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La importancia del tiempo: Un día inesperado.

Un día inesperado (Gil Junger, 2004) es una producción, quizás con malas opiniones, con comentarios de algunos “críticos” de medios de comunicación que, más que sacar a relucir lo bueno o malo que tiene, se quedan en lo superfluo con expresiones del tipo “no queda claro a qué género se apunta”. Tal vez, para el tema que vamos a tratar, haya otras películas que ejemplifiquen mejor este tema. En mi opinión, no merece una concepción tan simple de buena o mala o quedarse con el género en que se apunta. Creo que va un poco más allá, aunque, un poco comercial, drama romántico o la adscripción al género que cada uno interprete, esta película nos viene a ofrecer una visión de lo que significa el tiempo. Mezcla lo real, la vida de los personajes, con lo onírico, sus sueños, mediante una serie de flash back, recuerdos del pasado, por instantes, o flash forward, en los que se vuelven a repetir en el futuro las acciones que vivieron en sus sueños. Y, con todo esto, la importancia del tiempo, el tiempo que va, viene…, sin pensarlo y sin que percatemos. A veces queremos a las personas, tenemos una serie de sueños, ilusiones por cumplir, tenemos un día a día, unas obligaciones y responsabilidades, pero si realmente mañana se nos acabase la vida, llevaríamos a cabo una serie de acciones totalmente diferentes a las que realizamos comúnmente, y si pudiésemos volver atrás, seríamos conscientes y le daríamos más importancia a los temas que realmente la merecen.

Nos transmite la idea de que vivamos el día como si fuese único, como si se fuese a acabar mañana, expresar lo que realmente sentimos a los demás, ya que realmente nos sentiremos satisfechos y mejor con nosotros mismos.

 

 

Tras el cristal (Agustí Villaronga, 1987).

A continuación voy a comentar una película no apta para quien tenga gran sensibilidad a las imágenes violentas, como es mi caso, pero me enfrenté a ella, porque es de la trayectoria de un director que estudio para mi tesis, Agustí Villaronga, caracterizado por introducir a menores en contextos traumáticos y violentos.

La película que nos ocupa se titula Tras el cristal, del año 1987 y trata sobre las crueldades cometidas por un médico en los campos de concentración nazis durante el Holocausto. Tras pasar todo, se lanza al vacío, quizás por arrepentimiento o redimir su perdón de esa manera, y queda tetrapléjico, debiendo permanecer encadenado a vivir tras el cristal de un pulmón artificial, del que no se puede mover, dejando al aire solo su cabeza.

Un dia, un chico entra en la casa familiar, marcada por la oscuridad, las cortinas echadas, las sombras, con el argumento de cuidarlo, expresando que es enfermero. Pero, someterá al médico a todo tipo de humillaciones y vejaciones, similares a las que él padeció. El hombre se da cuenta que se trata de uno de los niños de los que abusó durante el Holocausto nazi, en aquellos campos de la muerte, en los que, además, experimentaba con ellos.

El rostro del chaval permanece frío e impasible al asesinar a la esposa y mover su cadáver, haciendo creer a la hija, que su madre se ha marchado. Expresándole, también, que no va a necesitar más a su padre, a lo que la niña se resiste, por lo que intuímos que es capaz de hacer algo más escabroso con él

Aquellos abusos han provocado la monstruosidad de su rostro, de su forma de actuar. Rostro insensible que presenta, también, cuando mira a los ojos al señor, colocándose encima de él y ejecutando las mismas acciones que el minusválido cometió con él a su corta edad. Pero este gesto de mirarlo fijamente a los ojos, supone un enfrentamiento, quizás, intentando manifestar que ahora es él quien tiene el poder, repitiendo todas aquellas vejaciones que padeció en su infancia, que quedaron grabadas en su mente, marcándolo de por vida. Esperando el día de su mayoría de edad, para perpetrar su venganza y provocarle todo tipo de sufrimientos, sin piedad. Le muestra esa autoridad, esa superioridad, ese control que un día sintió por su parte, a pesar de tener ahora menos edad que él, ahora es él quien domina. Su rostro es enfatizado mediante planos cortos con angulación en contrapicado, para remarcar esa superioridad en la que se encuentra frente al médico. Ambos frente a frente, pero el muchacho abusa ahora del poder de mantenerse sobre un cuerpo, caminar, actuar por sí mismo, a diferencia del médico, postrado en esa cama, a merced de lo que quieran o puedan hacer con él. Valiéndose solo de su mirada, lo que sus ojos observan alrededor de esa habitación, de la que no puede salir.

