tiempo, vuelvo con una producción que comentar, una película española de 1998, dirigida por José Luís Garci y candidata al Óscar en Hollywood. Este drama de 1998 corresponde a la tercera adaptación cinematográfica de la novela de Benito Pérez Galdós, protagonizada por uno de los grandes actores míticos de nuestro país, Fernando Fernán Gómez, quien aquí nos transmite, con carácter, un gran honor y sentido del deber, así como de sentido común, en uno de los discursos que comparto abajo.

 

 

Uno de estos discursos que, extrapolados a la realidad de nuestro país, en plena crisis de 2016, no en el sentido de crisis económica (que también resulta evidente en estos tiempos) sino crisis de valores, de moral, de ética, de respeto a los derechos humanos…

En este caso, los traidores son personajes ilustres de la localidad (el alcalde, el médico, el cura…), que ven que sus planes de negocio comienzan a flojear por la vuelta de Perú del anciano, por lo que, lo toman como un loco y tratan de encerrarlo en un monasterio.  De manera que, el personaje al que da vida Fernando Fernán Gómez actúa como voz exterior de sus malas conciencias. En este sentido, podemos traer como recuerdo la filosofía que en su momento nos enseñó Thomas Hobbes “el hombre es un lobo contra el hombre”. En este caso, la maldad humana provoca que sean capaces de vender sus almas al diablo cuando ven flojear su situación de status quo dominante en el pueblo y lanzan piedras sobre su propio tejado, olvidando parte de su pasado, ignorando  aquella figura que contribuyó en la medida de lo que pudo a que se formasen y tuviesen comida que llevarse a la boca. Aunque, en esta formación integra, se hayan terminado corrompiendo moralmente, hasta el punto de pretender quitarlo de su camino, como dije anteriormente, con el objetivo de mantener sus intereses personales y no muestren ni un ápice de agradecimiento, sino que bajan las cabezas, como señal de vergüenza, la que apenas muestran tener.

Hasta aquí, les animo a que vean la película completa.

 

 

Ocho apellidos catalanes

Ocho apellidos catalanes es una película de Emilio Martínez Lázaro del año 2015 en la que vemos la obsesión de Rafa por las muchachas vascas. Entre tanto, recibe la visita del que iba a ser su suegro, padre de Amaia, para contarle la noticia que su hija va a casarse con un catalán, si antes no consiguen parar la boda. Así que, con este objetivo, ambos emprenden un viaje desde Sevilla hasta Cataluña, y llegan a una reunión que presenta el actual novio, que es artista.
Nos encontramos varios puntos de humor relacionados con los estereotipos de la figura de vasco, andaluz, catalán… Durante un par de días, conviven en la casa de la abuela, que cree la idea de que se va a celebrar la primera boda en una Cataluña independiente del resto de España. Un evento planteado para ser desarrollado con el soborno de algunos vecinos y funcionarios defensores de la patria. Quizás a algunos les parezca una producción un poco comercial, sin más que unas cuantas risas y un tema político actual, pero tenemos una película en la que evolucionan los personajes, como el padre de Amaia, la abuela de Pau, la propia Amaia…, así, no nos encontramos con personajes planos, sino redondos, y actúan de forma que no podemos predecir, porque su postura nos transmite otra forma de hacer las cosas.
Los personajes se tratan desde la mezcla de diferentes idiomas y dialectos, tanto el vasco, catalán, francés, inglés…, así, nos hace reflexionar sobre cómo son capaces de convivir con distintas culturas, ideologías, algo que en la vida real parece complicado como consecuencia de los odios, rencores, intereses personales y políticos, y cuesta llegar a un consenso social. No obstante, en esta ficción parecen entenderse a través del lenguaje del respeto, el cariño, el baile…, unido al amor, ese amor iluso y utópico, propio de las comedias americanas y que en la vida real parece tan difícil de lograr, pero que en esta producción nos atrae, por la posibilidad de sentirnos identificados con los personajes, cercanos a nuestros puntos de vista. Aunque, no se profundiza, al igual que en la vida real por parte de los medios de comunicación, sobre los motivos, del por qué esta autonomía plantea la independencia.
Finalmente, lo que destacaría de esta película es el momento en que la figura del andaluz y la vasca son cubiertos por una bandera catalana. Desde aquí, hasta el final hay una elipsis temporal de unos meses que deberán ver, así como reflexionar sobre lo que hay detrás de los estereotipos, los prejuicios, que nos transmiten ideas preconcebidas de algunos elementos de la realidad, que no nos dejan ver más allá ni ofrecernos la oportunidad de descubrirlos por nosotros mismos, sino que son manejados para moldear nuestra mente.

