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Análisis de El Show de Truman

“El show de Truman” es una película dirigida por Peter Weir, protagonizada por Jim Carrey y Ed Harris. Una historia que gira alrededor del programa de televisión “The Truman Show”.

Gran parte de la sociedad está siendo testigo de cada acontecimiento de la vida de Truman, de cada experiencia, cada momento privado con su pareja. Su vida está siendo filmada a través de cámaras ocultas, durante 24 horas que tiene un día. Los espectadores son conscientes de su comportamiento y captan las emociones de todas las situaciones que él vive. El productor del show controla todos sus movimientos. Introduce toda una serie de actores a lo largo de su vida. Truman está siendo objeto de un experimento, creado por el productor, condicionando su vida mediante diferentes miedos y culpa.

Una noche inesperada, Truman logra escapar por un túnel secreto y el productor suspende la emisión. Cada miembro de la producción inicia una búsqueda por toda la localidad. Truman intenta huir en barco, el productor toma la decisión de actuar provocando tormenta apelando así al miedo que le creó siendo niño, pero el barco choca contra una pared y Truman descubre un tramo con unas escaleras donde pone “Salida”. Se percata que está en un mundo artificial paralelo a la realidad, y decide salir.

Desde el punto de filosófico, podemos establecer similitudes con el mito de la caverna de Platón, en el que el prisionero es Truman, que no tiene conocimiento de otro mundo más que el que está viviendo, el escenario es su vida, con tiene cierto miedo a salir de él, por desconocimiento o miedo.

El protagonista se encuentra bien con el mundo que otros le han fundado y se piensa más de dos veces el salir de él. Su propia familia es mentira, cada experiencia es creada de forma intencionada para limitar su forma de ser y su personalidad.

Actualmente, podemos establecer similitudes con programas de este tipo de show en la televisión actual, como es el ejemplo de “Gran Hermano”, gran parte de la sociedad es testigo de cada momento, de todo lo que ocurre en cada rincón de la casa. La privacidad de los personajes, al ser grabada, deja de ser privada, pasando a ser pública, imágenes de dominio público, que serán vistas por todo el país, que afectarán a sus vidas.

Así se encuentran muchas personas en la actualidad, dentro de una caverna, una cueva, de la que no pueden salir al ser dominada por el mando político y sentirse indefensos para plantarles cara a la sociedad dominante, que tiene a tantas personas con la boca cerrada y las manos atadas, por el poder del dinero, censurando y prohibiendo injustamente todo tipo de actuaciones sociales en defensa de los derechos de la sociedad.

Análisis de Tesis, A. Amenábar

Jul9

Tesis es el primer largometraje de Alejandro Amenábar. La historia habla de Ángela, una joven que prepara su tesis doctoral sobre la violencia audiovisual, al pedir ayuda a su director de tesis sobre este tipo de películas, este descubre accidentalmente una película y el día después lo encuentran muerto. Ángela descubrirá un negocio alrededor de los snuff movies, contará con la ayuda de Chema, un estudiante oscuro, a quien recurrirá como aliado y confidente. Bosco es otro estudiante de la misma facultad, parece ser el asesino, es la persona que hace las películas y acaba con la vida de las protagonistas, entre las cuales está su novia Yolanda. Figueroa es quien dirige la tesis de Ángela, muere de un ataque de asma tras el visionado provocado por la impresión que le producen las imágenes de la snuff movies. Castro, es profesor de Psicología Audiovisual, que sustituye a Figueroa en la dirección de la tesis de Ángela y de sospechosa actitud. Es el editor y realizador de las películas snuff en los sótanos de la facultad, compra las cámaras con las que graban estas películas y muere a manos de Chema cuando intentaba matarlo a él y a la joven. Yolanda es la novia de Bosco, confiesa el asesinato de Vanesa y Ángela, es asesinada por el novio en la realización de una de las películas. Vanesa es amiga de Yolanda y también es asesinada por Bosco de la misma manera que Yolanda. Parte de esta película fue rodada en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid en la que estudió Amenábar. El rodaje fue realizado durante el mes de agosto, cuando todas las instalaciones se encontraban vacías. En esta película se trata el tema de la violencia en el cine pero sin hacerla con un planteamiento violento, el terror es psicológico, se sugiere pero no se ve, aunque en algún momento se ve alguna escena violenta, propia de las snuff movies. Esta historia trata sobre Ángela, una joven Licenciada en Ciencias de la Información, que prepara su tesis sobre la violencia audiovisual. La joven pide ayuda a un muchacho llamado Chema, compañero de la facultad, para que le muestre cine violento. Decide llevarse la película que el profesor ha visto y descubre que se trata de una “snuff movie”, en la que una chica inocente es torturada, asesinada y descuartizada. Un mundo audiovisual peligroso se abre ante ellos. Tras descubrir en el depósito de la facultad una sala oculta con multitud de cintas de video, con la ayuda de Chema, Ángela empieza a investigar la procedencia de la película y a sospechar que los asesinos se encuentran en la misma facultad. A partir del momento en que Ángela coge la cinta para descubrir qué escena tuvo efecto mortal que provocó en el profesor, se comienza a desarrollar una trama en la que se verán implicados Chema y su antiguo amigo Bosco. En un principio, en líneas generales, la historia gira en torno a la presentación de los personajes, la iniciación de Ángela y el público al concepto de violencia cinematográfica. La historia se nos cuenta desde el punto de vista de Ángela para comprender la película, que tiene poco conocimiento de las snuff movies y lo va descubriendo conforme avanza la historia, al mismo tiempo que el espectador. La segunda parte supone una caída del interés de la historia, ya que la idea general esta contada. El espectador conoce ya lo que es y lo que representa el snuff movie. A partir de aquí, ya solo queda removerlo todo y buscar los protagonistas que se encuadran dentro de la realización de este tipo de historias. A continuación vamos a realizar el análisis técnico que compone esta película. En esta estructura audiovisual vemos diferentes tipos de planos como: Primeros planos, cubre la cabeza y parte del cuello, como el momento en que Ángela descubre a Figueroa muerto. Plano medio: cubre desde la cabeza hasta debajo del pecho, la presentadora de televisión anunciando las muertes. Plano de conjunto: cubre a dos o varias personas en un mismo plano, cuando Ángelava a la discoteca, donde está su hermana con Bosco. Plano americano o ¾: ocupa todo el ángulo desde la cabeza hasta las rodillas, pudiéndose hacer algo más corto como hasta por debajo de las caderas, como en el momento en que el profesor entra en el depósito. Plano detalle: que ocupa en imagen un solo trozo del objeto o persona, como el momento en que Ángela se tapa los ojos al ver la sospechosa cinta del asesinato de la joven y vemos el ojo cubierto por los dedos. Respecto a los ángulos de visión, tenemos: Picado, que se utiliza para empequeñecer a un personaje, con el ánimo de hacerlo inferior. Contrapicado, utilizado para engrandecer a un personaje, con el ánimo de hacerlo superior. Tenemos una mezcla de estos dos ángulos cuando Ángela y Bosco se encuentran en la habitación para proceder a realizarle una entrevista y ser grabada con una cámara. Se van sucediendo picado y contrapicado, donde Ángela forma parte del picado y Bosco el contrapicado. Neutral, ángulo en que se sitúa la cámara a la vista de los ojos, ni para engrandecer ni para empequeñecer, sino para proporcionar una vista objetiva de los hechos o personajes. Cenital, ángulo tomado desde arriba, como el momento en que Chema y Ángela revolotean papeles sobre cámaras, y vemos un plano desde arriba con todos los folios en el suelo. Respecto a los movimientos de cámara, vemos de todo tipo, como panorámicas; travellings hacia adelante, hacia atrás, de acompañamiento; zooms para cerrar planos de personajes, como por ejemplo en imagen aparece en plano entero y mientras camina el personaje, el zoom se va cerrando hasta plano medio largo. El sonido es inquietante a veces, nos va reforzando esa sensación de pavor. Hacia el final, cuando Bosco pone a Ángela en la silla para hacerle lo mismo, esa música nos va afianzando esa sensación de suspense, de no saber qué va a ocurrir… La iluminación en los escenarios escondidos es muy contrastada, oscura, marcando los claros y los oscuros, lo que nos va fortaleciendo la sensación de miedo, de no ver bien lo que está ocurriendo y producirnos inquietud con tantas sombras. Las películas snuff son aquellas rodadas en la clandestinidad, en las que se presencia torturas, asesinatos y vejaciones reales. Este tipo de cine ha alcanzado más de un éxito de público por muy difícil que parezca. El objetivo de estas macabras grabaciones es conseguir un espectáculo morboso como único. El mito sobre la existencia de este tipo de grabaciones se produce porque quienes la protagonizan solo lo hacen una sola vez, y los que se encargan de realizarlas se ocupan de que el acceso al interior de este submundo sea imposible para la gente. Este tipo de films tiene una mala calidad, su escenario está localizado en habitaciones, con dos o tres personajes, sin sonido más que gritos, violación y asesinato de una mujer, metraje corto donde solo se muestra el hecho. Los mecanismos de intriga que utiliza el director logran transmitir el pánico propio del asunto desarrollado y las situaciones que se van derivando de la acción de la protagonista. Vemos que lo que interesa al director, como las reacciones de los personajes, sus facciones y el diámetro de sus ojos, cuando se enfrentan a una serie de imágenes violentas. ¿Por qué la gente ve snuff? ¿Por qué nuestras manos se apresuran a tapar los ojos en un intento de ahorrarnos lo inevitable? Nuestros ojos buscan esas imágenes, aquellas que nos incomodan más, aquellas que nos hacen sentir violentos, impotentes…Buscan lo prohibido, lo agresivo, para después arrepentirnos. Esa inestabilidad e irritabilidad se adentran en nuestra mente, desplazando a un lado la razón. Después de ver este tipo de imágenes, un sentimiento de culpa se apodera de nosotros. Esta película nos muestra el mundo de las snuff, un mercado que según dicen, mueve mucho dinero; existe el snuff blando, con muertes de animales, muertes accidentales de personas, snuff perverso y peligroso relacionado con el mundo criminal. “Tesis” viene a ser una reflexión sobre nuestra forma de reaccionar ante la violencia, ese efecto de atracción/repulsión que produce en la mayoría del público. Por eso, Amenábar prefiere mostrar los rostros de Ángela y Chema contemplando las imágenes de la pantalla, más que en lo que ella aparece. El espectador no verá escenas violentas, apenas unos planos en pantalla. La sumisión de estas imágenes violentas nos produce emociones y una mezcla de sensaciones de pánico/terror/miedo/espanto. Obra clásica de suspense, con muchos cambios bruscos de guión. Introduce un nuevo tipo de cine, buscando un conflicto moral más bien investigador. Existe la sensación de que el tema snuff no ha sido tratado en profundidad, se ha contado una historia con snuff como fondo y no como objeto. A lo largo de la historia nos va creando esa duda en saber quién es el malo y quién es el bueno. Pienso que los padres deben ser conscientes de la violencia que sus hijos ven usualmente en los medios audiovisuales, hacer caso de la normativa legal que rige la edad que deben verse determinados productos audiovisuales y tomar conciencia de los peligros que pueden ocasionarles en su mente a largo plazo.

El resplandor, Stanley Kubrick, 1980

Jun23

A fecha de hoy, 26/11/2015, tras unos nuevos descubrimientos después de releer los detalles de esta película, actualizo la información para incorporar nuevos datos, algunos los he descubierto en algunas webs, pero se recogen, igualmente, en este documental que lleva por título Habitación 237, dirigido por Rodney Ascher, esclaredor de muchos de los detalles importantes de la película y que no dejan pasar la oportunidad de descubrir un poco más la mente de este gran director que es (fue) Stanley Kubrick, aunque excesivamente metódico, minucioso,

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A partir de aquí abajo, forma parte de comentarios anteriores, de las primeras visualizaciones de la película.

Película dirigida por Stanley Kubrick, basada en la novela homónima de Stephen King.

En un principio la familia está de acuerdo con la mudanza al hotel, para cuidarlo mientras los trabajadores no se encuentran, por lo que ante la soledad, Jack puede redactar su libro con total concentración, piensan que el lugar será muy bonito, pero todo va cambiando con el paso de las semanas y los meses debido a la actitud de Jack, su aislamiento ante la imposibilidad de salir del lugar, como consecuencia de la nieve, que bloquea el acceso, y debido a lo que unos inquietantes trastornos en su mente varían su personalidad, provocan en él el uso de la violencia extrema hacia su alrededor. Comienza a notarse insomnio provocado por sus propios fantasmas interiores que no lo dejan tranquilizarse, ni relajarse mientras trabaja escribiendo su libro. Detrás de la línea dramática principal, vemos otra serie de representaciones simbólicas, indicios subliminales, crítica socio histórica e indagaciones de índole psicológica en torno a la naturaleza del ser humano y del mal.