Hacia la parte final, la historia se mezcla con recursos oníricos de la ficción, quizás un recuerdo, un flash back… Pero, lo más cruel e infame tiene que ver con unas imágenes, un momento en el que apreciamos que el médico pregunta al niño si quiere ganarse unas monedas, a lo que el pequeño responde afirmativamente, puede que por necesidad o miedo a cuestionar la autoridad. Tras lo que el adulto, le coge la cabeza y la coloca en la parte inferior de su cuerpo. Escena que, me he sentido incapaz de ver por completo, porque me ha tocado demasiado la fibra sensible y una serie de lágrimas me han comenzado a salir de los ojos, dicho sea de paso. Es una de esas escenas en las que una persona se pregunta cómo el ser humano puede llegar a ser tan ruín, despreciable, perverso… Una historia de ficción, sí, pero que vemos a menudo en casos de pedofilia, pederastia, tráfico de menores… o el nombre que se le quiera poner, la cuestión es que el abuso infantil sea del tipo que sea, es un acto en el que todos los calificativos se quedan escasos, por la envergadura y el trauma psicológico que ocasiona. Un individuo que comete tales acciones no puede denominarse ser humano, incluso, ni animal, porque hasta uno de ellos, como puede ser un perro, puede llegar a tener sentimientos hacia el ser humano.

Finalmente, observamos que un niño se sitúa en esa cama, postrado. Tal vez, intentando manifestar que aquellos abusos han provocado que se siga sintiendo un niño, un individuo incapaz de actuar por sí mismo, necesitando la ayuda de otros para su día a día. Escena que se entremezcla y se aleja dentro de una bola de cristal. Quizás, los abusos que ha cometido con el señor hayan sido solo un deseo de perpetrar su venganza desde esa parálisis en la que se encunetra. O tal vez, haya sucedido todo en esa casa y lo haya tomado como una guerra interior, una lucha consigo mismo, por haber consentido aquellos abusos y no haberse podido defender, por miedo a la autoridad y al mundo adulto, y haya querido torturar tanto al nombre como a sí mismo. En definitiva, tanto los abusos que cometieron con él y que él ahora ha repetido no le han servido para nada más que para hacerle sentir superior, pero realmente, ha podido quedar minusválido, sin movilidad, tanto física, sin poder actuar en primera persona por sentirse incapaz, a mercer de lo que hagan con él. Además de emocional, sintiéndose incapaz de poder pensar y sentir emociones, como lo haría una persona normal, que no haya sufrido ningún tipo de violencia ni abuso durante su infancia, un período que, como aquí apreciamos, marca para toda la vida.

Sin más, os adjunto el tráiler de la película, que se encuentra entera en Youtube, para los sensibles, la película entera va a suponer un mal trago.

 

Juramento Hipocrático en el cine

A propósito de los actuales recortes en Sanidad, os adjunto esta miniserie, en la que podemos apreciar una visión particular acerca del Juramento Hipocratico de los profesionales de la salud. Espero que os guste y haga reflexionar.

Juramento hipocrático

Además, de esta temática tenemos otras películas, como por ejemplo, Camino (Javier Fesser, 2008), donde se reflexiona acerca del papel de los profesionales de la salud, y nos podemos plantear varias cuestiones. ¿Hasta qué punto un médico, habiendo realizado su Juramento Hipocrático, debe consentir que una persona sufra por amor a Dios? ¿debe respetar la vida o la dignidad humana?
Aparte de los sanitarios, la familia y los clérigos son condicionantes para un enfermo a la hora de decidir la voluntad de Dios, pero ¿hasta qué punto se ignora la voluntad y dignidad de un ser humano para imponerle que, si no sufre ni aguanta el dolor, sin quejarse, vivirá en paz eternamente cuando vaya al cielo? Os paso un enlace con un trozo de la película en la que los sanitarios están presenciado la muerte de la protagonista. Tal vez, sea una forma de no ver la muerte con miedo, pero la vida se hace más pesada al tener que seguir la voluntad de otros.

