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Frágiles (Jaume Balagueró, 2005)

Frágiles es una película española de este director, para la que nos trasladamos a un hospital de la isla de Wight, en Gran Bretaña, donde llega una enfermera para cubrir las guardias nocturnas, ya que la anterior ha dejado su trabajo por sentir unas presencias extrañas, que agreden a los niños que van a ser trasladados a otro hospital.
Tienen prohibido indagar por la segunda planta, que fue clausurada años antes por la muerte de una chica. Una chica, según comenta Maggie, llamada Charlotte, que a veces presencia, se enfada y comete fechorías, aunque es diferente, la denominan “la niña mecánica”.
Varios profesionales accederán al archivo de los expedientes, para descubrir la enfermedad de la niña. Si bien, llegan a la conclusión que hace daño a los niños porque su intención es que sufra lo mismo que ella, la enfermedad de los huesos de cristal.
Amy, la enfermera de noche, pregunta a la familia de la enfermera anterior, el posible porqué de la aparición de esa niña: si es por hacer daño o por otro motivo, pero le contesta que es más fácil que todo eso: simplemente se queda con quienes ama, se niega a que sean separados de ella.
El médico, Robert, visiona documentos audiovisuales que fueron tomados a la niña, su enfermera, su operación… y descubre algo importante: el número de expediente de caso de la niña, acude a él y observa una fotografía: la niña junto a su enfermera, ésta segunda sí llamada Charlotte. Con lo cual, se nos manifiesta que, tras irse la niña, ante su amor por los niños es la enfermera quien se corta los huesos, se coloca la “máquina” y se lanza por el hueco del ascensor, quedando así siempre su presencia en el hospital.
Enterados de la verdad, una unidad llega para sacarlos del centro sanitario esa misma noche, pero el techo comenzará a derrumbarse, la luz comienza a parpadear, como señal del enfado, según cree Maggie, pero ésta desaparecerá del escenario. Será llevada a la segunda planta por el fantasma de Charlotte, al que se enfrentará Amy para coger a la niña y bajarla a la planta baja. Pero, la enfermera sufrirá un golpe, perderá mucha sangre, mientras lleva a la niña entre sus brazos. Robert intentará salvarla, pero mediante una serie de superposiciones de imagen, en lo que el médico la reanima, el fantasma de la niña se coloca encima de la enfermera y le dará un beso en los labios, un beso de amor, tal como pudo apreciar en la película de Blancanieves que les fue proyectada y hará que recupere el conocimiento milagrosamente.
Ya en el hospital, aún convaleciente, tras una visita, la dejan sola, y un señor que será ingresado entre la vida y la muerte, se para a mirar el espíritu de la niña que está sentado junto a Amy.
Película impactante, que nos incluye numerosas referencias de la historia del cine, como la proyección en la televisión de enfermería de unas imágenes de Charles Chaplin, la proyección de Blancanieves, la mezcla de la propia ficción con la realidad médica para salvar la vida de la enfermera, una verdad que es conocida a través de una fotografía.
Si bien, ante todo, podríamos plantear varias reflexiones,
¿Qué será lo que aporta la infancia a los adultos, que ni aun perdiendo la vida se quieren separar de ellos?
¿Por qué si el mundo adulto les quiere tanto como se refleja en esta película, es capaz de provocarles daño físico?
Y finalmente, ¿Qué será lo que aportan algunos adultos a los niños, que ni perdiendo la vida a su corta edad, se quieren separar de ellos?

Un tema interesante que trata es el de la osteogénesis imperfecta, o también llamada la “enfermedad de los huesos de cristal”, que no la tratan mucho en el cine, a excepción de algunos casos como Amelie de Jean-Pierre Jeunet (en uno de los personajes secundarios ) o El protegido de Shyamalan. Aunque para el caso con el que nos encontramos, hubiese sido interesante ahondar en aspectos de la enfermedad como posibles tratamientos o cuadro clínico, para que el espectador se haga un poco de idea de la enfermedad con la que se está tratando.