Wendy es una mujer vulnerable y débil ante su marido, en este sentido, Kubrick nos resalta el machismo como una de las manifestaciones de las relaciones de poder amo-criado. En algunas ocasiones, para poder verla realmente aterrada o humillada, comentan algunas fuentes que el director la humilló en público delante de los compañeros de la película. Se dice que la escena en la que la vemos retroceder las escaleras con el bate de béisbol ante el ataque de su marido, ha sido una de las secuencias que ha exigido más tomas a un director. A Dany lo podemos ver como un niño sensible, con percepción extrasensorial, quizás un sexto sentido que le manifiesta muchas cosas que ocurrieron o van a ocurrir, llegando a sentir pánico ante la actitud de su padre, por las premoniciones que va teniendo y sucediéndose en su mente. Jack es un hombre que sufre una serie de cambios en su personalidad debido a la incomunicación, el alcohol, el aislamiento, conversaciones que tiene con supuestas personas del hotel, que tal vez solo existan en su mente.

En las primeras escenas, vemos el niño frente al espejo, hablando con su dedo como amigo imaginario, pensamos que él mismo se pregunta y se contesta que quiere ir al lugar pero de pronto comienza a tener una sensación extraña, unas alucinaciones, una serie de imágenes que le rondan a la cabeza, digamos que pálpitos. Posteriormente vamos descubriendo que el niño tiene como un poder mental, presiente muchas cosas que han pasado en ese lugar, unas sensaciones extrasensoriales horripilantes del hotel, como dice al cocinero afro-americano con quien mantiene una conversación: “un amigo que vive dentro de mí me dice muchas cosas que no puedo contar a nadie”. Dick explica a Danny que él y su abuela compartían esta habilidad telepática, a la que él denomina “el resplandor”. El niño pregunta si hay algo de lo que deba temer en el hotel, especialmente sobre la habitación 237 y el señor le confiesa que el hotel en sí tiene resplandor y guarda muchas historias, aunque no todas son buenas, pero bajo ningún concepto debe entrar en esa habitación. A lo que no hará caso, entrará y se llevará una sorpresa nada agradable, saldrá con una serie de heridas y un poco traumatizado ante lo que sus ojos observan en ese cuarto, en el que, quizás, habita unos fantasmas o los fantasmas se produzcan en su mente, pero no es nada normal, ya que si realmente fueran personas se harían notar en el resto del hotel, no solo en el interior de esa habitación. Luego, Jack acude a la habitación 237, en la que, supuestamente, una mujer ha hecho daño a su hijo y se encuentra a una joven a la que besa, que sufrirá una metamorfosis y se convierte en una anciana decrépita, aunque más tarde se lo niega a su esposa y expresa que no ha visto nada.

Podemos ir percibiendo que Jack va perdiendo los nervios durante una serie de situaciones hasta hace poco, se sucedían de forma normal, pero comienza a pronunciar palabras inquietantes, quedando su esposa anonadada y totalmente en estado de pavor, junto a su hijo. Los ojos del marido nos perturban cuando se para a mirar algo fijamente y la música nos acentúa el momento, no sabemos lo que está pensando, nos llena de miedo y angustia nuestro desconocimiento de aquéllo que se acentúa con la música y pasa por su mente. Su risa irónica y sus miradas penetrantes con esos ojos, nos atemorizan. La esposa se encuentra incapaz de salir de ese lugar debido a las características de su emplazamiento, y a que el marido se ha encargado de romper toda comunicación con el exterior, como la radio y el teléfono.

Los diferentes paseos del niño en el triciclo por los pasillos del hotel nos van angustiando cada vez más. La imagen de las gemelas asesinadas que vemos cuando el niño se para delante de la habitación 237, nos sobresalta un poco. Imagen que se repite en más de una ocasión, pero posteriormente le hablan, quizás su mente las percibe asesinadas en el pasillo rodeadas de sangre junto a un hacha durante unos segundos, además, las palabras de las niñas nos ponen la piel de gallina. En otro momento, apreciamos al niño tumbado en la cama, que se le aparecen en la mente la palabra “murder”, “asesinato”, y enseguida ve en su mente una riada de sangre que se introduce a lo largo del pasillo, reaccionando en forma de grito.

Vemos una secuencia, en la que el señor que habló con el niño en un principio, tiene una extraña sensación mientras ve la televisión, y en el siguiente fotograma apreciamos al niño asustado y temblando, que se puede tratar que, de forma inconsciente, esté manteniendo una conexión con el señor afroamericano, solicitando su ayuda, tal como le comentó anteriormente, en forma de «resplandor». Este señor llama al hotel y el teléfono no se encuentra disponible y consigue llamar a la policía para que se ponga en contacto con el hotel por radio, pero al estar averiada la radio, es imposible, por lo que emprende un viaje hasta llegar al lugar donde presiente que algo malo está ocurriendo.

La espeluznante conversación del camarero con Jack en el baño pone la piel de gallina, empiezan a tener importancia en la agresividad física que comenzará a tener con su hijo y su esposa. El camarero menciona la figura del cocinero afro-americano, denominándole despectivamente “un negro”, con quien Dany guarda esa telepatía, y hacia el que el camarero, con sus opiniones se refiere para hacer crecer más el odio en Jack, para que según él «de su merecido a Wendy y Dany», quienes, a su juicio, no quieren que progrese en su trabajo. Por tanto, el esposo comienza a ver a su esposa y su hijo como unos enemigos, que se interponen en el camino de su éxito como escritor.

Tras golpear Wendy a Jack con un bate de béisbol, lo encierra en una habitación para que no salga, pero se da cuenta que tanto el coche como la radio no funcionan. El camarero con el que habló en el baño, ahora lo reta a que de su merecido a su esposa y su hijo, pero en ningún momento lo vemos, está fuera de campo y al no verlo en ningún momento durante la conversación, nos podría dar la sensación que se trata del recuerdo de lo que se produjo en aquel baño.

Mientras la madre duerme, el niño coge el cuchillo y un pintalabios, con el que pinta en la puerta “redrum”, al revés «murder», asesinato. En ese momento la madre se despierta, oyen los hachazos que está dando el padre en la puerta, coge el niño y se encierran en el baño. El padre se comporta presenta las características propias de un neurótico, quizás, psicópata con mirada de asesino que nos refuerza la sensación de angustia, inquietud, ansiedad e impaciencia, con ansias de que el final nos rebele cómo terminará todo.

El señor, tras muchos esfuerzos en la carretera, consigue llegar al hotel, y Jack, con un hachazo, le arrebata la vida sin más dilación. La madre sube las escaleras y las sombras, mientras, nos perturban, al mismo tiempo que los sonidos nos inquietan. En una de las habitaciones ve a un señor tumbado en la cama junto a otra persona con un disfraz, una escena algo surrealista, quizás onírica. Perturbada, desesperada, corre por los pasillos, pero de pronto, se queda aturdida al ver el río de sangre que sale por unas puertas. Mientras tanto, el niño sale de la casa y el padre va tras de él, con un hacha en la mano. Se adentran en el laberinto de arbustos, abarrotado de nieve, y el padre sigue las huellas, pero Dany consigue despistarlo.

Los diferentes planos subjetivos de los distintos momentos a lo largo de historia, nos introducen en la mente de Jack, cómo va percibiendo las cosas en función de lo que las voces y presencias, le van manifestando, variando su conducta. El penetrante blanco de sus ojos nos va reforzando esa sensación de perturbación y pánico, no consigue salir del nevado laberinto, pero la imagen final nos deja consternados, una imagen indescriptible que nos deja sin palabras, mejor verla, porque provoca unas sensaciones imposibles de calificar.

Desde el principio hasta el final vemos una serie de movimientos de cámara, tanto panorámicas por los paisajes a través de los cuales conduce el coche, filmado mediante tomas aéreas, además de movimientos de travellings hacia adelante por los pasillos o los recorridos por el laberinto hacia adelante, hacia atrás…, que nos van inquietando y nos va despertando el nerviosismo propio de un thriller psicológico. La iluminación y los colores de las habitaciones, los pasillos, nos refuerza más la sensación de excitación, por los colores llamativos de las alfombras, frialdad, debido a la nieve.

Es preciso destacar también, la presencia de imágenes, fantasmas, que no sabemos si están en la mente del niño o se trata de fantasmas que rondan por el lugar y quizás emanen de la espiral de violencia y terror que radican en el lugar, como consecuencia de un posible asesinato en masa, que se vuelve a repetir entre estos nuevos inquilinos del hotel, debido a su emplazamiento alejado, aislado, con influencia maléfica, del que resulta imposible huir.

Nos provoca sensación perturbadora el momento en que el camarero expresa: “yo no he sido vigilante aquí nunca, ha sido usted de toda la vida, yo a mis hijas y mi esposa les di su merecido porque no me dejaban hacer mi trabajo”. Lo que nos hace reflexionar y desconocer en qué época ha transcurrido la historia, si el protagonista estuvo antes en el lugar, el por qué de esas fotografías si en el hotel no ha estado nadie desde que se fueron los empleados y lo dejaron a él a cargo (se dice, que el director confesó, que el de la fotografía no es Jack sino de su antepasado), el por qué de la fiesta con toda esa gente en el salón del comedor si no había nadie en el hotel, el por qué de la pareja que se encuentra en la habitación, uno de ellos disfrazado, el por qué si, realmente el camarero de la barra era testigo de tanta violencia de Jack con su familia no hacía nada por impedirlo, ¿existía realmente o era un fantasma de su mente?

Apreciamos esas dualidades en los personajes, el Jack pacífico al principio y el Jack neurótico del final; esa Wendy sumisa y frágil al principio y fuerte, capaz de dar un cuchillazo a su marido cuando intenta entrar al baño dando hachazos; el Dany sensible del principio que piensa que dentro de él tiene a alguien que le habla, y el Dany del final que ve en su mente los más horripilantes de los sucesos habidos y por haber, pero que consigue escapar de su padre, adentrándolo en el laberinto; el camarero que lo acompaña al baño tan amablemente pero que resulta ser quien asesinó a sus niñas en el hotel, las diferentes mujeres que se encuentran en la habitación 237…

Tras la línea argumental principal, son muchas las cuestiones que nos vamos planteando por las representaciones simbólicas que contiene. Hasta aquí en cuanto a lo que he examinado años atrás, pero retomando de nuevo la película, podemos continuar explicando estos simbolismos en múltiples detalles como el jersey de Dany, que indica «Apollo 11, USA», con un cohete, que recuerda a la misión de la NASA, para lograr que el ser humano pisara la luna, cuya trama podemos apreciar en la película que rodó Kubrick en 1968 «2001: Odisea en el espacio». La imagen de las gemelas está inspiradas en una fotografía de 1967, titulada «Gemelas idénticas», de Diane Arbus, fotógrafa y amiga de Kubrick. Una camiseta de Jack lleva escrito «NOTGNIVOTS», que al revés es Stovington, el nombre de una escuela de prestigio que aparece en la novela de Stephen King en la que se basa esta película. En una ocasión, Jack menciona que no puede dormir porque tiene insomnio, según algunas fuentes, Stephen King llegó a padecerlo. Además, siempre que Jack conversa o trata con un fantasma, aparece un espejo en el que se refleja. Cuando la señora está tras la cortina de la bañera, puede tratarse de una referencia a la película de Hitchcock «Psicosis». Al mismo tiempo que «redrum» es asesinato al revés «murder», que pronuncia varias veces y pareciera que dice «red room», «habitación roja», esto es, el cuarto de baño rojo. Durante otro momento, vemos que la esposa se acerca a Jack, mientras está escribiendo, para comentarle que el hombre del tiempo ha pronosticado nieve esa noche y él pregunta «¿y qué se supone que debo hacer yo? Palabras un poco distantes, pero lejos de centrar nuestra atención en las mismas, podemos fijarnos en el detalle de la silla que se encuentra pegada a la pared, que aparece y desaparece por instantes, en los cuales se lleva a cabo la conversación, mediante un plano contraplano. Podríamos pensar que se trataría de un fallo de raccord, si no conociéramos la perfección con la que trabaja Kubrick, que, lejos de ser un error, lo podría haber hecho para que el espectador percatase que una presencia se encuentra entre ellos y coloca este elemento.

Finalmente, el director hizo repetir las tomas de algunas escenas en más de 100 ocasiones, como cuando Jack asoma la cabeza por la puerta del baño, entre otras, quedando los actores cansados y, además, se dice que la actriz principal necesitó ayuda por una crisis nerviosa tras el rodaje.

