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Martin Scorsese

Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense. Ha sido nominado numerosas veces a los premios Óscar, pero solo lo ha ganado por la película “Inflitrados”, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. También es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a preservar el material fílmico en deterioro.

Scorsese cursó sus estudios a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Harvey Keitel, estudió con él, en la misma universidad y participó en algunas de sus películas. Vivió en el barrio de Nueva York, de Little Italy. Sus historias son de de temas relacionados con el mundo de la mafia y el contrabando. Sus personajes suelen ser inmigrantes, minorías.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,1 el machismo y la violencia en la sociedad americana. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas. Scorsese es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. Scorsese tiene influencias de otros directores como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini, Michael Powell.

Este cineasta forma parte del nuevo Hollywood, junto a Spielberg, Coppola, entre otros. Estos directores tienen una manera de hacer cine, definida con estas características: tienen una formación universitaria, han colaborado en televisiones y proyectos cinematográficos, antes de dedicarse a la dirección. Se establecen como directores y crean sus propias productoras, y no estar como esclavos para otros productores.

“Jo, qué noche”, cuenta la aburrida vida de un joven llamado Paul. En una cafetería, mientras lee un libro, una chica se le acerca, le habla del libro y le deja su número de teléfono. Queda con ella para pasar una noche, y en este barrio se encuentra a personajes peculiares. El protagonista no está acostumbrado a la vida nocturna. La chica tiene problemas de autoestima. Paul se abre a la noche. Los personajes que aparecen son curiosos: un gay, un portero, una camarera. La película comienza con un travelling de la mesa de su escritorio de trabajo. Vemos muchos movimientos de cámara, muchos picados, contrapicados, cenitales. Observamos dos atmósferas, por un lado el inicio, cuando conoce a la chica, y por otro lado, la vida nocturna, atmósfera de pesadilla. La fotografía, al principio es muy iluminada, luego vemos claroscuros muy marcados, filtros azules y rojos, en la madrugada. Utiliza todo tipo de música. El picado y el contrapicado de la escena de la entrada de la discoteca del protagonista y el portero de la discoteca, da sensación de inferioridad y la superioridad de cada uno de ellos.

“Malas Calles”, Charlie, encarnado por Havery Keitel, está atrapado en el mundo de la mafia y corrupción de Little Italy. Todas las noches se reúne en el club de su amigo Tony con su grupo, a tomar unas copas y conversar. Su principal motivación será conseguir uno de los restaurantes de su tío Giovanni, a cambio de dejar de ver a Teresa (su novia secreta) y Johnny Boy (su mejor amigo), porque según su tío son malas influencias. Charlie se cuestiona la expiación de los pecados a través de la religión, e intenta ayudar a Johnny con sus deudas. Johnny Boy es un joven derrochador, que le gusta vivir la vida y las mujeres, le debe dinero a casi todos en el barrio y no se preocupa por pagar, cuando consigue un poco de dinero, no duda en comprarse cualquier tontería, como un sombrero. Hay violencia tanto física como verbal. Está justificada en la mayoría de las escenas por la temática de la historia. Es una mezcla de drama y gánster, con tono realista, y estilo dramático. Los recursos formales que utiliza son: cámara en mano, panorámica para la descripción de los lugares, travelling para el seguimiento de los personajes, planos secuencias, iluminación muy contrastada (Noche-Día), filtros rojos y negros para las escenas del club y las calles. Vemos el cine dentro del cine (personajes viendo una película en una sala de cine), montaje en paralelo en algunas escenas, superposición de imágenes, colocación de la cámara, en ciertas escenas, muy apegada a los personajes (steadycam), como cuando el protagonista está borracho en el bar de Tony y se cae al suelo, vemos también algunas elipsis. Vemos el tema de la religión, el protagonista entra en la iglesia a rezar, aunque sabe que no esta no es la forma para él, para el perdón de los pecados, y también en otra escena vemos una procesión grabada en directo, en este barrio de Little Italy, de Nueva York. La voz en off de los pensamientos de Charlie, tienen valor narrativo, ya que va contando la historia. Los temas que vemos en esta película son el racismo, machismo, contrabando, vandalismo, la moral religiosa. La comprensión es dificultosa si no se conoce el cine de Scorsese y no sabemos la temática que suele tratar.

“Casino”, trata sobre Sam Rothstein, encarnado por el actor Robert De Niro, es el mejor corredor de apuestas de la ciudad de Las Vegas y trabaja para la mafia haciéndoles ganar mucho dinero. Estos mafiosos le ofrecen la dirección de su nuevo casino. Pero los problemas entre algunos integrantes terminan poniendo en peligro el negocio del casino, dejando al descubierto a la organización y a sus integrantes. Sobre la interpretación de los personajes, se podría comentar que Robert De Niro interpreta bien al tipo celoso que no sabe lo que quiere; Joe Pesci es un personaje violento, y Sharon Stone deslumbra como mujer frustrada. La película comienza con una voz en off, apenas el hombre se monta en el coche, estalla y se forma una nube de fuego, que se funde en luces, que parecen ser de las maquinas del casino. Vemos la historia de la caída de un mafioso, todos los acontecimientos giran alrededor del dinero, la violencia y los sobornos, una mujer comprada con joyas y maletas de dinero, escenas de machismo radical, degradación de la amistad entre mafiosos. Vemos varias historias entrelazadas y oímos distintas voces en off, que van contando la historia.