Adjunto el tráiler de la película y animo a verla,

Las perspectivas de Stanley Kubrick

He comentado en alguna entrada anterior la forma de trabajar  tan perfeccionista de Stanley Kubrick, pero para ahondar un poco en algún aspecto visual concreto, en este nuevo post voy a adjuntar unos vídeos con los que reflexionar sobre las perfectas perspectivas en los espacios que presenta en sus películas, en las que marca un centro de interés al final de pasillos, espacios exteriores abiertos, en los que los individuos se colocan a ambos lados de la imagen o simplemente a un lado, dejando el centro en la parte del fondo del espacio, consiguiendo grandes profundidades de campo, acompañada de esos colores estridentes que excitan la mente, provocan ese miedo, desasosiego, ante el cúmulo de ocultaciones, incluso terror psicológico en algunas escenas. Un cine, qué duda cabe, que no deja pasar desapercibido, puede gustar u odiarse, pero no provocar indiferencia ante los elementos que aparecen en sus fotogramas, totalmente abiertos a todas las interpretaciones posibles y libres del espectador.  Más abajo comparto algunos fragmentos de su película.

 

 

 

 

 

 

 

Steven Spielberg

Steven Spielberg es un director, guionista y productor de cine estadounidense, cursó estudios de cine en la Universidad Estatal de California, en Long Beach. En 1969, el Festival de Cine de Atlanta proyectó su corto “Amblin”, con una duración de 22 minutos, lo que le supuso un contrato con Universal.

Realizó un largometraje para televisión llamado “El diablo sobre ruedas”, del que posteriormente se hizo una película, que tuvo mucho éxito. Revitalizó el género de aventuras, llega a todo el mundo, es un “crack” en los efectos especiales.

En 1984, creó su propia productora, Amblin Entertainment. de más de doce películas que fueron auténticos éxitos como “Gremlins”, “Regreso al futuro I, II y III”, “En busca del valle encantado”, “Los Picapiedra”, “Casper”, entre otros. En octubre de 1994, Spielberg, anunció la creación de DreamWorks SKG, un nuevo estudio en el que se asociaba con Jeffrey Katzenberg y David Geffen.
Es fanático del cine desde niño. Desde los 12 años inventaba historias y en algunas escenas trabajaba con salsa de tomate para imitar la sangre. El 1959 realiza su primer intento de película, que dura 3 minutos y le costó 8 dólares, en 8 mm.

Las características que marcan su cine son que muestra las fantasías creíbles, los sucesos ocurren desde el exterior, no son filosóficos, ni intimistas, (a diferencia de Woody Allen y casi todo el cine europeo). Los temas que trata son relacionados con Dios, el más allá, extraterrestres, inocencia que se deja a un lado para dar lugar a la  madurez, se preocupa por hacer del cine algo más que la vida. Spielberg está influenciado por otros directores como Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Fran Capra, Stanly Kubrick.

Su primer gran éxito fue “Tiburón”, basada en una novela de best seller de Peter Benchley, presente durante todo el rodaje en calidad de “asesor”, no estaba de acuerdo con la interpretación que hacía Spielberg de su novela y se pasaba el día interfiriendo y quejándose ante el director. Es considerado el primer blockbuster de la historia. La banda sonora es muy importante en la película, porque marca la presencia del tiburón aunque no lo veamos. Comienza con tomas submarinas, planos generales de unos chicos en una playa, haciendo una barbacoa. Una chica se mete en el agua y va a ser devorada por el tiburón, y a partir de aquí van a comenzar al rescate de este animal submarino. Podemos apreciar un poco de terror psicológico, como utilizaba Hitchcock: que el monstruo no se viera hasta casi el final. Maneja el suspense y la elipsis. Los productores de la película le dijeron que rodase en un estanque, pero él prefirió rodar en el mar, en una playa de Massachusetts, donde se hace pie hasta 20 km. Tuvieron muchos problemas con los tiburones, porque el agua salada influía en su mecanismo. Se construyeron 3 tiburones. Spielberg pidió a la productora que no se mostrara el tiburón hasta haber transcurrido una hora de película, para así mantener el miedo y el suspense entre el público, ya que el espectador no tendría una imagen o figura a la que temer, cosa que según el propio Spielberg da muchísimo más miedo.

Esta película fue un taquillazo y le valió la fama internacional con este film. Como curiosidades de esta película, la selacofobia o miedo a los tiburones, muchos psicólogos la atribuyen especialmente a esta película. Según mi punto de vista la banda sonora es inquietante y me parecen muy buenos los efectos especiales. La música que suena cuando el tiburón parece que va a actuar me resulta angustiosa.