El Séptimo sello, Ingman Bergman

A continuación, les muestro un vídeo con algunas de las escenas de la película “El séptimo sello” de Ingman Bergman en el que vemos reflejado sus reflexiones sobre los diferentes temas que preocupan a la sociedad, como lo son la muerte, la religión…

Ritmo lento que va dejando la puerta abierta a la reflexión, a cuestionarse el sufrimiento de la vida.  La música nos va adentrando en ese universo de lo filosófico.

Animo a ver la película entera porque merece la pena.

Análisis de Tesis, A. Amenábar

Tesis es el primer largometraje de Alejandro Amenábar. La historia habla de Ángela, una joven que prepara su tesis doctoral sobre la violencia audiovisual, al pedir ayuda a su director de tesis sobre este tipo de películas, este descubre accidentalmente una película y el día después lo encuentran muerto. Ángela descubrirá un negocio alrededor de los snuff movies, contará con la ayuda de Chema, un estudiante oscuro, a quien recurrirá como aliado y confidente. Bosco es otro estudiante de la misma facultad, parece ser el asesino, es la persona que hace las películas y acaba con la vida de las protagonistas, entre las cuales está su novia Yolanda. Figueroa es quien dirige la tesis de Ángela, muere de un ataque de asma tras el visionado provocado por la impresión que le producen las imágenes de la snuff movies. Castro, es profesor de Psicología Audiovisual, que sustituye a Figueroa en la dirección de la tesis de Ángela y de sospechosa actitud. Es el editor y realizador de las películas snuff en los sótanos de la facultad, compra las cámaras con las que graban estas películas y muere a manos de Chema cuando intentaba matarlo a él y a la joven. Yolanda es la novia de Bosco, confiesa el asesinato de Vanesa y Ángela, es asesinada por el novio en la realización de una de las películas. Vanesa es amiga de Yolanda y también es asesinada por Bosco de la misma manera que Yolanda. Parte de esta película fue rodada en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid en la que estudió Amenábar. El rodaje fue realizado durante el mes de agosto, cuando todas las instalaciones se encontraban vacías. En esta película se trata el tema de la violencia en el cine pero sin hacerla con un planteamiento violento, el terror es psicológico, se sugiere pero no se ve, aunque en algún momento se ve alguna escena violenta, propia de las snuff movies. Esta historia trata sobre Ángela, una joven Licenciada en Ciencias de la Información, que prepara su tesis sobre la violencia audiovisual. La joven pide ayuda a un muchacho llamado Chema, compañero de la facultad, para que le muestre cine violento. Decide llevarse la película que el profesor ha visto y descubre que se trata de una “snuff movie”, en la que una chica inocente es torturada, asesinada y descuartizada. Un mundo audiovisual peligroso se abre ante ellos. Tras descubrir en el depósito de la facultad una sala oculta con multitud de cintas de video, con la ayuda de Chema, Ángela empieza a investigar la procedencia de la película y a sospechar que los asesinos se encuentran en la misma facultad. A partir del momento en que Ángela coge la cinta para descubrir qué escena tuvo efecto mortal que provocó en el profesor, se comienza a desarrollar una trama en la que se verán implicados Chema y su antiguo amigo Bosco. En un principio, en líneas generales, la historia gira en torno a la presentación de los personajes, la iniciación de Ángela y el público al concepto de violencia cinematográfica. La historia se nos cuenta desde el punto de vista de Ángela para comprender la película, que tiene poco conocimiento de las snuff movies y lo va descubriendo conforme avanza la historia, al mismo tiempo que el espectador. La segunda parte supone una caída del interés de la historia, ya que la idea general esta contada. El espectador conoce ya lo que es y lo que representa el snuff movie. A partir de aquí, ya solo queda removerlo todo y buscar los protagonistas que se encuadran dentro de la realización de este tipo de historias. A continuación vamos a realizar el análisis técnico que compone esta película. En esta estructura audiovisual vemos diferentes tipos de planos como: Primeros planos, cubre la cabeza y parte del cuello, como el momento en que Ángela descubre a Figueroa muerto. Plano medio: cubre desde la cabeza hasta debajo del pecho, la presentadora de televisión anunciando las muertes. Plano de conjunto: cubre a dos o varias personas en un mismo plano, cuando Ángelava a la discoteca, donde está su hermana con Bosco. Plano americano o ¾: ocupa todo el ángulo desde la cabeza hasta las rodillas, pudiéndose hacer algo más corto como hasta por debajo de las caderas, como en el momento en que el profesor entra en el depósito. Plano detalle: que ocupa en imagen un solo trozo del objeto o persona, como