Desde el punto de vista del lenguaje audiovisual, me parecen muy interesantes las tomas debajo del paso de Semana Santa, que rompen la emoción de los presentes y la tranquilidad del protagonista, cuando es informado de la boda, así como la angulación cenital (desde arriba) de la escena que en Amaia y Rafa bailan en el salón de la casa de la abuela a oscuras.

Sin más, os adjunto el tráiler y espero que reflexionéis sobre la película sin prejuicios.

 

La monja (Luís de la Madrid, 2005)

Para esta entrada presento esta película española dirigida por Luís de La Madrid en el año 2005.

En esta historia tenemos a una joven que viaja a Barcelona junto a unos amigos para descubrir la identidad de una monja que asesinó a su madre, que se educó en un internado religioso, bajo los preceptos del sacrificio y el dolor para conseguir el perdón de los pecados. Aunque, más adelante descubrimos que su madre y unas compañeras, que ahora merodean por el internado, asesinaron a la monja y la ahogaron en el estanque de agua bendita.

Por tanto, este elemento de la naturaleza adquiere especial relevancia en la trama con la que nos encontramos, porque aquí el espíritu de la religiosa se genera a través del agua y viene del más allá para terminar con la vida de las adultas, tal como éstas hicieron con ella cuando eran jóvenes, para que rediman sus pecados a través del sufrimiento, de la misma forma en que murieron las Santas Hermanas católicas que llevaron su nombre de las que descubren unas pinturas en un pasillo (Santa Juana, Santa María…), una ahorcada, otra degollada, otra quemada… y paso a paso vamos viendo que, a manos del espíritu, así mueren o han ido muriendo las antiguas compañeras de colegio.

No podemos ignorar que, aunque esta joven no presenció el asesinato de la hermana religiosa porque no había nacido, fue engendrada como fruto del pecado en una relación prohibida entre su madre y el sacerdote que la confesaba. Así que, como se encontraba presente en forma de cigoto, puede ver el espíritu de la monja, que viene también por ella, ya que, la historia se repite: se ha enamorado del estudiante de sacerdocio que los ayudó a llegar al internado.

Como dije anteriormente, aquí el agua adquiere especial relevancia por su simbolismo, ya que devuelve a la monja la existencia espiritual para emprender su venganza (recordemos que fue ahogada en el agua bendita, y cobró vida cuando el estanque fue abierto con la intención de convertir el centro en balneario) al mismo tiempo que, hundida en este elemento de la naturaleza, termina con la vida de la joven.

Finalmente, en palabras de María Cátedra Tomás, de la Universidad Complutense de Madrid: el agua es algo sagrado, político, industrial, científico, sanitario, económico, relacionado con la ecología, con los placeres y sentidos del cuerpo, con las ideas, los valores, las metáforas.

Y, con el poder del agua para unir al hombre, la naturaleza y la cultura de un modo indisoluble, me despido, no sin antes invitaros a ver esta película facilitando el tráiler.