“Encuentros en la tercera fase”, donde se ve su carga ideológica hacia lo sobrenatural, la otra dimensión. El protagonista siente la presencia de alienígenas. Un experto intenta comunicarse con estos seres mediante la música, una serie de notas musicales. Se ve una escena de película de “Los diez mandamientos”, en una de las escenas en la que el niño juega con unos trenes eléctricos que los hace chocar, aquí recuerda Spielberg a su niñez, y se da un auto homenaje. El responsable de los efectos especiales es Douglas Trumbult, las nubes del cielo las realiza a base de agua dulce y salada, inyectándole pintura blanca y permanecen en el aire. Las cabezas de los marcianos son unas máscaras. El perfil de niño que trata con ovnis se ve en otras de sus películas, como por ejemplo “ET el extraterrestre”, que es más infantil, tiene diálogos simples, no comunica nada, solo es un extraterrestre que se ha perdido en la tierra y desea volver a su planeta, vemos reflejados dos mundos: el infantil y el adulto. El extraterrestre fue un diseño de Carlo Rambaldi, quien se inspiró en los rostros de Albert Einstein, Carl Sandburg y Ernest Hemingway. Spielberg decidió rodar toda la película de forma cronológica, incluidos los planos de cada secuencia, prescindiendo de story-boards e improvisando mucho, logrando naturalidad y verosimilitud. Logró terminar la película con varios días de antelación respecto al plan de producción. El director cuidó cada detalle al máximo para lograr dar privacidad, intimidad y espontaneidad a sus niños. Percibimos música ciertas de suspense y en otras ocasiones los sonidos y la música pueden llegar a provocar terror y nerviosismo, y las atmósferas nublosas son inquietantes visualmente.

“La lista de Schindler”, es una película mucho más seria, con una temática conmovedora, que intenta reflejar unos hechos que sucedieron en la historia de la humanidad. Se retrata al ejército nazi, los soldados actúan con extrema crueldad y muestra el holocausto judío. Spielberg rodó con la cámara en mano, es un film en blanco y negro con momentos en color. Un momento dramático es en una imagen que aparece una niña con una chaqueta roja, chaqueta que luego aparecerá tirada. Construye una réplica de un campo de concentración. Con esta película Spielberg renunció a cualquier derecho económico y lo donó a asociaciones que se dedican a las víctimas del holocausto nazi.

“Indiana Jones, en busca del arca perdida”, protagonizada por Harrison Ford. El guion fue escrito por Lawrence Kasdan. Indiana Jones es un profesor universitario de arqueología, que para conseguir reliquias históricas. Tras regresar de una misión en  Sudamérica, el gobierno estadounidense le encargará un nuevo cometido: la búsqueda del Arca de la Alianza, lugar en donde se cree que los hebreos depositaron los mandamientos que Dios había otorgado a Moisés, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quien lo posea y los nazis también van detrás de ella. La temática de este film es sagrada. Los personajes son estereotipados, como escenarios vemos el desierto, la selva, los efectos especiales tienen más peso que el guión en sí. Tiene primeros planos y planos medios para diálogos, claroscuros, travelling, panorámicas, planos largos para describir lugares. El montaje tiene cortes rápidos para dar sensación de dinamismo. Esta película fue rechazada por diversas distribuidoras, ya que sus ejecutivos consideraban que el argumento era demasiado extravagante y era muy costosa para producirla. Paramount Pictures decidiría financiar el filme. Debido a las altas temperaturas y al riesgo de contracción de enfermedades, el rodaje en el lugar resultó una experiencia severa. Varios actores y personal técnico se enfermaron, aunque Spielberg fue uno de los pocos que no lo hizo, porque consumía comida enlatada. Los efectos especiales son muy interesantes.