el momento en que Ángela se tapa los ojos al ver la sospechosa cinta del asesinato de la joven y vemos el ojo cubierto por los dedos. Respecto a los ángulos de visión, tenemos: Picado, que se utiliza para empequeñecer a un personaje, con el ánimo de hacerlo inferior. Contrapicado, utilizado para engrandecer a un personaje, con el ánimo de hacerlo superior. Tenemos una mezcla de estos dos ángulos cuando Ángela y Bosco se encuentran en la habitación para proceder a realizarle una entrevista y ser grabada con una cámara. Se van sucediendo picado y contrapicado, donde Ángela forma parte del picado y Bosco el contrapicado. Neutral, ángulo en que se sitúa la cámara a la vista de los ojos, ni para engrandecer ni para empequeñecer, sino para proporcionar una vista objetiva de los hechos o personajes. Cenital, ángulo tomado desde arriba, como el momento en que Chema y Ángela revolotean papeles sobre cámaras, y vemos un plano desde arriba con todos los folios en el suelo. Respecto a los movimientos de cámara, vemos de todo tipo, como panorámicas; travellings hacia adelante, hacia atrás, de acompañamiento; zooms para cerrar planos de personajes, como por ejemplo en imagen aparece en plano entero y mientras camina el personaje, el zoom se va cerrando hasta plano medio largo. El sonido es inquietante a veces, nos va reforzando esa sensación de pavor. Hacia el final, cuando Bosco pone a Ángela en la silla para hacerle lo mismo, esa música nos va afianzando esa sensación de suspense, de no saber qué va a ocurrir… La iluminación en los escenarios escondidos es muy contrastada, oscura, marcando los claros y los oscuros, lo que nos va fortaleciendo la sensación de miedo, de no ver bien lo que está ocurriendo y producirnos inquietud con tantas sombras. Las películas snuff son aquellas rodadas en la clandestinidad, en las que se presencia torturas, asesinatos y vejaciones reales. Este tipo de cine ha alcanzado más de un éxito de público por muy difícil que parezca. El objetivo de estas macabras grabaciones es conseguir un espectáculo morboso como único. El mito sobre la existencia de este tipo de grabaciones se produce porque quienes la protagonizan solo lo hacen una sola vez, y los que se encargan de realizarlas se ocupan de que el acceso al interior de este submundo sea imposible para la gente. Este tipo de films tiene una mala calidad, su escenario está localizado en habitaciones, con dos o tres personajes, sin sonido más que gritos, violación y asesinato de una mujer, metraje corto donde solo se muestra el hecho. Los mecanismos de intriga que utiliza el director logran transmitir el pánico propio del asunto desarrollado y las situaciones que se van derivando de la acción de la protagonista. Vemos que lo que interesa al director, como las reacciones de los personajes, sus facciones y el diámetro de sus ojos, cuando se enfrentan a una serie de imágenes violentas. ¿Por qué la gente ve snuff? ¿Por qué nuestras manos se apresuran a tapar los ojos en un intento de ahorrarnos lo inevitable? Nuestros ojos buscan esas imágenes, aquellas que nos incomodan más, aquellas que nos hacen sentir violentos, impotentes…Buscan lo prohibido, lo agresivo, para después arrepentirnos. Esa inestabilidad e irritabilidad se adentran en nuestra mente, desplazando a un lado la razón. Después de ver este tipo de imágenes, un sentimiento de culpa se apodera de nosotros. Esta película nos muestra el mundo de las snuff, un mercado que según dicen, mueve mucho dinero; existe el snuff blando, con muertes de animales, muertes accidentales de personas, snuff perverso y peligroso relacionado con el mundo criminal. “Tesis” viene a ser una reflexión sobre nuestra forma de reaccionar ante la violencia, ese efecto de atracción/repulsión que produce en la mayoría del público. Por eso, Amenábar prefiere mostrar los rostros de Ángela y Chema contemplando las imágenes de la pantalla, más que en lo que ella aparece. El espectador no verá escenas violentas, apenas unos planos en pantalla. La sumisión de estas imágenes violentas nos produce emociones y una mezcla de sensaciones de pánico/terror/miedo/espanto. Obra clásica de suspense, con muchos cambios bruscos de guión. Introduce un nuevo tipo de cine, buscando un conflicto moral más bien investigador. Existe la sensación de que el tema snuff no ha sido tratado en profundidad, se ha contado una historia con snuff como fondo y no como objeto. A lo largo de la historia nos va creando esa duda en saber quién es el malo y quién es el bueno. Pienso que los padres deben ser conscientes de la violencia que sus hijos ven usualmente en los medios audiovisuales, hacer caso de la normativa legal que rige la edad que deben verse determinados productos audiovisuales y tomar conciencia de los peligros que pueden ocasionarles en su mente a largo plazo.