 

 

Presentimientos (Santiago Tabernero, 2013)

Hace unos días, haciendo zapping en televisión, me encontré la película Presentimientos, programada en la 2 de Televisión Española. Una adaptación cinematográfica de la novela de Clara Sánchez, que me enganchó y la verdad que creo que es  muy interesante en cuanto al montaje en paralelo y la conexión de las imágenes que se entremezclan entre la realidad de la chica cuando es ingresada en el hospital y las distintas experiencias vividas que la llevaron a esa situación, así cómo el poder de ésta para la sugestión y creer algo confuso el uno del otro. Aparte del montaje y la intriga que nos supone imaginar cómo se sucederán las cosas, contiene detalles que recuerdan al cine de autor, como Stanley Kubrick, concretamente, cuando recuerdan cómo se conocieron, junto a un kiosco y tocaron una película dirigida por este director, Eyes Wide Shut (1999), de la que mencionan la frase final que le comenta Tom Cruise y Nicole Kidman, y planean realizar la misma acción en honor al amor y deseo que se tienen el uno al otro.

No voy a contar el argumento en este caso, porque creo que es mejor verla y apreciar lo que las imágenes nos intentan transmitir, las sombras, los reflejos en el cristal del hospital, la noche…, ese reenamoramiento que vuelven a experimentar y esas sensaciones y sentimientos que vive la chica cuando se debate entre la vida y la muerte, mientras su mente vuela.

Sin más, es una película que recomiendo ver, adjunto el tráiler.

 

El Hotel eléctrico (Segundo de Chomón, 1905)

Poniéndome un poco melancólica, me resulta interesante recordar los inicios del cine. En la actualidad, observamos todo como algo de lo más normal, pero en su momento de creación causó gran expectación, como fue en Francia por ejemplo La salida del tren de la estación, mientras que aquí una de las primeras producciones vino de la mano de Segundo de Chomón, director de cine, iluminador y especialista de efectos especiales, así como trucajes de revelado.

Su película más conocida es El hotel eléctrico (1908), primer filme español en el que se utiliza el rodaje de objetos animados fotograma a fotograma y que presenta a un matrimonio que llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática, no han sonidos, no hay diálogos, pero resulta muy interesante el tema de este automatismo, con el que se llevan a cabo las acciones en este hotel, al que llega un matrimonio.

No apreciamos excelentes conversaciones, ni grandes escenarios, ni una gran psicología o conciencia de los personajes, entre otras cuestiones que en películas de la actualidad resultan obvias, sin las cuales, para una gran mayoría de la audiencia, una película es considerada “mala”. No obstante, en esta serie de fotogramas podemos apreciar la magia del cine, realizándose de forma artesanal, a diferencia de cómo se realiza actualmente, por medio de efectos especiales a través de programas de montaje, vídeo, efectos…

En estos tiempos, aún no había evolucionado el lenguaje del cine, como fue sucediendo de la mano de Georges Méliès, Charles Chaplin, Sergéi Eisenstein, Alfred Hithcock y otros muchos, de manera que apreciamos la cámara estática y los personajes que se mueven en torno a un escenario. La parte del final es casi una maravilla, ya que, como digo, que se lograra hacer todo eso de forma artesanal, sin equipos informáticos, es digno de admiración.

Finalmente, podríamos comentar también la forma en que se recrea la historia, con la cámara estática frente a los personajes, que en ocasiones la miran, nos recuerda a la forma de representación del teatro. Algo que se suele emplear también en algunas obras audiovisuales como forma de que el personaje se dirija hacia el espectador, dialogue y reflexione con él, al mismo tiempo que lo hace partícipe de los acontecimientos,  como suele hacer por ejemplo Woody Allen en algunas de sus películas como Annie Hall (1977), o bien que los mismos actores reflexionen con ellos mismos, como el caso de La rosa púrpura del Cairo (1985), donde una chica se enamora del actor protagonista de la película que está viendo, inspirada en algunas obras de Luigi Pirandello o el caso de Balada triste de trompeta (Álex de la Iglesia, 2010), cuando el padre fallecido reflexiona tras la pantalla, frente a su hijo, que entra a la sala de cine con dos metralletas, porque el rechazo de su amada y su trauma infantil le han provocado un estado de psicosis.