Inclusive, Kubrick realizó dos versiones de la película, una con una duración de 140 minutos original y otra de 119 minutos, a Europa llegó una versión para televisión con una duración de 114 minutos y a Japón con una duración de unos 154 minutos. La Warner Brothers tuvo problemas para estrenar en algunos países, como el caso de Corea del Sur, donde está prohibida, además en Australia, Argentina, Finlandia, Italia, Noruega, Suecia, Holanda, Alemania censuraron algunas escenas y en Gran Bretaña fue clasificada como X hasta 1986, después cortaron algunas escenas.

El final de la película dio lugar a múltiples interpretaciones, aunque el director nunca refutó ni admitió ninguna como la «correcta».

Bibliografía:

www.filmaffinity.com

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article1068.html/

www.fotogramas.es

Grupos de manipulación psicológica en el cine

Jun21

“El problema sectario es tan prevalente que las posibilidades de que un familiar nuestro se involucre con una secta es mayor que las de que se contagie de viruela; 4 veces mayor que contraer SIDA; 90 veces mayor que contraer paperas; 45 mil veces mayor que contraer polio.”

Dr. Paul Martin. Director of Wellspring

Retreat & Resuorce Center Ohio, Estados Unidos.

Los grupos de manipulación coercitiva, más comúnmente denominados “sectas”, ofrecen una serie de proyectos, deseos, necesidades mediante ganchos para “atraer” a los adeptos.

Podríamos definir sectas mediante los 8 criterios del psiquiatra estadounidense Robert Jay Lifton:

-Control de la atmósfera social y comunicación humana.

-Manipulación mística (llamado superior)

-Redefinición del lenguaje (clichés)

-La doctrina sobre la persona

-La ciencia sagrada (lo explica todo)

-El culto a la confesión (pública)

-Demandas de pureza (perfección en grupo)

-Dispensación de la existencia (seguros)

Estos mecanismos de influencia pueden crear estados de inhibición del razonamiento y alta sugestibilidad para controlar la conducta de un grupo.

Se trata de una forma de atracción, mediante la realización de una serie de actividades cuyos fines en un principio permanecen ocultos. Nadie entra en un grupo de este tipo sabiendo que se trata de una secta, sabiendo que está siendo manipulado.

Encontramos todo tipo de grupos: culturales, filosóficos, religiosos, de tratamiento psicológico… con actividades muy diferentes. El problema no está en la actividad que dicen desarrollar, sino en la manipulación que ejercen en sus adeptos, esto dificulta al adepto su salida del grupo, ya que le ofrecer la pertinencia a una élite social.

Uno entra teniendo un problema en busca de ayuda, deseos… y después de tanto recibir harán sentir que uno está en deuda, por lo que empezará a obedecer y harán cambiar a la persona, ya no necesitan cumplir esas promesas puesto que ya el adepto estará “enganchado”.

El adepto comenzará a actuar según las necesidades del grupo, ya no puede actuar por sí mismo. El grupo propondrá dos caminos: seguir con el sacrificio para conseguir la meta que todos persiguen o salir por la puerta de atrás de la organización. Cuando se tenga esa total dependencia de ellos, el adepto justificará todas las acciones, con argumentos emocionales, harán pensar que lo hacen por el bien y harán pensar al adepto que quienes no lo comprenden pasarán a ser unos fracasados, ignorantes y serán el “enemigo”.

El adepto tratará de convencer a los demás de su “bonita” experiencia grupal en la organización, intentará invitar a otras personas a que formen parte. Intentarán engañar para convencer a los demás para que comprendan “la verdad”.

Las intenciones del grupo son el reflejo de los deseos del líder: conseguir riquezas, propiedades, poder, reinventar otro mundo. Delirios de grandeza o trastorno de personalidad (trastorno delirante, cuadro psicótico, esquizofrenia paranoica…). Aunque tienen plena conciencia de lo que está bien y lo que está mal, impone un estilo de vida sacrificado, utilizan castigos contra los desobedientes o contra sus enemigos.

No existe un perfil definido de adepto, solo factores de riesgo. Investigaciones han demostrado que la mayoría de los sectarios tienen una inteligencia superior a la media, proceden de contextos familiares y situaciones estables y no tienen historial de enfermedad mental (Lalich, 1997; Langone 1993).

Los líderes de las sectas y reclutadores manipulan y capturan los corazones y las mentes más brillantes. Buscan individuos activos, inteligentes que les ayudarán a recaudar fondos, reclutar más seguidores, llevar los negocios (Lalich, 1997).

Hoy día cualquier persona, de cualquier edad y de cualquier clase socioeconómica y cultural puede ser captada por un grupo de este tipo siempre y cuando:

Conecten ideológicamente; Conecten afectiva-emocionalmente; Tenga predisposición situacional (encontrarte en una situación que te haga más vulnerable).

La persuasión coercitiva es un ejercicio consistente en el uso de la fuerza para influir en otras personas. Hay varios tipos de formas coercitivas en las sectas para ejercer el control como son: ambiental (aislamiento, control de la información, creación de estado de dependencia existencial, debilitamiento físico), emocional (activación emocional del gozo, miedo, culpa, premios y castigos), cognitiva (denigración del pensamiento crítico invitando a no pensar e inundarlo con numerosos problemas, uso del engaño, control sobre la atención y el lenguaje) inducción de estados disociativos (uso de drogas, cánticos, mantras, meditación, oración, hipnosis…).

No voy a nombrar ningún grupo para que nadie se sienta ofendido, pero invito a visitar la página de REDUNE, una asociación para la prevención de la manipulación sectaria que se encarga de estudiar algunos de los grupos sectarios y de manipulación psicológica que operan en España (http://www.redune.org/). No se puede dar constancia si se presenta manipulación psicológica fehaciente, ya que en la mayoría de casos no existe sentencia condenatoria. Se trata de un listado orientativo, no pudiéndose tomar como un documento firme. De lo que se puede dar constancia es de los hechos sucedidos, que se hicieron públicos, homicidios colectivos llevados a cabo por líderes sectarios, como el Templo del pueblo, Guyana, donde niños y adultos fueron envenenados con refresco mezclado con cianuro; Movimiento para la Restauración de los Diez Mandamientos: más de 800 víctimas cuyos líderes Credonia Mwerinde, sacerdote Dominic Kataribaabo y Joseph Kibwetere Uganda. Marzo 2000, y otros muchos.

Dentro de la legalidad, el artículo 515.3 del código penal nos dice que: Son punibles las asociaciones ilícitas, considerándose: 3. Las que, aún teniendo por objeto un fin lícito, empleen medios violentos o de alteración o control de la personalidad para su consecución.

¿De qué tipo de proceso jurídico se trata?

-Vía Penal: estafas (248), lesiones que causan peligro para la salud física o mental (Art.147.1), causar graves enfermedades somáticas o psíquicas (Art.149), coacción (Art.172), trato degradante (Art.173), calumnias (Art. 205), injurias (Art. 208 y 209), apropiación de efectos en depósito (Art. 252), contra la Hacienda Pública y la Seguridad Social (Art. 305), contra los derechos de los trabajadores (Art. 311), falsedad documental (Art. 392 y 395), el que con violencia o intimidación intente influir directa o indirectamente a denunciante, testigos, para modificar su actuación procesal, intrusismo profesional (Art. 403,637), (Art. 464.1), asociación ilícita(Art. 515.3),amenazas…

-Vía Civil: fraude fiscal, empleo no regulado, facturación incorrecta…

Partiendo de esta introducción al tema, vamos a pasar a analizar algunas películas en las que vemos reflejo de estas técnicas de manipulación. Algunas tratan al grupo de forma crítica, (algunas personas pertenecientes al mismo han denunciado al director de la película), otras intentan alabar la labor social del grupo, y otras solo utilizan las técnicas de manipulación sectarias pero no son grupos de manipulación psicológica.

Por un lado, tenemos “Eyes wide shut”, de Stanly Kubrick, una película que conecta con el psicoanálisis a través de la sexualidad, los sueños, el deseo… El director sigue la novela “Relato soñado” de Arthur Schnitzler, tanto en la novela como en la película, se describe la relación entre dos personajes arrastrados por impulsos inconscientes debido a conflictos reprimidos. Aquí vemos el uso de las máscaras, las reuniones secretas, las orgías… Según algunas fuentes, el director no murió por causas naturales, sino que fue asesinado por realizar esta película. Supuestamente el director quería sacar a la luz pública el mundo de los rituales sexuales secretos de la élite mundial, como lo son algunos grupos elitistas de Estados Unidos.

“Inchon”, dirigida por Terence Young. Película de guerra, sobre la Batalla de Inchon, considerado como el punto de inflexión de la guerra de Corea. Financiada por la Iglesia de la Unificación, cuyo fundador es Sun Myung Moon. Varios actores cuando se enteraron que la película estaba producida por este grupo religioso pensaron en abandonarla. Se dice que este grupo somete a sus fieles a lavados de cerebro, para divulgar su fe el reverendo Moon pensó en el cine como arma más poderosa, y el propio reverendo un buen día confesó que sintió una llamada de Dios, ordenándole que realizada una película transmitiendo sus valores religiosos. Por eso podemos ver esa manipulación mística, doctrina sobre la persona. Plagada de referencias a Dios.

En “Los chicos del maíz”, (tiene varias partes) vemos a un grupo de niños orientados por un líder, que le van mandando lo que deben hacer en cada momento. Unos amigos tienen un accidente de coche, y pretenden buscar ayuda pasando los maizales, cuando al finalizar se encuentran toda una comuna de gente que vive allí, obligadas a realizar las voluntades del líder por un “fin” común: “caminar detrás del maiz”. Líder que es reemplazado por un niño que consigue el poder. Una joven del grupo se da cuenta que es el lugar donde tienen a su hermano y tras visitarlo, se da cuenta que el joven quiere salir pero no puede. El niño va imponiendo a cada uno su camino, y quien camina “detrás del maíz” debe tirarse a una especie de fuego y morir quemado. Aquí vemos técnicas como lo son el lavado de cerebro que hacen con una de las jóvenes del grupo que consigue que conecte emocionalmente con el grupo, aislamiento de la sociedad, miedo, culpa, amenazas, control de la información, manipulación emocional…

“La semilla del diablo”, de Roman Polanski, muestra a un joven matrimonio en su nueva vida, en su bloque ocurren cosas extrañas. Unos ancianos intentan meterse en su casa todo el día para tenerlos controlados. El marido es actor y se “alía” con el matrimonio mayor para que le den un papel importante en una película. La esposa se quede embarazada de mala manera, debido a que el marido la fuerza estando dormida y sin ella darse cuenta, teniendo pesadillas esa noche. Al quedarse embarazada, la joven se siente presionada por la mujer mayor, que la hace que tome una serie de batidos que le sientan mal durante los 9 meses de embarazo. El esposo la tiene aislada de sus amigas, sin poder salir de casa ni alejarse de donde la tenga controlada. Descubre una serie de libros e indicios que le indican que a su alrededor hay como una especie de brujería, médicos brujos, que intentan quitarle a su hijo cuando nazca. La toman por “loca” y cuando tiene al niño se lo quitan con engaño y tras un armario, en un salón, descubre que su hijo está siendo alabado en una cuna negra, por una serie de brujos y su marido ha pasado a ser el diablo, porque digamos “les vendió el alma”, por tanto no es un bebé común, es “la semilla del diablo”, compartido por todos los que profesaron esos ritos satánicos. Aquí vemos técnicas como el aislamiento, los ritos satánicos que ponen en peligro a la mujer, lesiones que causan peligro para la salud, violencia, control de la información.

“Camino”, de Javier Fesser, es una película que muestra el lado oculto de uno de los grupos de manipulación psicológica más grandes alrededor de la tierra, con unos lavados de cerebro que sí que dan miedo. Con interpretaciones de la madre en la que oímos cosas del tipo “Le quite las flores a nuestra hija de la mesilla porque se las llevé al señor que las merece más”, o “Doy cada día gracias a Dios por la enfermedad de nuestra hija”. O cuando está en el hospital y la enfermera le dice que si le duele algo que grite sin problema, y la madre le dice que no puede gritar ni quejarse, que tiene que aguantarse, quejarse es ofender al señor. Creo que no poder manifestar el dolor de una enfermedad que la está consumiendo y tragar todo el sufrimiento que está padeciendo es matarse a uno mismo, y uno de los mandamientos del cristianismo dice “No matarás”, con lo cual, no se está respetando. Estas palabras son solo de una película, pero una madre en la vida real que defienda esta religión, que siga esta ideología, se deje llevar por una persona ajena a la familia como es el caso del sacerdote que la visita en casa, y sea capaz de pronunciar estas palabras, dejaría de ser madre, no por ideologías religiosas sino por principios éticos, porque en estas ocasiones, a mi parecer, religión y ética/moral no van muy de la mano. En la forma de vida de la hermana, también vemos diversos tipos de técnicas como es la manipulación, la ocultación de la información, prohibición de ver a la familia, control total, aislamiento, incluso de delito como es la invasión del correo ajeno y la invasión de la intimidad. Aparte de esto, otras técnicas son el miedo, gozo en el momento de la muerte, estado de dependencia existencial (la madre depende de lo que el sacerdote le diga que tiene que hacer), denigración del pensamiento crítico, tratan a los demás como enemigos (el sacerdote intenta hacer pensar a la madre que el esposo es el enemigo que no quiere a su hija).