Fresas salvajes, Ingmar Bergman

Esta película es uno de los pilares del cine de Ingmar Bergman.   Este maestro del cine posee una determinada manera de realizar la puesta en escena, unos personajes muy parecidos, alusión a los mismos temas…  El estilo de Bergman, está más relacionado con el arte escénico, dando más importancia al rostro y la expresividad de los actores. Muchos lo consideran el paradigma del existencialismo filosófico llevado a la pantalla. Ahonda en sus películas sobre la reflexión de la existencia del ser humano, temas universales como la vida, el amor, la muerte, la soledad, la creencia en Dios. Sus películas están llenas de preguntas sin respuesta. Bergman desarrolla una poderosa abstracción lírica, para recrear una cautivadora historia de la memoria y de la existencia del ser humano, desde la alucinación y el onirismo, con un recuerdo al director sueco Victor Sjöström, maestro del cine mudo, influencia también para el propio Bergman.

Fresas salvajes cuenta la historia de dos viajes paralelos, por un lado un viaje físico, el que realiza en coche el profesor desde Estocolmo hasta Lund, donde va a recoger el premio que lo nombra doctor honoris causa; el otro de los viajes, es interior, el que el profesor emprende durante el recorrido, un viaje interior que llevará a cabo explorando y analizando toda su vida, su camino recorrido y sus relaciones frustradas con la gente de su alrededor.  Borg, decide emprender este viaje, asustado tras haber tenido la noche anterior una pesadilla en la que contempla su propio cadáver dentro de un ataúd.  La escenificación de este sueño es uno de los momentos más espeluznantes de todo el film. Las imágenes de esta secuencia, las podemos ver con una iluminación contrastada con un carácter expresionista. En este sueño, podemos ver que Borg camina por una calle solitaria, donde las ventanas están tapadas y un reloj sin agujas cuelga de la pared, igual que el reloj que coge de su bolsillo. Se trata de un símbolo, símbolo del tiempo detenido que precede a su muerte, tiempo que pierde todo sentido. En ese momento, pasa un carro movido por caballos, choca con una farola, una rueda se sale (aquí vemos un homenaje a La Carreta Fantasma de Sjöström), se cae la ataúd en el suelo, el doctor se acerca y nota que la ataúd se ha abierto, en ese momento, la persona que hay dentro  de la ataúd saca su mano, y el doctor percibe que se trata de él mismo, está contemplando su propia muerte, este transeúnte le coge su mano, el doctor se derrumba y en ese instante, se termina la pesadilla.