“El color púrpura”, basada en una novela de Alice Walker. Es una película más intimista y perspectiva más madura. Nominada 11 veces a los óscar, aunque finalmente no ganó ninguno. Cuenta la vida de una mujer que negra que sufrió de niña abusos por parte de su padrastro, con el que tiene 2 niños, fruto de estas violaciones, tiene una actitud pasiva, resignada, sumisa, fe en Dios, encarnada por la actriz Whoopi Goldberg, que se da a conocer con esta película. Como temática trata la religión, el racismo, la violencia de género, pérdida de la infancia, la muerte como escapatoria, la esclavitud. El nombre de la película se asocia al sufrimiento, al dolor, a los golpes que reciben las mujeres, la divinidad, la sabiduría, esta película marcó una diferencia respecto a sus películas anterior, pero la academia no la reconoció como mejor director. Muestra entornos de paisajes naturales que contrastan con la violencia que llevan a cabo diferentes personajes. Vemos primeros planos del buzón relevantes en el argumento de la historia. Aparecen ceremonias cantando, típicas de la cultura negra.

“Salvar al soldado Ryan” es una película bélica, que retrata a las minorías, Kaminski realiza la fotografía, y ganó el óscar a la mejor fotografía, los decorados están bien confeccionados y detallados. Tenemos primeros planos, planos detalle en los que se ve el sentimiento y miedo de cada uno de los personajes, hay un cambio en la intensidad de la luz, vemos siluetas casi negras. Como recursos sonoros, oímos sonidos ambiente de tanques, gritos, disparos, lluvia, el montaje tiene una estructura clásica, con transiciones entre batalla y batalla, otros temas son la religión, dolor, miedo, compañerismo, lealtad, el patriotismo, humanidad, critica la guerra y al nazismo, enfatiza la crueldad de la guerra. Al poco de terminar “Salvar al soldado Ryan”, Spielberg y Tom Hanks, ambos como productores ejecutivos, se hicieron cargo de la miniserie “Hermanos de sangre”, para HBO y DreamWorks Television.

“El imperio del sol”, que es de género bélico. Parte de la película fue rodada en España, en la localidad andaluza de Trebujena, y parte del reparto de extras donde se rodó la película pertenecen a ese lugar. Lo que me resulta interesante de esta película es la banda sonora, la misma música suena tanto al principio como al final, presente también en una ocasión en la mitad de la película, cantada por el niño, y le da cierto toque de dramatismo y sentimiento. Me resulta muy buena la interpretación del niño en toda la película.

“Atrapame si puedes” basada en la vida de Frank Abagnale Jr., encarnado por Leonardo Dicaprio, quien antes de cumplir 19 años consigue millones de dólares haciéndose pasar por piloto de una empresa aérea, por médico y por abogado. Su principal modo de operar era la falsificación de cheques, delito en el que logró tanta habilidad y experiencia, que el FBI finalmente lo reclutó como asesor en ese tipo de fraudes. La banda sonora me parece interesante, los créditos parecen muy estudiados y planificados, adelantan sobre lo que puede tratar la película. Me resulta graciosa la escena en la que el protagonista consigue engañar al policía que lo anda buscando. Es interesante el plano de cuando lo capturan, se monta en el coche de la policía y se ve su cara en el espejo retrovisor del interior del coche, y la luz roja del coche de policía contrasta con la iluminación oscura de la noche.

Podemos comparar a Spielberg con Shyamalan. Uno de los motivos visuales más usuales en las obras de ambos es el del plano que muestra a sus protagonistas mirando al cielo, lo que provoca un inmediato efecto metafórico en la imagen de sus espectadores, que observan la pantalla con la misma expectación que los héroes del film. Ambos quieren devolver el cine a sus procedimientos narrativos clásicos del cine de la industria de Hollywood. Shyamalan se inclinó por las películas con contenido sobrenatural, como Spielberg, y no por las comedias románticas como otros directores americanos. A la película “Señales”, de Shyamalan algunos críticos le encuentran parentesco con “Encuentros en la tercera fase”, de Spielberg, pero es precisamente en la creación del misterio, la revisión de los mitos y la presentación de los extraterrestres donde Spielberg logra un éxito rotundo y sin embargo Shyamalan fracasa. Una de las películas que he visto de Shyamalan es “La joven del agua”, pero no me resultó una historia interesante, aunque en  otra de sus películas como “El sexto sentido”, el argumento es interesante, la forma de contar la historia con las elipsis y flashs back.

Spielberg se convirtió en el director más joven de la historia en firmar un contrato a largo plazo con uno de los grandes estudios de Hollywood. Uno de los maestros de los efectos especiales.