En “Ángeles y demonios”, de Ron Howard, basada en la novela homónima publicada en 2000. Cuando el profesor de simbología descubre que los Illuminati están detrás del secuestro de cuatro cardenales y poseen una bomba de antimateria, se verá envuelto en una carrera a contrarreloj junto a la científica Vittoria Vetra para salvar muchas vidas. En esta película, la Iglesia Católica ve a los Iluminati como a un enemigo, y los Illuminati ven al enemigo en la Iglesia Católica. Esta película está llena de mensajes significativos que hacen reflexionar ,como por ejemplo: “…1.000 millones de católicos del mundo que se ven en una encrucijada con su Iglesia y sus ancestrales tradiciones amenazadas por un mundo moderno”; “Acabaremos con vuestros cuatro pilares, marcaremos a vuestros preferiti, los sacrificaremos en los altares de la ciencia y luego arrasaremos vuestra iglesia, la ciudad del Vaticano será consumida por la luz, una estrella rutilante al final del sendero de la iluminación”. Palabras llenas de simbología a la hora de buscar indicios para impedir que eso suceda. Pretenden hacer con los cardenales lo mismo que la Iglesia supuestamente hizo con 4 de sus científicos; “La ciencia aniquila la religión”, “La religión y la ciencia son dos lenguajes distintos”; “Soy profesor, la razón me dice que nunca entenderé a Dios… la fe es un don que no me ha sido concedido”; “Que Dios te perdone… Si Dios tiene quejas no será por lo que he hecho, será por lo que voy a hacer”; “Las empresas suelen llevar un registro de sus propiedades…La Iglesia Católica no es una empresa, es una guía, una fuente de inspiración para 1.000 millones de almas atemorizadas y perdidas”. Podemos ver la manipulación que ejerce tanto un grupo como otro, violencia… La película presenta diferencias con la novela.

“El desprecio”, de Michael Landon. Para sus padres es un honor que Katie se vaya a casar con el obispo de la comunidad Amish donde viven. Pero ella siente inclinación por las cosas prohibidas (ropa diferente, tocar la guitarra…) lo que vulnera la norma que impone su grupo. La joven descubre que no es hija biológica, es hija adoptada, su madre la dio en adopción, y ha vuelto a la ciudad, rompiendo su promesa, para verla y despedirse de ella debido a la grave enfermedad que padece. El estilo de vida amish es dictado por un conjunto estricto de reglas, la Ordnung de la comunidad, reglas que deben ser observadas por todos los miembros. Los miembros que no aceptan estos principios y que no pueden ser convencidos de arrepentirse, son excomulgados. Adicionalmente estos miembros son “rechazados”; una práctica que limita los contactos sociales para avergonzar al miembro presionando para su retorno a la iglesia. Lo que le ocurre a Katie, al negarse a casarse con el obispo, su padre la castiga: nadie le puede hablar, ni de su familia ni del resto de la comunidad hasta que pida perdón, algo a lo que se niega en todo momento. Las leyes sobre el trabajo de menores, por ejemplo, están amenazando seriamente sus modos de vida, establecidos desde tiempo inmemorial. A los niños amish se les enseña a trabajar duro desde una edad temprana. Los padres amish supervisan a sus hijos en las nuevas tareas para asegurarse de que aprendan a realizarlas. Vemos en la película ese machismo, los hombres al campo y las mujeres a las labores de la casa. Este grupo no es estrictamente una secta, pero muchas de sus normas se consideran sectarias: la hija depende del padre obligatoriamente para tomar las decisiones de su vida, ejerce ante ella esa manipulación de lo que tiene que hacer aún siendo mayor de edad, aislamiento de la sociedad externa, control de la información (el padre adoptivo oculta las cartas que le había enviado la madre biológica de la joven), le inculcan esa obligación de pertenecer a la comunidad amish aunque no haya provenido de padre con sangre amish, miedo, control, castigo si no se cumplen las normas dictadas, rechazo a la sociedad externa (debe vestir una determinada ropa obligatoriamente, debe viajar a caballo, no puede tocar la guitarra, rechazan la electricidad, no la dejan que cumpla su sueño de casarse con el joven que no es amish).

Finalmente, como reflexión, todos tenemos derecho a profesar la religión que queramos voluntariamente, tanto si escogemos alguna como si no escogemos ninguna, pero no siendo engañado por los diversos grupos que operan alrededor del mundo utilizando el nombre de Dios, algunos de ellos para sus propósitos denigrantes y aprovecharse de la fe de muchas personas. Quien cree, cree, no debe tener ninguna obligación de ir a una Iglesia, rezar un poco, y así a demostrar que cree, puede hacerse cada día con pequeños detalles, no dando el dinero, con el trabajo que cuesta ganarlo, a una organización que no sabemos a qué manos llegará y con qué fines.

No profesar una religión en una Iglesia, dando voces a los fieles, faltar el respeto a muchas personas, obligar a niños en su primera comunión a renunciar a la comodidad, los placeres de la vida y luego lucir en Semana Santa y pedazo de Iphone que más de uno quisiera tener, y manipulando a los niños para no ver el fútbol los domingos para ir a misa porque la televisión “nos separa de Dios”. Pienso que se debería ver más televisión y cine crítico y no creer a una persona que dice una cosa en nombre de Dios y en la calle hace otra.

(Con esto, no quiero herir a ningún creyente ni ninguna ideología, solo es un intento de análisis ante la realidad que tenemos, lo más objetivo posible).

Bibliografía:

http://www. redune.org

“Sectas. Cómo funcionan, cómo son sus líderes, efectos destructivos y cómo combatirlos”. Cuevas Barranquero, José Miguel, Canto Ortiz, Jesús M. 2006

“Fenómeno Sectario y Drogodependencia”. Grup Igia, 1989.

http://www.youtube.com/watch?v=Rl1cqD7XBis

http://www.fundaciongsr.com/pdfs/rutas/sectas2.pdf

http://filmaffinity.com

En la boca del miedo, John Carpenter

May20

Película de John Carpenter del año 1995, que causa más de un momento de angustia y sobresaltos.

En esta película, vemos el gran talento narrativo de Carpenter. Basado en el terror, en el susto fácil (en la atmósfera, la trama y los personajes). Habla de sus obsesiones, inquietudes… como hace en todas sus películas en las que vemos historias espeluznantes.

John Trent es un investigador contratado por una editorial para encontrar a Sutter Cane, uno de los escritores de novelas de terror más famosos que ha desaparecido. John no acepta buscar al escritor pero empieza a pensar que todo se puede tratar de un montaje. Tras leer algunos de sus libros, empieza a tener visiones e investiga la obra del escritor. Descubre que sus novelas además de tener gran éxito, parecen estar detrás de una serie de altercados agresivos, violencia que provoca entre varios de sus lectores.

John y Stiles, una joven editora, emprenden el viaje hasta Hobbe`s End, un pequeño pueblo solitario, donde en teoría, solo existe sobre un papel, en la mente de Cane, pero al que consiguen acceder de forma extraña. En este pueblo, suceden todo tipo de hechos misteriosos, paranormales y violentos, que John no sabe identificar entre la realidad y la ficción. John Lucha para escapar del pueblo descubriendo la terrorífica transformación de Linda.

Respecto a la parte técnica de la película, se pueden comentar diferentes cosas.

Vemos colores blancos, uniformes médicos, psiquiatras… vemos que nos localizamos en un psiquiátrico. El color blanco nos sugiere la locura, como claramente podemos ver que el protagonista termina sufriendo esquizofrenia paranoica. También vemos contrastes con las iluminaciones oscuras, sombras… de las habitaciones en las que se sitúan los pacientes del hospital psiquiátrico.

En varias secuencias, vemos que se suceden una serie de imágenes con sangre, imágenes religiosas, relámpagos, cruces, escenas escabrosas de pesadillas, soñar que se está soñando… todo incita al miedo y la locura.

Travellings para acompañar a los personajes en sus movimientos, diferentes planos (detalle, generales, cortos…). Multitud de efectos especiales, las antorchas de los viandantes iluminan las calles. Apreciamos agresiones, violencia… que se produce al no haber suficientes ejemplares para tantos lectores como los demandan, la gente va enloqueciendo tras la lectura de sus novelas. La música es inquietante para enfatizar ciertos momentos de violencia física o psíquica.

Algunos de los momentos que pueden producir más inquietud se produce cuando van por la carretera, la joven empieza a tener una serie de visiones nocturnas que no sabe identificar si se produce en la realidad o son parte de su mente. Como por ejemplo, mientras conduce y se le presenta el señor mayor en la bicicleta, a los pocos segundos se le presenta otra vez y lo atropella, salen del coche le toman el pulso y les parece que está muerto, pero de momento el señor se levanta y coge su bicicleta, desaparece tras la oscuridad de la noche.

Otro momento inquietante se produce, cuando le parece estar atravesando un largo túnel que nunca se va a terminar y llegan al pueblo, mira hacia atrás y ve que no es más que un simple puente. La joven cree ver niños corriendo, todo está en su mente, pero John no ve nada.

Al entrar al hotel, la joven se vuelve y se queda mirando el cuadro de la pareja, su mente cree ver que la joven del cuadro se gira hacia atrás. Linda analiza una serie de cosas de las circunstancias que están viviendo, y le parece que están formando parte de una historia. Cree que todo lo que Cane escribe se va produciendo.

John no sabe identificar lo que corresponde a la realidad y lo que corresponde a la ficción. La joven confiesa a John que fue un intento de montaje, pero parece ser que todos los acontecimientos forman parte de lo que Cane escribió en el libro. Linda sale del hostal a escondidas y coge el coche. Llega a la puerta de una iglesia y numerosos niños se le presentan delante diciéndoles que son sus hijos. El papel de Linda juega un papel confuso en la historia, dado que no sabemos si participa de la historia real, si participa del montaje, si existe, si no existe. En el momento en que entra a la iglesia plantea el tema de los escritores que escriben mandados por las editoriales. A la joven le sale sangre por los ojos, mientras el escritor la abraza, por detrás se va convirtiendo en una criatura viscosa repugnante. Volvemos a ver otra criatura viscosa en la que es convertida la señora de recepción.

Numerosas personas se apoderan de la joven, la colocan en medio mientras varios niños cantan alrededor de ella. John entra en un bar, el señor le confiesa que se va a suicidar, porque según Cane lo escribió en la novela. Tras ver lo que están haciendo con la joven, la coge y la mete en el coche, pero literalmente se come la llave y no puedo arrancarlo. La joven sale del coche con el cuerpo descompuesto, transformado, como si se tratara de una criatura.

Escapa con el coche, pero tras varios intentos no consigue salir del pueblo, hasta que decide pasar encima de ellos y detrás de todos se encuentra a su compañera, pero choca el coche y de pronto aparece encerrado en un habitáculo, donde se encuentra al escritor. Cane le confiesa varias reflexiones, reflexiones que los espectadores deben hacerse al ver la película. “La religión busca la disciplina a través del miedo pero no entiende la verdadera naturaleza de la traición”, “Cuando la gente empiece a diferenciar la fantasía de la realidad, muchos seres iniciaran su viaje de regreso, cuanta más gente crea más rápido será el viaje, y en vista de cómo se han vendido los otros libros, seguro que va a ser muy, pero que muy popular”.

El final es algo aterrador, cuando John llega a la editorial, el jefe parece no recordar a la joven con la que viajó, supuestamente dos semanas antes el joven le entregó el manuscrito de la novela y ya está a la venta, “En la boca del miedo” líder en ventas. Parece haber sucedido una epidemia esquizofrenia paranoica. Imagen final impactante, indescriptible, terror en estado puro.

Un periodista lo entrevista entre las rejas de un psiquiátrico. Todo apunta a que la historia lo ha vuelto loco, como a otros muchos lectores alrededor del país. Él mismo se cree parte de una ficción y Cane está detrás de todo. La terrible mente de Cane es indescriptible, indefinible, es inexpresable lo que puede llegar a pensar un ser humano y transmitirlo con palabras hasta el punto de volver loco a la población que lee sus novelas.

Epidemia de asesinatos masivos, ciudades desiertas, no sabemos qué es realidad y qué es parte de la ficción de la mente de Cane. Desconcierto total del espectador, pero que lo hace reflexionar sobre muchos temas de la vida actual relacionada la violencia, la locura, las presiones de las editoriales, las mentes de los seres humanos que en muchas ocasiones son muy fáciles de manipular… Critica al cristianismo y la fe, reflexión entre lo real con lo ficticio, roce entre el surrealismo y el desequilibrio mental.