Los temas que marcan este drama psicológico, son la vejez, el aislamiento, la muerte, el amor, la vida, los conflictos que conforman nuestra vida actual, con algunos momentos de humor en la interacción del médico con su ama de llaves.

Mediante una serie de imágenes, vamos acompañando al profesor en un viaje externo e interno, percibiendo sus fresas salvajes en un sendero rodeado de simbologías que busca configurar el sentido del protagonista, retratando sus emociones, a base de momentos casi surrealistas con flash backs y la presencia del presente en el pasado, silencios evocativos, asombrosos sueños que se producen en impresionantes secuencias, conversaciones que apelan a las emociones, encuadres muy expresivos y sensibles planos cortos.  A lo largo del viaje, el profesor se irá conociendo a sí mismo, interiormente, y esto le enfrentará a verdades algo desagradables sobre su personalidad. Durante toda su vida, ha intentado encontrar un sentido racional a su existencia, rechazando todo sentimentalismo y centrándose en el pensamiento filosófico para dar respuesta a sus miedos. Más que atractivo, es un señor antipático que trata de huir de su miedo a una muerte que se le avecina. Se siente solo y aislado, y esta soledad es la que le lleva a plantearse la importancia del amor a las personas de su alrededor, tal y como le ocurría a Charlotte en Sonata de otoño. La soledad es el gran tema en Fresas Salvajes.

Los personajes que aparecen en esta película son numerosos, pero el peso de la historia recae en tres de ellos. Aparte del doctor Isak, serán dos mujeres las que protagonicen el retrato realizado por Bergman. La primera es Sara, representada por dos personajes distintos (Sara de la juventud de Isak y una chica joven también llamada Sara, interpretada también por Bibi Anderson) a quien Isak recoge en el trayecto. Esta Sara actual, es el reflejo de la otra, símbolo de la mujer moderna, fuerte, alegre e independiente, y Borg se enamorará de ella como un amor de juventud. Sara antigua es una chica alegre y sencilla, quien acepta la vida sin condiciones y sin cuestionarse nada. Anders y Viktor se disputan su amor, simbolizando las dos posturas de Bergman ante la religión y la fe, la del creyente Anders, preocupado por Dios y por el sentido de la vida, y la del práctico Viktor, quien renuncia a cualquier misticismo para reflexionar sobre un sentido más de la lógica. Bergman plantea esta discusión sin posicionarse, de la misma forma como venía haciendo y haría en el resto de su filmografía, concluyendo que la existencia de dios no es lo más importante, sino el amor entre las relaciones de los seres humanos.

El profesor, finalmente, encuentra descanso en su interior, y así lo demuestra cuando estando en paz consigo mismo, le afirma a su hijo que su corazón ya se encuentra perfectamente. Borg hace las paces con su propio interior y con los fantasmas de su pasado, y Bergman lo simboliza en la escena final, en la que el profesor se despide de sus padres, quienes se encuentran a la otra orilla de un lago. El profesor se despide aquí de su pasado, preparado para mirar hacia delante sin miedo.

Bergman realiza en este film un análisis de las relaciones afectivas del matrimonio. Las distintas parejas que van aparecen en toda la historia son diferentes formas de ver lo que el matrimonio y las relaciones de pareja pueden llegar a ser.  Como extremo pesimista y cruel vemos el matrimonio Alman, una pareja que sufre un accidente y lo recogen por la carretera. El marido, machista que trata de ridiculizar a su esposa anulándola como inútil. Contraria a esta pareja, aparece otro matrimonio, el dueño de la gasolinera y su mujer, prototipo de la felicidad y la alegría de vivir, aceptando la vida tal como viene.

Para dar a la expresión del actor el máximo poder posible de expresión, el movimiento de la cámara debe ser simple, y además cuidadosamente sincronizado a la acción. La cámara debe intervenir como un observador totalmente objetivo, y sólo excepcionalmente puede participar en los acontecimientos. Por lo tanto debemos recordar que el medio de expresión más bello y mejor del actor es su mirada”. Este elemento es clave en la filmografía de Bergman.