Hasta aquí, a continuación les voy a adjuntar el fragmento de la mencionada obra de Chomón, que dura pocos minutos y les animo a verlo:

Comentario de El genio alegre, Gonzalo Delgrás, 1955.

En esta entrada presento el comentario expuesto en la sesión explicativa de la proyección cinematográfica que realizamos en la biblioteca municipal de mi localidad, con unas 35 personas de público, quienes, durante estos meses, han trabajado la obra literaria de los hermanos Álvarez Quintero, y El genio alegre es una producción basada en una de sus obras.
En principio, en la película aparece como fecha el año 1955, pero está inscrita en el Ministerio de Cultura como del año 1956, aunque fue estrenada en 1957 en Madrid. Existen varias versiones, basadas en la obra de estos hermanos. Una de nacionalidad italiana dirigida por Roberto Leone, de 1919; otras dos españolas, una de Fernando Delgado, de 1936, que tuvo que ser abandonada por la llegada de la Guerra Civil y esta última que presentamos, dirigida por Gonzalo Delgrás en los años 50, y se presenta como homenaje a las tierras andaluzas.
En estos años, estaba instaurada la dictadura franquista, con la consiguiente censura previa impuesta. Cada inspector actuaba según su mentalidad, pero cualquier película que no respondiera a los ideales del régimen era censurada y su director debía, bien exiliarse en el extranjero, como el caso de Luís Buñuel, que trabajó sobre todo en México, Francia y Estados Unidos, cuyo cine era incomprendido en nuestro país; o bien, otros, que debían guardar la producción hasta el fin del Régimen, como Luís García Berlanga, con su película La Vaquilla, que salió a la luz en 1985. Aunque también, había una serie de directores que trabajaban de otra manera y así pasar desapercibidos ante la censura, como fue el caso de Juan Antonio Bardem.