Asesinos natos, Oliver Stone

May15

“Asesinos natos” es una película dirigida por Oliver Stone, protagonizada por Woody Harrelson y Juliette Lewid. El guión original fue escrito por Tarantino y posteriormente revisado por Stone y otros guionistas. Sin embargo, Tarantino no aceptó las revisiones realizadas por los otros guionistas y pidió ser borrado como guionista de la película, y en los créditos solo vemos “Historia de…”

Esta película se estrenó con escenas censuradas en Argentina, Australia, Bélgica, Canadá, Chile, Finlandia, Francia, Alemania, Islandia, México, Irlanda (anteriormente prohibida), Holanda, Noruega, Japón, Portugal, Corea del Sur, España, Suecia, Inglaterra y Estados Unidos.

El centro de atención de la historia es el dúo formado por Mickey y Mallory junto al periodista Wayne Gale. La película intenta reflejar la forma en que los crímenes son contados por los medios de comunicación, y la manera en que se alaban a los asesinos.

En este film vemos una amplia gama de ángulos de cámara, (puntos de vista, panorámicas…) filtros de color, lentes, efectos especiales e imágenes animadas de los personajes en forma de dibujitos o cómic. Mezcla de imágenes en blanco y negro y en color. Ralentización de imágenes, superposiciones de imágenes demasiado surrealistas (en un lado ellos en la habitación del hostal y en otro lado la ventana donde se van sucediendo una serie de imágenes con violencia contenida). Escenas sexuales macabras y violentas, tanto gráfica (humana y representaciones animadas) como en diálogos muy fuertes. También imágenes compuestas en postproducción para parecer sueños, el fuego entre una secuencia de imágenes y otras…

Vemos toda una serie de diálogos y comportamientos machistas, vocabularios obscenos, en más de una ocasión puede herir la sensibilidad de más de una persona, amenazas, comportamiento incestuoso en forma de humor. Podríamos decir que la violencia en alguna que otra ocasión está justificada por la educación recibida por parte del padre de la joven, los abusos sufridos que han hecho que tenga ese comportamiento tan agresivo y violento, que llega a fogarse mediante la venganza con todo el que se le pone por delante, así desatar su odio hacia la civilización y paliar su sufrimiento infantil, provocando terror masivo.

La gente los apoya a pesar de realizar asesinatos en masa. Se muestran muy valientes para matar pero se asustan de la serpiente de cascabel que hay en la cabaña en la que se encuentran al señor indio. Parte de la película parece una visión televisiva. Algunas escenas son sátiras de programas de televisión satíricos de la época. Como por ejemplo, la escena en retrata con un tono satírico de intento de comedia la situación de familia desestructurada. Anuncios de televisión comunes aparecen a lo largo de la película, como el del oso abriendo la lata de Coca Cola.

Vemos lo que muchas veces pasa en la realidad, la televisión nos programa “lo que vende” a costa de lo que sea. Periodistas en directo relatando algunos de los asesinatos. Llegan a ser todo un fenómeno de masas de las televisiones, utilizándolos así para conseguir más audiencia en forma de “reality show”, grabando momentos en directo mientras Micky relata el por qué piensa así de la vida y de los seres humanos, cuando un periodista intenta llegar a su interior para dar respuesta a algunas de las preguntas que todos los ciudadanos pueden tener en sus mentes como son el por qué, para qué, qué les mueve hacer eso, si siente arrepentimiento… Sin embargo, obtenemos respuestas del tipo: “Es solo un asesinato, todas las criaturas lo hacen… mira en la selva”. Se compara con una criatura salvaje alejada de toda civilización y todas las normas de convivencia de un país, que simplemente mata para sobrevivir. Se proclama él mismo “asesino nato de profesión”.

Compara esos hechos con los medios de comunicación, su funcionamiento y el modo que tienen de mostrar y vender la violencia. Después de todo esto, el periodista lo felicita fuera de cámara, intentando hacer su programa famoso a toda costa.

Mientras Micky cuenta un chiste, aprovecha la situación para quitarle el arma a un guardia de seguridad. Ambos asesinos tienen esa facilidad de palabra para convencer y cuando uno menos se lo imagina, aprovechan para matar. Micky y Mallory salen huyendo con “el periodista del año”, como se proclama él, para informar en directo de cada movimiento y cada momento de ambos, para así atraer toda la audiencia posible, y ser la estrella de la televisión, pero lo matan a él también con el afán de matar a todo el que se encuentra a su paso y que nadie quede para contar su historia, pero al quedar la cámara queda la evidencia.

La historia plantea entre otras cosas, la ética periodística, las audiencias a toda costa, el dinero para el poder, “vender” un producto a las masas y éstas seguir cada instante por el afán del morbo más que de la información de verdad en sí misma. Seguir a unos tristes personajes, que tienen ese afán de matar por negar su infancia y por obviar ese miedo interior hacia el mundo en forma de asesinatos macabros, escabrosos y repugnantes.

Esa es la sociedad que tenemos hoy en día, en la que se siguen programas del tipo reality show por el afán del morbo y ver qué pasa con unos personajillos que crean tanta expectación.

Los individuos de toda sociedad intentan ser diferentes unos de otros, y en este caso vemos que estos personajes, dementes criminales que buscan ser distintos de la sociedad civilizada. Al ahondar en temas como la moral, ética, valores humanos y principios, se toca un terreno algo oscuro, dado que cada individuo tiene sus propias percepciones de las diferentes filosofías de la vida, aceptadas o recriminadas a veces socialmente. Son conceptos manejables de forma muy distinta por las diferentes entidades sociales, como son el Estado, la Iglesia y los partidos políticos, manejando estas filosofías que pretender imponer socialmente y de esta forma manejar las mentes de la sociedad para que acepten sus imposiciones. En este sentido, los medios de comunicación tienen ese papel importante, ya que tienen la difícil tarea de difundir los dogmas que estos entes requieren para lograr dominar a las personas.

En el caso de estas personajes, funcionan como líderes sociales, que toda la sociedad mundial admira, por sus actos, su personalidad y sus comportamientos. Se puede comparar a las actuaciones de los grupos de manipulación coercitiva (a los que se suelen denominar sectas), líderes egocéntricos dementes, que hacen sus voluntades sin razonamiento ninguno, alejados de toda norma que rigen la conducta humana y los comportamientos sociales, proponiendo sus filosofías ilógicas, totalmente amorales, saliendo totalmente ilesos de las justicia, debido al poder mediático que ejercen.

Dentro de sus perfiles personales, podemos ver a dos individuos que se vengan de las injusticias sociales, sufridores de maltrato físico y psicológico desde niños, educación totalmente alejada de todos los preceptos sociales, personalidades explosivas, sin ningún tipo de concepto de lo que significa el respeto y vivir en sociedad, dado que nunca fue educado para vivir acorde a unos principios sociales. En el caso de la joven, hija de una prostituta, padre abusador que la agrede sexualmente y va creciendo con ese odio interior que va provocando que su actitud vaya creciendo a ser más violenta y agresiva en todos los sentidos. Forman esa pareja consagrada como asesinos en serie, famosa y carismática, que actúan con sangre fría, admirados por las masas sobre todo por los jóvenes. Conducta criminal que alaban los medios de comunicación, causando el efecto contrario, ya que adquieren esa fama y reconocimiento por su ensalzamiento de la violencia y la agresión. Sin embargo, un psiquiatra comprueba que no son unos enfermos, sino unos psicópatas que conocen perfectamente lo bueno y lo malo, que se ve reflejado cuando asesinan por error al indio.

En definitiva, es una producción algo escabrosa, llena de humor negro, que puede herir la sensibilidad de más de una persona, la música es algo inquietante, el fuego entre secuencias y otras puede dar respuesta a que nos estemos encontrando en una situación infernal donde solo hay cabida para la violencia y la brutalidad, alejado de toda civilización y educación humana. Planteado todo desde la perspectiva de que los medios de comunicación son los que nos venden así las cosas, aprovechándose de la explosión mediática que producen, cogiendo cada factor social, como son la familia, la religión, la educación… todo esto se va viendo debilitado ante la televisión, cómo las personas aceptan un producto elaborado por este medio como algo que forma parte de su forma de vida cotidiana. Hacen del asesinato un fenómeno de masas mundial.

La ola, Dennis Gansel.

May10

“La Ola”, de Dennis Gansel , es una de esas películas que se atreve a mirar de frente al surgimiento de grupos violentos y radicales, para cuestionarse si los hombres han logrado aprender alguna lección del pasado, o si la historia podría repetirse de nuevo, y de esta forma hacerlos reflexionar de alguna manera.

Estremecedora e impactante, por poner el dedo en la llaga y apuntar con inteligencia hacia algunos de los factores tanto personales como sociológicos, que propician el surgimiento de esos movimientos racistas y cerrados.

El profesor Rainer Wenger, durante un trabajo semanal, enseña a sus alumnos el tema de la autocracia como forma de gobierno. Los jóvenes desconfían de esta idea, no creen que pudiera volver una dictadura como la del Tercer Reich en la Alemania de nuestros tiempos y creen que es imposible que el nacionalsocialismo vuelva al poder, porque a pesar de haber pasado décadas, las nuevas políticas y tecnologías intervendrían en el proceso.

Sin embargo, el profesor decide empezar un experimento con sus alumnos para demostrar lo fácil que es manipular a las masas. Mediante de su lema: «fuerza mediante la disciplina, fuerza mediante la comunidad, fuerza a través de la acción, fuerza a través del orgullo», haciendo hincapié en ello, de tal forma que cada día los alumnos siguieran una nueva regla. Por ejemplo, el profesor logró que todos ellos entrasen a su aula y, en menos de 30 segundos, se hubieran sentado todos ellos con actitud atenta y con la espalda bien recta. El interés por la forma de cómo se ejecutaban esas clases creció, haciendo que jóvenes de otros cursos se cambiaran de aula y llegar a ser un curso numeroso, provocando el fanatismo.

El grupo llega incluso al extremo de inventar un saludo y a vestirse con una determinada indumentaria. Los componentes del grupo decidieron llamarse «La Ola», y a medida que pasaban los días, comenzaban a hacerse notar mediante actos de vandalismo, todo a espaldas del profesor Wenger, que acabó perdiendo el control de la situación y de esta manera perdiendo también el control de su propia vida.

En esta película podemos ver el rechazo a las diferencias, la obediencia a la autoridad, propiciaron la creación del grupo y el cambio en las actitudes, así como en las relaciones entre los componentes, llegando a la violencia y a los insultos (proceso llamado en Psicología disonancia cognitiva). El rechazo a las diferencias, desigualdades de todo tipo, ignorancia (falta de cultura y conocimiento), hacer caso a un líder autárquico y el miedo son algunas de las circunstancias sociales que podrían favorecer una reacción de este tipo tal como sucede en países en los que priman las dictaduras como son algunos países africanos, latinos y orientales, donde quieren hacer crecer a la población con el miedo en el cuerpo y sin libertad para nada.

En este experimento, las relaciones interpersonales se hacen más estrechas y solidarias en el endogrupo y más frontales y radicales frente al exogrupo. En principio se iniciaron cambios que pudieron haber sido positivos, pero igual que se propició el respeto hacia un grupo, debería haberse propiciado el respeto a las diferencias.

Bajo mi punto de vista, el profesor presenta una serie de frustraciones personales, ya que se siente incomprendido, se autoaisla de los demás, su psique influye en el grupo. Intenta conseguir lo que quiere a través de unas normas que impone a la clase, rechazando toda crítica y toda persona que sea diferente o piense de forma diferente a los ideales del grupo. Llega un momento en que pierde las riendas del grupo, que lo crea en clase, pero se desarrolla en el exterior del instituto. Va creando una serie de señas de identidad con las que todos deben estar de acuerdo, hasta el punto de sembrar el miedo, la amenaza y la violencia como única forma de sobrevivir. Va creando esa dependencia del grupo, que no se pueda vivir sin pertenecer al grupo, alimentando los miedos y las frustraciones de los jóvenes como única forma de sentirse valorado ante los demás.

Una película interesante que muestra que aunque no nos encontremos en las dictaduras y autarquías de hace años en muchos países, siempre hay una persona que quiere alimentar su ego proclamándose líder y defendiendo unos ideales a veces sin sentido ninguno. Consiguiendo de esta forma que las masas le sigan aprovechándose de su ignorancia y provocándoles el miedo.