Recursos técnicos podemos ver fundidos mezclados con música que evoca a sueños relacionados con su pasado, plano contraplano,  miradas fuera de campo, iluminación contrastada. El uso de los planos cortos es en Fresas Salvajes el centro de su estilo formal, igual que en toda su filmografía. Los personajes son analizados de forma detallada por la cámara. Ésta se detiene en sus rostros y escucha sus palabras, enfatizando la expresión de los sentimientos y el estado interior de estos personajes. En las conversaciones la cámara recorre el espacio vacío e inerte que se encuentra entre los personajes. El montaje hubiera destruido esta idea, y Bergman escogió enfatizar el espacio.

En varias ocasiones, la voz del doctor narra momentos de su vida tanto si aparece en campo como si no aparece en campo. En una de las escenas en la que el doctor habla con su madre, ésta le muestra un reloj de mano y Borg se queda un poco en lapsus al ver que el reloj no tiene agujas, la música de este momento evoca al momento del principio, cuando el doctor se acerca a la ataúd y se ve a él mismo muerto,  dejando a un lado así la importancia del tiempo.  Hay muchas escenas surrealistas, como cuando aparece la niña en la cuna de noche en medio del campo llorando, la joven se acerca a calmarla y se lleva al bebe a la casa, es una situación anormal en la vida real, dado que una cuna no va a estar entre árboles. Inmediatamente después, pasan unos pájaros y el doctor se acerca a la cuna, en ese momento vuelve a sonar la misma música que se comentó anteriormente, que evoca al tiempo. Otra escena que me llama la atención se produce cuando el doctor mira por una puerta que su hijo se ha reconciliado con la mujer, ésta se toca el piano y se retiran a cenar, y mientras cenan en la mesa se produce un fundido en el cristal de la puerta que se resuelve con el reflejo de las nubes. Posteriormente, vemos al doctor mirar la luna, y al instante se dirige a la misma puerta y toca para que le abran, pero le abre un señor que lo hace pasar para hacerle un examen, en esta escena también oímos la música anterior, que resulta bastante inquietante en todos los momentos en que se repite. Parece como si todo fuese real, el doctor parece tener cara de extrañado cuando ve a los jóvenes sentados en los bancos de la sala dirigiendo sus miradas hacia él. En este examen el profesor parece presentar dificultades de comprensión, visión y lectura, todo síntoma de la edad, la memoria, la mente le falla y le parece ver personas muertas que siguen vivas, pero al espectador le queda la duda si está muerta o realmente viva.  El profesor que lo evalúa lo nombra incompetente por egoísmo, insensibilidad, falta de consideración, quejas presentadas por su esposa, llevando su esposa años muerta. El profesor acompaña al evaluador y lo lleva al lugar en que está su esposa que aparece con otro hombre, vuelve a sonar en este momento la misma música inquietante, escena que el doctor revive en su mente, que vivió en su momento y oye las palabras que repitió su esposa. Las palabra aquí cobran unas emociones espeluznantes en el espectador, ya que hacen reflexionar y cuestionarse muchas cosas del sentido de la vida y las relaciones personales con el mundo de alrededor. Después del diálogo entre Borg y el evaluador, todo termina, y vemos un fundido despertando del sueño. Todo ha sido un sueño mientras va en el coche, tal como dice: “En aquellos sueños había algo poderoso que agobiaba mi conciencia de una manera insoportable”.

En definitiva, Fresas salvajes, es un film pesimista, pero plantea un mensaje de esperanza, feliz y positivo, sellándolo  con un sentido basado en el amor hacia los seres queridos. En ciertas ocasiones, nos podemos poner en la piel del protagonista, Borg podríamos ser cualquier de nosotros, totalmente centrados en nosotros mismos, para detenernos a amar a los seres de nuestro alrededor. La muerte es la única certeza de nuestra existencia y solo ante ella el hombre percibe sus limitaciones.  El espectador tiene que entender muy bien el cine de Ingman Bergman, porque más de una escena puede llegar a confundir y provocar malas interpretaciones.