Por otro lado, a la hora de comentar una película, es necesario tener en cuenta muchos aspectos, no solo decir que nos parece “bonita” o “fea”, porque son conceptos subjetivos, en base a nuestros gustos, pero no son criterios correctos para calificar la calidad de una película. Es preciso tener en cuenta criterios como el contexto socio-histórico en que se realiza, el contexto en el que se basa, las ideas y políticas del momento. Por lo que, resulta perjudicial ver una película con prejuicios o ideas preestablecidas, porque suelen estar basadas en el cine imperante de Hollywood, y hay directores que pretender romper con estos esquemas y proponen su visión y estilo personal sobre argumentos parecidos a los presentados por este cine comercial americano.
También, a la hora de comentar una producción cinematográfica, no la presentamos como una verdad absoluta, sino que se presenta como una aproximación o posible explicación al porqué del uso de unos determinados códigos y un contenido audiovisual. Aunque, algunos son usados por el cine para expresar ideas concretas, como los espejos, el tren, los pájaros…
Para empezar a comentar esta película, observamos que se nos presenta un universo cerrado de siervos y amos, con el tópico del señorito y el velo obligatorio en la mujer para entrar en la Iglesia, como era típico en la época. Así, como, la persistencia del machismo, la mujer crecía con la idea de casarse y dedicarse a su hogar concibiendo su boda “a la española” con ambos novios vestidos de negro. Negro, como muestra de los entornos y ambientes sombríos de estos años, en los que más que una boda parecería un entierro, por ser un color que no refleja alegría.
Al principio, Consolación, expresa: “todo está igual, nada ha cambiado”, reflejando la idea del inmovilismo de esa España rural, con sus típicos rumores y costumbres que no se pueden romper.
Tenemos, el recurso de las diferentes artes dentro del cine, considerado un tipo de relación transtextual, como la pintura, la mención al propio cine, la literatura, la música. La pintura la tenemos en el momento en que el muchacho está pintando un retrato a Don Eligio, el administrador de la cara de la Marquesa, escena que se asemeja a un cuadro de El Greco, titulado El caballero de la mano en el pecho, de 1580, así como la mención a Velázquez, tal vez como homenaje a ambos pintores. Además de que se recuerda a Góngora y Quevedo en el campo de la literatura.
La presencia de la pintura dentro del cine, se suele emplear en el cine con varias funciones, como pueden ser un simple elemento del decorado; bien como una antesala de la muerte y su reflejo en la pintura; o, como muestra de una posición social elevada, que sería el caso de esta película.
Por otro lado, estaría la música, el cante, el baile, para reflejar que era una etapa alegre, como que no era así, por el contexto de dictadura; o bien, como muestra de la ausencia de alegría en estos años. Como nos transmiten las palabras del acompañante de tren de Consolación, cuando expresa: “que se mueran los feos”, ya que los serios no aportaban felicidad. Palabras que chocan con las de los sirvientes cuando comentan: “lo de cantar y reír lo va a tener que dejar en la puerta”. Ya que, en esta etapa, priman la disciplina, el orden, el control y una férrea moral católica, y cualquiera que cantase, era silenciado. A lo que Consolación propone risas, cante, baile, y así romper con esa tristeza, que se refleja también en las flores, como cuando la Marquesa comenta “los rosales se secaron hace tiempo”, además de la fuente, ausente de agua.
También, aunque veamos la película en blanco y negro, aparece la mención al color verde, que es afín a la naturaleza, como es el entorno rural en el que nos encontramos; color que solemos buscar al salir de un trauma, por este contexto, se trataría de la Guerra Civil. Además de ser un color que proporciona calma y paz interior, la que pueden estar añorando en este contexto de dictadura; símbolo también de la esperanza, la que siguen manteniendo algunos personajes.
Se hace referencia a la filosofía, con la presencia del loro llamado Platón, con el que Don Eligio mantiene conversaciones y reflexiones sobre la vida. Un pájaro que no está totalmente encerrado en una jaula, sino que está en un colgador, pero está domesticado. Lo que, podría significar que, aunque la sociedad estuviese formada, educada, debía seguir las instrucciones de su señor, a pesar de tener los instrumentos necesarios para volar en libertad.
La presencia de los espejos es un recurso simbólico que refleja la insatisfacción humana. Y el tren se suele introducir como símbolo del paso del tiempo, un tiempo que les parecería no iba a terminar nunca.
La Iglesia parece por todos lados, había un hondo espíritu religioso, de virgen, oración, romería…, impuesta tanto a criados como señores, tanto a creyentes como a no creyentes. Ya que, en esta época, la institución eclesiástica y el régimen se prestaban apoyo, imponiéndose así el nacionalcatolicismo en nuestro país. Pero, abriendo la puerta a otras creencias y religiones, como el momento en que, mientras comen, Don Eligio habla de distintos dioses griegos y romanos, entre los que podemos mencionar a Minerva, la diosa romana de la sabiduría y las artes. También, cuando la amiga de Consolación va por la calle cantando y se dirige a un señor con estas palabras: “recuerdos a papá Noel”, personaje navideño más propio de religiones protestantes, que suele aparecer más comúnmente en Finlandia, Noruega y Estados Unidos.
Éstas han sido las reflexiones que he podido extraer de esta producción cinematográfica, abiertas a otras interpretaciones y visiones que se quieran realizar, ya que, si recordamos a Nietzsche “un mismo texto permite numerosas interpretaciones, ninguna considerada objetiva y correcta”, porque no puede ser demostrable científicamente.
A quien le interese ver esta película, se encuentra completa en Youtube.

Finalmente, me despido por este año. Ésta ha sido la última entrada de mi blog de 2014. Agradezco nuevamente a aquellos que me leen, que les quiero desear un feliz año nuevo, que se cumplan vuestros sueños y que saquéis lo mejor de cada película.