Todo esto nos muestra que el ser humano tiende a obedecer a alguien cuando se encuentra inmerso en un grupo (tanto por voluntad como por obligación) aunque en el fondo sepa que lo que está haciendo es una estupidez sin ningún sentido, ni sabe por qué lo hace, simplemente lo hace para seguir la voluntad y las imposiciones del líder, que es quien de alguna manera lo hace sentir “importante”. Esto se puede equiparar como lo que pasa actualmente con muchos grupos de manipulación coercitiva, cuya intención es agarrar a las personas para que sigan sus preceptos y normas, sus ideologías como única forma de sobrevivir y controlan su vida hasta el más pequeño detalle de su privacidad personal, para, en el fondo, llegar a controlar las mentes, que es el único instrumento que tienen estos grupos para atraer, ya que como se ha demostrado, el ser humano como no tiene nada en lo que creer, cree mentiras como única forma de aferrarse a algo, y la gente cree en ellos ciegamente, porque piensan que son los “elegidos” por algún ente poderoso.

Las zapatillas rojas (Michael Powel, 1948).

May6

Esta película está realizada en el año 1948 en Reino Unido, estrenada ese mismo año en plena post-guerra. Dirigida por Michael Powel y Emeric Pressburger. Consiguió dos Óscar, a la mejor dirección artística en color y a la mejor banda sonora. Directores como Brian de Palma y Martin Scorsese han incluido esta película entre sus preferidas.
Es una obra ambientada en el mundo del ballet, los sacrificios realizados para alcanzar una carrera de éxito. La historia utiliza el relato dentro del relato, denominado en las Teorías de la Comunicación Audiovisual como una forma de Intertextualidad.
El uso del Technicolor fue obra de la dirección de fotografía de Jack Cardiff, quien creó una cámara especial que permitía cambiar la velocidad de filmación mientras se rodaba, lo que le ayudó a producir la sensación de volatilidad en los bailarines de la obra, ya que podían permanecer más tiempo en el aire y así saltar más alto.
Una joven bailarina, se suma a una compañía y participa en el nuevo ballet denominado “Las zapatillas rojas”, basado en el cuento de Hans Christian Andersen. La muchacha se encuentra entre la espada y la pared entre dos hombres, un compositor y un empresario.
El ballet que da nombre a la película se basa en la historia de un vendedor de zapatos, que vende un par de zapatillas rojas de ballet a una muchacha que las ve en un escaparate, que al ponérselas no puede dejar de bailar. Su larga danza termina con su muerte, pero recuperando el vendedor las zapatillas para entregárselas a otra joven desconocida. El empresario que descubre el talento de la joven, la esclaviza al servicio del espectáculo. Tras un estreno, se consagra como artista y se enamora del compositor. Es ahí cuando duda sobre continuar con su carrera artística o renunciar a ella por el hombre que ama.
Desde el punto de vista técnico, durante todo el film vemos sobre todo planos generales y planos largos para situar a los personajes en un espacio, planos cortos y primeros planos en diferentes momentos para mostrar las expresiones, sentimientos y emociones de algún personaje concreto en algún momento determinado de la narración. Planos cortos y medios de la bailarina principal del ballet cuando se encuentra en funciones, y primeros planos para marcar sus expresiones faciales. Ángulos contrapicados para mostrar la superioridad de unos personajes sobre otros, y picados para acentuar la inferioridad de otros, aunque muchos ángulos son neutrales (desde el punto de vista de los ojos). Respecto a los movimientos, podemos ver: travelling de acompañamiento, travelling hacia atrás, travelling hacia adelante, otras veces la cámara está quieta filmando el movimiento de los personajes, planos secuencia… Planos recurso que nos muestra la forma de vida de la gente de la ciudad, planos detalle que nos muestra objetivos importantes en la historia, como cuando vemos el periódico que nos muestra el matrimonio entre el compositor y la bailarina, el cenicero lleno de cigarrillos consumidos junto al director del ballet… La voz en off que nos relata algún acontecimiento. La orquesta a veces aparece en campo y otras fuera de campo, aunque en algunas ocasiones sabemos que está ahí, pero en otras ocasiones no está claro si forma parte del escenario de la historia, o si forma parte de lo que es la banda sonora para provocarnos emociones. Efectos visuales, como personajes que aparecen y desaparecen, como sueños que se imagina la protagonista, objetos de papel que se convierten en personas… todo de forma onírica Algunas secuencias se abren con formas circulares, otras se cierran con fundidos en negro, fundidos de una imagen a otra, sobreimpresiones. Durante los bailes, la música es un elemento expresivo importante, ya que durante la canción los gestos de la cara y del cuerpo de los personajes acompañan al sonido de los instrumentos. Las coreografías y los movimientos están muy bien planificados para que sigan el ritmo de los sonidos.
Sobre la iluminación, decorados y vestuario, priman sobre todo tonos fríos y apagados, colores marrones, beiges, azulados, grises, blancos, negros… lo único que llama la atención ante toda esto son las zapatillas rojas, dado que es un color cálido hace contraste con los demás elementos y de esta forma llamar la atención del espectador ante los demás componentes. Después, también llama la atención el autobús rojo que vemos en alguna ocasión, ya que como todos sabemos, es un medio de transporte típico de Reino Unido, lo que hace que el espectador se sitúe en la ciudad en la que se lleva a cabo la historia. Algún que otro elemento rojo, como la rosa roja de varios personajes, el pañuelo rojo del director del baile… Tenemos iluminación natural en exteriores e iluminación artificial anaranjada en interiores, focos para iluminar al personaje cuando se encuentra en el escenario realizando su función, candelabros. Las sombras en la noche pueden causar un poco de miedo más que nada por la música que suena en el momento.
Sobre las emociones y sentimientos que genera la película se pueden mencionar varios momentos. Como por ejemplo, es bonita la escena en la que vemos, con un plano general, durante la noche, a la feliz pareja de enamorados en el coche de caballos y en el fondo el mar. La reacción de Lermontov ante la noticia del matrimonio entre Craster y Page parece de celos, furia o frustración. Resulta emocionante la secuencia final, cuando la joven sale al escenario a realizar su función, y minutos antes, justo al salir de su camerino, algo le pasa, le cuesta caminar mientras la señora la ayuda, la cámara permanece quieta mientras la joven se acerca y al llegar, se para en un primer plano y por corte se hace un plano detalle de las zapatillas rojas, la joven guiada por las zapatillas se dirige hacia atrás asustada y echa a correr, la orquesta comienza su función y vemos que la joven baja aceleradamente las escaleras, sale, baja las escaleras exteriores, Craster se vuelve y la ve, le cambia el rostro al suponerse que se va a dirigir hacia él, pero Vicky se dirige hacia una barrera, se sube, se tira a las vías del tren. El público espera la actuación de Vicky pero Lermentov les da la mala noticia de que no volverá a actuar. Con un travelling hacia adelante nos vamos adentrando en la emoción que siente ante el hecho sucedido y el brillo de sus ojos y sus rasgos faciales apunto de explotar a llorar. Se representa la obra, pero con las zapatillas rojas en el medio alumbradas por un foco superior y quedándoselas el vendedor de zapatos. Como homenaje, un plano de las zapatillas rojas, una vela encendida y el nombre de Hans Christian Andersen da el fin a la película.
A veces, ha sido calificada como un musical, sin embargo tiene todos los puntos necesarios para ser una tragedia. La historia se produce en la compañía de ballet de Lermontov, quien descubre dos talentos: la joven bailarina Vicky Page y el compositor Julien Craster, y decide montar un ballet denominado “Las zapatillas rojas”
Una mezcla entre el ballet y cine. El cine como lenguaje posee un elemento común con la danza y remite al origen de la vida que es el movimiento. Tanto el cine como la danza se mueven: el cine mediante los fotogramas por segundo que se van sucediendo, y la danza rítmica de las jóvenes bailarinas cuando practican el ballet. El ballet hecho cine, ayudado por una brillante utilización de la fotografía, la escala de planos, ángulos, iluminación, montaje, puesta en escena y movimientos de cámara, logrando algo que es prácticamente imposible de realizar simplemente en un escenario habitual.

Educación en valores a través del cine

Abr18

Los valores, actitudes, creencias, ideologías, normas y pensamientos que transmite el cine puede no estar bien comunicados o transmitidos, provocando el efecto contrario de aquello que el fin inicial con el que se planearon su uso distan de la realidad, modulando la personalidad del espectador.Debemos tener en cuanto que durante el visionado de un film se produce un acto comunicativo dado que el creador del mensaje tiene la intención de contar algo, de comunicar algo y el sujeto que lo visiona tiene propósito de recibir esa información, procesarla y o bien tomarla como suya o bien eliminarla.

Como recurso didáctico o educativo ayuda al individuo, también, en la resolución de conflictos pues presenta la realidad casi tal cual es. Por tanto, podemos hablar e un cine ‘formativo’ el cual tendría, como finalidad, principal, la mejora de los conocimientos de los telespectadores (Vega, 2002)

Su utilización en el aula puede se de dos maneras fundamentales como nos señala Martínez- Salanova “como instrumento técnico de trabajo, en primer lugar y como sustento conceptual, ideológico y cultural, por otro. Como instrumento técnico de trabajo, sirve de punto de partida para conocer diversos modos de acceder a la sociedad y describir la realidad”

Por otra parte no debemos de olvidarnos de las dos grandes posibilidades de las que nos habla Loscertales y Núñez como elemento de psicosocial:

a-Como espejo de la sociedad en la cual se produce, reproduciendo los estereotipos al uso, y se emplean para ello lenguajes inteligibles, accesibles al público representativo.

b-Como generador de modelos tanto en las claves de valores e ideologías como en las pautas actitudinales.

Dentro del abanico que nos proporciona el cine, en cuanto a temáticas y formatos, el de animación, donde los protagonistas son animales, plantas, juguetes o cualquier otro objeto, es el que, consideramos, más ventajas presenta para trabajar las áreas curriculares de la etapa de Educación Primaria, dado que siempre imitan comportamientos humanos, lo cual nos permitirá extrapolar la realidad educativa a la gran pantalla. Este tipo de cine se caracteriza, principalmente, por presentar personajes atractivos, donde el malo, por ejemplo es malísimo, presentando unos rasgos duros y afilados, con colores oscuros, y el bueno es dulcemente atractivo, a veces rozando la cursilería, los protagonistas secundarios, casi siempre, son los “graciosos” de la película y el mensaje que quieren transmitir está explícitamente destacado.

En definitiva, el cine nos presenta seres humanos (o su representación) en acción, de ahí que sea un recurso didáctico sin precedentes, puesto que realmente nos permitirá estudiar la sociedad en general y la realidad cultural del grupo de iguales o familiar en particular; es una ventana al mundo que da significado y experienciabilidad de la vida diaria en el aula.

Como señala Amar (2003) el cine debe ocupar el lugar que le corresponde en los centros escolares resaltando su valor educativo y cultural. Como medio de expresión comunica pensamientos, ideas valores, conductas, referentes ideológicos,… que han de ser tenidas en cuenta por los formadores dado que modulan las conductas de los espectadores.

La invención de Hugo, Martin Scorsese

Abr1

El cine es la materia prima de esta película. Inspirándose en un relato de Brian Selznick. Esta película recapitula fotogramas coloreados a mano por Méliès, con tono de fantasía, en una época en la que crece el cine digital y 3D. Una pequeña lección de la historia del cine. De igual forma, que los hermanos Lumière también están presentes, conjugándose la proyección de La llegada del tren a la Ciotat con con la recreación de un célebre accidente ferroviario producido en la estación de Montparnasse.

Hugo es un niño huérfano, fascinado por los mecanismos de relojería y los autómatas, que vive en la estación, y emprenderá una aventura que le llevará a descubrir la verdadera identidad de un anciano vendedor de juguetes, Georges Méliès, considerado padre de los efectos especiales.

La película comienza con un estupendo plano-secuencia que nos muestra la ciudad de París, y nos lleva al lugar en el que se producirá la historia, hasta llegar a los ojos del protagonista situados detrás en el reloj de la estación. Al ver la Torre Eiffel en el plano secuencia y oír la música de la banda sonora, ya sabemos que nos encontramos en Francia. La música refuerza los momentos de tensión, los momentos más dramáticos.

Cargada de primeros planos y planos cortos, para irnos situando en la psicología de los personajes y invitándonos a ser partícipes de sus acciones. Planos subjetivos, picados, contrapicados, travellings. Puede dar lugar a confusiones en varios momentos, como la carrera del perro en los primeros minutos, que costaría identificar si se trata de un travelling de acompañamiento o steady cam. Son maravillosos los planos generales de todo nevado y leves rayos de sol de fondo. Es interesante el plano en que la niña cae al suelo y es captada desde arriba y a la vez la sobreimpresión de los pies de los figurantes que pasan por ese camino.

Sobre el color, sobresalen los colores oscuros del vestuario de la mayoría de los personajes, en contraste con el color azul de los uniformes de los guardias, con algún tono rojizo, azulado… de algunos detalles del vestuario en general de los personajes secundarios y figurantes. Filtro azulado, para destacar los ambientes fríos de nieve.

Cuando los niños entran en el cine, vemos imágenes de archivo de una película en blanco y negro, parecer ser un guiño a los filmes de Charles Chaplin. También, volvemos a ver imágenes de archivo cuando los niños comienzan a leer un libro en la biblioteca sobre las primeras películas, y nos presenta imágenes de La llegada del tren a la ciudad, uniendo estas imágenes con cortinillas rojas con las mostradas en el cine con gente de clase alta asustada, porque pensaban que el tren se va a salir de la pantalla y arrollarlos. Interesante el momento en que el niño mira la imagen de arriba de la biblioteca y ve que la figura del hombre rodeado de estrellas señala algo iluminándolo, y nos lleva a una proyección de cine, en la que volvemos a ver imágenes de archivo en blanco y negro, abiertas con cortinillas rojas. En estas imágenes, observamos otro clásico, La salida de los obreros de la fábrica, mezclándolas con otras imágenes, algunas mostradas con filtros verde, rosa, violeta-azulado. A lo largo de la secuencia en la que los niños tienen el libro en sus manos, van leyendo algunos textos y viendo algunas imágenes, se van mezclando con imágenes de archivo de la época, tanto en blanco y negro, como algunas con filtro amarillo, verde, rosa… que se van sucediendo de forma acelerada. Ambos niños, descubren cosas interesantes de la historia del cine, como que George Méliès descubre que las películas tienen el poder de capturar los sueños. Seguimos viendo varias veces más imágenes de archivo a lo largo de la película, tanto en blanco y negro, como en color, con momentos de fantasía, efectos especiales, que ahora son normales, pero en la época eran novedad. Así como también vemos, el proceso de revelado de la película en el cuarto oscuro.

Emocionante el momento en que el niño se cuelga del reloj, para que el guardia no lo encuentre, iluminando la escena con tonos azulados y con los bellos paisajes de la ciudad de París con sus luces y su Torre Eiffel. En esta escena del niño colgándose de la aguja del reloj y posteriormente sentado en la parte exterior de la ventana, observamos unos puntos de vista y unas perspectivas increíbles e impactantes. La película termina con un plano secuencia, haciendo un recorrido desde la calle mostrando de lejos el lugar, hasta pasar por los personajes presentes en la fiesta de la gala, terminando con un plano de la joven escribiendo su libro llegando al autómata sentado en la mesa, con la voz en off de la joven narrando lo que va escribiendo en su libro. Terminando como empezó, con la presencia del tren pasando detrás del edificio y el interior del mismo rodeado de relojes. Los créditos del final de la película son dignos de Martin Scorsese, con esa elegancia tanto en formas, presentación y banda sonora.

En general, una película con un lenguaje audiovisual muy preciso, mostrando el cine dentro del cine, y bien realizada en todos sus aspectos, planos, puntos de vista, movimientos de cámara, música y banda sonora, vestuario, iluminación y filtros de color, creatividad en la presentación de las imágenes de archivo, sobreimpresiones, respetando la ley de tercios en la presencia de los personajes principales… dominio y perfecta utilización del lenguaje audiovisual propio de uno de los directores de cine actual que hacen historia en el cine independiente.

Amélie

Mar19

Amélie es una película de nacionalidad francesa del año 2001, dirigida por Jean-Pierre Jeunet. Podría definirse como una comedia romántica, que se situó entre las más taquilleras.

Amélie es la historia de una chica que tuvo una niñez limitada por la falsa preocupación de su padre de que ella sufría del corazón. Bajo estas condiciones, está chica casi no tiene contacto con otras personas. Esto la lleva a recurrir a su propio mundo fantástico. Cuando se convierte en una joven adulta, se muda al centro de París a trabajar en una cafetería. Después de encontrar un tesoro oculto perteneciente al anterior inquilino de su apartamento, decide buscarlo y devolvérselo. Después de ver la reacción del hombre, la joven se propone dedicar su vida a ayudar a la gente que la rodea. Como por ejemplo, a su padre, quien está obsesionado con los enanos de jardín, un escritor sin éxito, una joven hipocondriaca, un hombre que acosa a sus ex-novias, el amor de su vida y un hombre cuyos huesos son tan frágiles como el cristal. Pero después de agotarse llevando a cabo estas locuras, se da cuenta de que está descuidando su propia vida y la búsqueda de su amor. La joven entonces se da cuenta que debe intentar ser más agresiva y tomar el control de su vida para conseguir el amor con el que siempre soñó.

Los personajes de esta película tienen fuertes características atribuidas a su comportamiento y su carácter. Como por ejemplo:

Amélie: estereotipo de chica alegre y feliz, que a todo le encuentra un matiz positivo y cuyo carácter está marcado por los sucesos de su infancia.

Padre de Amélie: estereotipo de persona fría, distante y minuciosa.

Madre de Amélie: estereotipo de persona estricta y ordenada a la que no le gusta que nada se salga de lugar.

Por otro lado, en varias ocasiones se pasa de un plano general o medio a un primer plano a través de un movimiento de travelling. En casi todas las escenas se aprecia un travelling o grúa, lo que da movimiento y ritmo a la historia. En otros momentos, el travelling es a ras de suelo dejándonos ver el lugar por el que se mueven los personajes y mostrando una composición integrada por un personaje en un plano más cerrado. Otros travellings laterales son utilizados para mostrar el lugar en el que se encuentra un personaje, para darnos a conocer el entorno en el que se va a desarrollar la siguiente escena y describir los detalles del mismo. Normalmente, los puntos de vista son a la altura de los ojos, de forma neutra, aunque en alguna ocasión utiliza picados y contrapicados. En la iluminación, podemos decir que predomina una luz suave en los interiores, algunas escenas con contraluz o penumbra, para dar sensación de clandestinidad. A veces se observan movimientos de aceleración en algunas escenas.

Según el esquema de análisis audiovisual de Casetti, observamos distintos códigos de montaje, como por ejemplo: asociación por identidad (una imagen se vuelve igual a sí misma), asociación por analogía (dos imágenes se repiten elementos similares, pero no idénticos), asociación por proximidad (las imágenes A y B presentan elementos que se dan por contiguos), asociación por transitividad (el encuadre A encuentra su prolongación y su complemento en el encuadre B), asociaciones por acercamiento (dos imágenes que no presentan ningún elemento en común, sólo su proximidad en la película, (simplemente van seguidas en la película, pero no tienen ninguna relación), como es el caso del montaje por corte). Con un primer plano podemos averiguar el tipo de personalidad que posee el personaje, a través de su expresión, de su rostro. Esta es una de las principales características de la película Amélie: los personajes son muy expresivos.

Como inciso, el color es algo muy importante para Jeunet, ya que juega un papel esencial en otras de sus películas como “Delicatessen” o “Largo domingo de noviazgo”. En el primero de los casos, predominan los tonos sepia y anaranjados, que aportan un significado a la historia. Mientras que, en “Largo domingo de noviazgo” podemos ver tonos ocres, más apagados.

Por otro lado, la música que predomina es extradiegética o no diegética, que actúa como acompañamiento de la escena de forma más común a lo largo de la película. Es raro que se de el caso que la música forme parte de la historia.

Además, conviene poner de relevancia, que gracias a este film hubo un cambio en la percepción visual del mundo, con la influencia de la luz y el color, colores cálidos como el naranja o rojo junto a colores fríos como el verde o el azul, que contrastan en algunas escenas: vestuarios, iluminación de las localizaciones, decorados o coches en localizaciones exteriores de colores rojos y azules. El color en este filme, proporciona una mayor proximidad a la realidad, provoca sentimientos y emociones. Precisamente Amélie muestra su microcosmos, parte de su vida, sus motivaciones y sentimientos a través del color. No obstante, contraponien el color que predomina en Amélie y en su entorno, encontramos a Collignon y Raymond, quienes utilizan colores apagados y tristes, tanto en su vestuario como en la decoración de su casa.

Igualmente Jean-Pierre Jeunet da un toque personal a sus películas, los dota de cierta magia, fantasía, incluso a veces roza lo surrealista, como es el caso de su película Delicatessen. En el caso de Amélie, predominan los colores rojizos y verdes. Además, la imaginación está presente en ambas, aunque en Delicatessen va mucho más allá rozando lo tremendista.

Esta película también está influenciada por Renoir, sobre todo por su cuadro “El Almuerzo de los remeros”, que aparece con bastante frecuencia durante el film.

Finalmente, Amélie se podría definir como una joven tímida, que en lugar de enfrentarse de forma valiente a sus deseos, vive en su mundo de fantasías. Da mucha importancia a las cosas pequeñas de la vida. Vive en soledad, lo que va marcando su personalidad. Intenta vivir su vida haciendo felices a los demás, pero de forma anónima. Esta excesiva timidez no le permite expresarse con libertad. Lo que le lleva a tener miefo a enfrentarse a las situaciones de la vida y necesita tiempo para superar ese miedo al amor.

Un Franco, 14 pesetas

Mar19

Película dirigida por Carlos Iglesias. El argumento gira en torno a dos españoles que son despedidos de sus trabajos en la década de los 1960 en España, y se ven obligados a irse al extranjero a trabajar, dejando atrás a sus familias. Al llegar a Suiza, Martín y Marcos comienzan una aventura con unas mujeres del hotel. Parece que la calidad de vida es bastante mejor aquí, hay mejores sueldos, la educación es gratuita…

Todo cambia cuando la familia de ambos llegan allí y comienzan una vida diferente en este país, con su mujer e hijos. Años después, vuelven a España, y tras despedirse Martín de Hanna, con quien tuvo una relación en secreto, observa que la niña tiene rasgos germánicos pero es morena, y se da cuenta que es hija suya también, de la relación que mantuvieron en secreto.

El argumento está basado en la historia real del director Carlos Iglesias. Su personaje en la película se identifica con su padre en la realidad. Fue la primera película del director, que fue nominado a los Premios Goya al mejor director novel. El título tiene doble sentido: por un lado hace referencia al cambio monetario de la época entre el Franco suizo y la peseta española, y por otro lado alude al dictador Francisco Franco.

La mayoría de los planos que vemos son planos cortos de los personajes, primeros planos, y al llegar a Suiza pues vemos numerosos planos generales de los paisajes. Movimientos de cámara como panorámicas que acompañan el movimiento y las acciones de los personajes, o para visualizar un paisaje de un lado a otro, plano contraplano para conversaciones entre dos personajes, planos picados y contrapicados para mostrar la superioridad e inferioridad de unos personajes con otros. Al llegar a España, la iluminación del sol juega un papel importante, en contraste con las sombras y los cielos nublados de Suiza. En varios momentos localizados en exteriores de noche, en Suiza, pareciera que se han utilizado filtros de color en la cámara. La música, para ambientar ambos países y acompañar a situaciones dramáticas o alegres.

Al principio, en los escenarios de España vemos tonalidades oscuras, vestuarios oscuros, todo con sensación más de tristeza. Sin embargo, al llegar a Suiza, hay tonalidades más claras, aunque es un país más frío, más solitario en las calles, calles más limpias, todo más tranquilo, más sosegado. El hijo de Martín, siente mucho el cambio entre ambos países, por un lado Suiza, un país donde hay más respeto entre maestros y alumnos, mejores amigos, mejor casa, educación pública y gratuita, más tranquilidad, todo más verde, más limpio por las calles, los bosques… y a la vuelta a España, donde hay jaleos por las calles llenas de gente, niños agresivos tirando piedras a perros, compañeros que le enseñan a hacer «chuletas», colegios donde hay que pagar y curas que le pegan con una regla en la mano.

Para finalizar, no es una película que destaque por su lenguaje audiovisual en movimientos, planos e iluminación, pero está muy bien ambientada en cuanto a escenarios de ambos países y el argumento es muy interesante por la calidad en la historia.

Road movies

Mar13

Una road movie es un género cinematográfico. Este tipo de género se caracteriza por mostrar una serie de personajes que siguen un camino, bien físico y bien psicológico, para llegar a un objetivo final. Algunas de las características más propias que presenta este género son las siguientes, pueden presentar una o varias, todo depende de la historia que nos esté narrando:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito.

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes.

– El viaje revela al héroe algo sobre sí mismo en el lugar al que ha llegado. Sobre este modelo pueden organizarse distintas variantes; si bien en la tradición del final feliz el corolario del viaje es el triunfo del héroe en su lugar de destino y el retorno a casa, las variantes pueden presentar un nuevo hogar en el lugar de destino, un viaje infinito, o bien la anagnórisis del personaje, que descubre que el conocimiento adquirido le hace imposible regresar a su origen, escogiendo la muerte o el exilio definitivo.

-Una notable característica de las películas de carretera suelen ser sus bandas sonoras, principalmente se desarrollan con música originaria, bien «música de carretera» o «música de ruta».

Algunos ejemplos de road movies son los siguientes:

TROYA (ILIADA Y ODISEA)

Una historia perteneciente a la mitología griega. Relata la guerra entre griegos y troyanos. Todo comenzó cuando Paris raptó a Elena, esposa de Menelao, rey de Esparta. Bajo las órdenes de Agamenón, los griegos pusieron sitio a la ciudad de Troya. La obra relata, entre otras aventuras, la victoria de Aquiles sobre la reina del Amazonas y su muerte a manos de Paris. Finalmente la ciudad fue capturada cuando los griegos usaron la estratagema de construir un gigantesco caballo hueco de madera y presentarlo a los troyanos como regalo. Los troyanos aceptaron el obsequio, hicieron una gran fiesta de celebración y cuando los guerreros abrieron las puertas, destruyeron la ciudad sin piedad. Esta guerra es uno de los ejes centrales de la épica grecolatina y fue narrada en un ciclo de poemas épicos de los que sólo dos han llegado a la actualidad, la Ilíada y la Odisea, ambas obras de Homero. La Ilíada describe un episodio de esta guerra, y la Odisea narra el viaje de vuelta a casa de uno de los líderes griegos.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito, ya que tras casi diez años de lucha entre griegos y troyanos, la incapacidad de los helenos para destruir Troya es más que evidente. Hasta que idean algo para llegar a la ciudad y destruirla.

UN MUNDO PERFECTO

Un peligroso asesino se escapa de la cárcel en compañía de otro preso. Durante la huida ambos toman como rehén a Philip, un niño, miembro de una familia en la que son testigos de Jehová. Un policía le sigue la pista, junto a una criminóloga y algunos otros ayudantes. Después de huir con Philip, Butch y Terry hacen un alto en su camino y tras una tensa situación, Philip huye del coche, y Terry le persigue. Al final es Butch encuentra a Terry y lo mata de un disparo. A partir de este momento Butch y Philip comenzarán un viaje en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, que se convierte en el padre que siempre le faltó. En parte, Butch ve en Philip un reflejo de sí mismo, pues su padre, del que sólo conserva una postal, que le envió desde Alaska, también se marchó de casa cuando él era pequeño. Es también por eso, que Butch le pide que haga una lista con las cosas que siempre ha querido hacer, por ejemplo, por culpa de su religión, como el pedir caramelos en la noche de Halloween, comer algodón de azúcar o subir en la montaña rusa, tratando de que el chico obtenga la felicidad que él no pudo alcanzar.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes: toca el tema de los malos tratos a menores, de los cuales hay varios casos en la película: por ejemplo, psicológicos: en el caso de la propia madre de Philip, que por una razón como la religión cohíbe a su hijo de tal manera que no puede hacer las mismas cosas que cualquiera de sus compañeros.

-El hombre y el muchacho realizan un viaje infinito.

Ejemplos de otras películas que presentan este género cinematográfico son, entre otras muchas:

-El diablo sobre ruedas.

-Bonnie and Clyde

-Thelma y Louis

-Corazón salvaje

-La pasión ciega

-Luna de papel

-Camino a la perdición

-París, Texas

-El salario del miedo

-Flores rotas

-Easy reader

-El octavo día

-Las llaves de casa

-Alicia ya no vive aquí

-La diligencia

-La huida

-La strada

-Amor a quemarropa

-Malas tierras

-Una película hablada

La semilla del diablo, Roman Polanski

Mar11

Película dirigida por Polanski en 1968, protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer, Maurice Evans y Ralph Bellamy y basada en la novela de Ira Levin.

La narrativa presenta a Rosemary, una joven ama de casa que está casada con un actor. La pareja se instala en un apartamento de la célebre Casa Bramford, un antiguo edificio de apartamentos en Manhattan. El apartamento tiene una leyenda un tanto sórdida, debido a las siniestras reputaciones de algunos antiguos inquilinos.

Rosemary es una mujer joven y alegre, totalmente dedicada a su hogar y a su marido, con quien anhela tener un bebé. Guy, por su parte, desea el estrellato en el sector audiovisual. Por circunstancias accidentadas, los Woodhouse comienzan una amistad con un matrimonio de edad avanzada, que vive en la misma planta del edificio, y se convierten en una especie de padres sustitutos del matrimonio. Al poco tiempo, Guy y Rosemary acuerdan tener descendencia y planean la fecha ideal. Una noche, Rosemary tiene alucinaciones y pesadillas, aparentemente violada por un ente no humano. Cuando despierta, Guy se disculpa por haberle hecho el amor mientras estaba inconsciente y ella descubre que está embarazada.

Poco a poco, el matrimonio vecino se va introduciendo en sus vidas. La anciana se acerca cada mañana a llevarle un ungüento que debe tomar para mejorar su proceso de embarazo, hasta que Rosemary se va percatando que con esa bebida va teniendo complicaciones y dolores muy fuertes en su abdomen. El marido provoca la separación entre sus amigas y pierde todo contacto con ellas. Por tanto, la joven decide cambiar de ginecólogo, pero su marido no se lo permite. Descubre que hay especie de trama de médicos brujos que parecen estar unidos para apropiarse del hijo que viene en camino. Cuando el niño nace, la hacen creen que nace muerto, pero descubre algo detrás de un armario del apartamento, que conecta con otra vivienda donde están celebrando el nacimiento, dándole la bienvenida al “hijo del diablo” en una especie de rito macabro.

La música toma un papel importante a lo largo de la historia. Resulta inquietante en varias ocasiones, en las cuales se realza el miedo de escenas más dramáticas de la película. Se oyen sonidos fuera de campo mientras Rosemary se encuentra situada en la habitación durmiendo con su esposo. Sonidos que provienen bien de un sueño o de alguien que está en el piso de arriba haciendo algún tipo de rito grupal.

Visualmente, los planos son sobre todo medios y cortos. A través de los primeros planos nos hacen partícipes de la situación emocional de la protagonista, nos introduce en aquellas situaciones más personales e íntimas. Se utiliza el picado y el contrapicado para presentar la superioridad y la inferioridad del personaje en cuestión. Hay momentos oníricos, como sucede cuando presenta a Rosemary tumbada en un colchón flotando en el mar y cuando sueña que es violada por el diablo. Sueños bastante grotescos relacionados con el diablo y la brujería.

En definitiva, una historia compleja que presenta escenas bastante confusas y desconcertantes tanto para la protagonista como para el espectador. Escenas en las cuales se van descubriendo hechos que permanecen ocultos a los ojos de Rosemary. Sin obviar que resulta bastante desagradable presenciar a un bebé recién nacido ubicado en una cuna negra, un color más asociado a la muerte y el dolor.

Martin Scorsese

Mar9

Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense. Ha sido nominado numerosas veces a los premios Óscar, pero solo lo ha ganado por la película “Inflitrados”, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. También es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a preservar el material fílmico en deterioro.

Scorsese cursó sus estudios a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de Cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Harvey Keitel estudió con él en la misma universidad y participó como actor en algunas de sus películas.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia en la sociedad americana. Sus personajes suelen ser inmigrantes y minorías sociales. Este director es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. A su vez, Scorsese recibe influencias de otros directores como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini y Michael Powell. Presenta un estilo particular que definimos a través del comentario de algunas de sus producciones audiovisuales que presentamos a continuación:

-“Jo, qué noche” es un filme que cuenta la aburrida vida de un joven llamado Paul. La película comienza con un travelling en torno a la mesa de su escritorio de trabajo. Se alternan muchos movimientos de cámara, distintas angulaciones en forma de picados, contrapicados y cenitales. Se aprecia una iluminación sutil y posteriormente, claroscuros muy marcados, filtros azules y rojos.

-En “Malas Calles” Charlie, encarnado por Havery Keitel, está atrapado en el submundo de la mafia y la corrupción de Little Italy. Su principal motivación será conseguir uno de los restaurantes de su tío Giovanni, a cambio de dejar de ver a Teresa (su novia secreta) y Johnny Boy (su mejor amigo), porque a consideración de su tío son malas influencias. Charlie se cuestiona la expiación de los pecados a través de la religión e intenta ayudar a Johnny con sus deudas. Se trata de una mezcla de drama y gánster bajo un tono realista. Los recursos formales que utiliza son: cámara en mano, panorámica para la descripción de los lugares, travelling para el seguimiento de los personajes, planos secuencias, iluminación muy contrastada (Noche-Día), filtros rojos y negros para las escenas del interior del club. Resulta significativo el montaje en paralelo en algunas escenas, la superposición de imágenes, la colocación de la cámara muy apegada a los personajes (steadycam), como sucede por ejemplo cuando el protagonista está borracho en el bar de Tony y se cae al suelo. Además, la voz en off de los pensamientos de Charlie adquieren un valor narrativo. Los temas que vemos en esta película son el racismo, machismo, contrabando, vandalismo y la moral religiosa.

En “Casino” tenemos a Sam Rothstein, encarnado por el actor Robert De Niro, considerado como el mejor corredor de apuestas de la ciudad de Las Vegas y trabaja para la mafia haciéndoles ganar mucho dinero. Estos mafiosos le ofrecen la dirección de su nuevo casino, pero los problemas entre algunos integrantes terminan poniendo en peligro el negocio del casino, dejando al descubierto a la organización y a sus integrantes. Todos los acontecimientos que presenta este filme giran alrededor del dinero, la violencia, los sobornos y las historias entrelazadas.

-“La edad de la inocencia” es una adaptación cinematográfica de la novela de Edith Wharton. En esta película se observa la importancia de la decoración de los distintos lugares en los que se desarrolla la trama. Narra dos historias: por un lado Newland Archer, que está atrapado entre cómo debe comportarse y cómo quiere comportarse; y por otro lado, la joven prometida de Archer, prima de la condesa, se comporta como la han educado, y bajo una falsa inocencia trama un plan de manipulación con el fin de conseguir la vida que desea, para así quitarse con elegancia a su rival.

-En “Alicia ya no vive aquí” una de las ambiciones de la protagonista es retomar su carrera como cantante y transmite valores como el afán de superación.

-En “Al límite” se aprecian escenas que presentan filtros de tonalidades rojas, gran variedad de planos y recursos visuales. El espectador es testigo de la degradación y el vacío moral que va experimentando el personaje principal.

-“Gangs of New York” se inspiró en el libro “Gangs of New York”, de Herbert Asbury. Mientras se debatía la Guerra Civil, un peligroso grupo crecía en el bajo mundo. El padre Vallon comandaba a un grupo de pandilleros, inmigrantes que se denominaban «Los Conejos Muertos», que vivían en un ghetto, liderados por Bill el Carnicero. En una batalla para decidir quién dominaba la zona de la ciudad llamada «Los cinco puntos», Bill mata al padre Vallon. Ámsterdam, encarnado por Leonardo Di Caprio, hijo del sacerdote, tiene que pasar su infancia interno en un reformatorio hasta que cumple su mayoría de edad, cuando reintegra en la vida de las calles y las bandas de ladrones. Respecto a los recursos visuales, cabe destacar que distintas transiciones abren varias secuencias. La iluminación a través de velas en algunas escenas resulta muy interesante. Considero que la escena más dramática y emocionante sucede cuando el padre está muerto en el suelo y con las manos llenas de sangre, agarra la cara del hijo, mientras éste le grita que se levante.

-“Taxi Driver” está ambientada en Nueva York, poco después de terminar la guerra de Vietnam. Travis es un hombre mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la vida nocturna. Este señor sufre de depresión y ansiedad al sentirse rechazado por la sociedad. Mientras conduce su taxi, es testigo de muchas maldades como la prostitución y la violencia. Conoce a una joven, encarnada por Jodie Foster, e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta. Lo más interesante de los recursos visuales en este caso, lo encontramos en los filtros rojos utilizados en los exteriores nocturnos.

-“Toro salvaje” es una película en blanco y negro. La película muestra a Jacke La Motta, un corredor de toros asmático que se entrena para ser número 1 en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano Joey verá este sueño cumplido tiempo después. Pero la fama consigue empeorar las cosas. Me resulta devastador la escena en la cual la protagonista mantiene una pelea con un boxeador de color, ya no puede más y recibe un golpe tan fuerte que chorrea la sangre hasta el público que está mirando al ring. A pesar de ser en blanco y negro, se puede apreciar muy bien los contrastes de iluminación.

-“Uno de los nuestros” se trata de un drama criminal. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci. Aquí resulta interesantes los fundidos en negro y los acelerados movimientos de cámara.

-“Shutter Island” trata sobre unos agentes judiciales que son destinados a una isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una asesina peligrosa. Una asesina que está recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el Dr. John Cawley. Descubren que el centro guarda muchos secretos y la isla esconde secretos peligros.

Análisis Audiovisual

Observaciones sobre el discurso audiovisual