“El aviador” es una película que dramatiza la vida de Howard Hughes. El filme detalla los romances de Hughes con las algunas actrices de Hollywood. Algunas de las escenas del comienzo de la película, aparecen coloreadas de azul, también vemos escenas con filtros rojos. Scorsese mandó sustituir el color verde por el azul para simular una vieja técnica de dos tonos en filmes. El actor principal de esta película es Leonardo Dicaprio. Aparece el cine dentro del cine, vemos tomas aéreas del exterior del avión. Según mi punto de vista, es una película con un argumento simple, pero con gran variedad de recursos formales y sonoros interesantes.

“La edad de la inocencia”, es una adaptación cinematográfica de la novela de Edith Wharton. En esta película vemos la importancia de la decoración de los distintos lugares en los que se desarrolla la trama, me resultan interesantes las escenas del teatro, y el vestuario de cada uno de los personajes creo que es apropiado para la temática del historia. Cuenta dos historias: por un lado Newland Archer, que está atrapado entre cómo debe comportarse y cómo quiere comportarse y su amor imposible la condesa Ellen Olenska, que intenta ser libre; y por otro lado, la joven prometida de Archer, prima de la condesa, se comporta como la han educado, y bajo una falsa inocencia trama un plan de manipulación, para conseguir la vida que desea y quitarse con elegancia a su rival. Según mi punto de vista, la voz en off original, arrastra al espectador y lo introduce más en la historia y en la psicología de cada uno de los personajes. Me resultan muy elegantes los créditos de apertura de la película mezclados con la banda sonora, y el fundido con las flores, mientras se van abriendo.

“Alicia ya no vive aquí” el argumento que cuenta es el siguiente. El marido de Alice, interpretado por Ellen Burstyn, muere y ella se queda sin dinero, pero debe mantener y educar a su hijo. Antes del accidente de su marido, llevaba una vida monótona y aburrida de ama de casa. Después del accidente decide marcharse con la esperanza de encontrar un sitio donde poder vivir sin carencias. Cuando se instala en la nueva ciudad, consigue un trabajo como camarera, y allí conoce a un hombre generoso. Una de las ambiciones de la mujer es retomar su carrera como cantante. Creo que el argumento es simple, pero transmite valores como el afán de superación. La historia la centra en un personaje femenino, a diferencia de sus otras películas, donde el protagonismo se centra en la figura del hombre, tiene momentos románticos.

“Al límite”, el argumento de esta película es el siguiente: Nicolas Cage es Frank Pierce, un conductor de ambulancia, solitario y la dureza de sus condiciones laborales, se pasa las noches recogiendo enfermos, accidentados. Empieza a sufrir alucinaciones en las que se le aparecen aquellas personas a las que no pudo salvar. Para intentar salvarse, Frank se obsesiona con salvar aunque sea una vida. Como recurso formal interesante, vemos algunas escenas con filtros rojos, gran variedad de planos y recursos visuales. Según una crítica de Ismael Alonso6: “Esta película falla por varias cosas: el complejo de culpa, la obsesión por la autoflagelación, la búsqueda de expiación, el enfrentamiento brutal entre el idealismo y el realismo, la violencia surgida de la impotencia, del abuso de la debilidad”. Según mi punto de vista, tiene algo de razón, porque el protagonista vive obsesionado en salvar vidas y es atormentado por el recuerdo de Rose, una paciente a la que no pudo salvarle la vida, es un personaje torturado, obsesionado, un perdedor nato. A lo largo de la historia, el espectador es testigo de la degradación y el vacío moral que va experimentando.

“El cabo del miedo” es una película de suspense. El argumento de la película sería el siguiente: Max Cady acaba de pasar bastantes años en la cárcel, por haber violado y golpeado a una chica de dieciséis años. En su tiempo de condena, Cady aprende a leer, estudia toda clase de libros y se convierte en su propio abogado. Al salir, decide dedicar cada minuto de su existencia a arruinar la vida del abogado que le defendió, ya que piensa que este no hizo todo lo posible por ayudarle en el juicio. Como curiosidad de los personajes de la película, los tatuajes de De Niro fueron hechos con tinta vegetal, que desaparecieron varios meses después de terminar la película, la escena de Lewis y De Niro en el teatro de la escuela fue improvisada. La escena que me causa más impacto, es más o menos por el principio, en la primera media hora, cuando va a casa con la joven, y en el cuarto la ata con las esposas, la agrede violentamente, y se oye el sonido del bocado que le da en la cara, y le vemos en la cara la herida del bocado, y desde fuera vemos la situación por las cortinas. Nos muestra la tensión en estado puro. La banda sonora tiene algunos momentos inquietantes y terroríficos, lo que nos provoca sobresaltos emocionales. Según mi punto de vista, no tiene una iluminación muy asombrosa, pero vemos efectos visuales interesantes y la interpretación de los actores es muy buena. Me provoca nerviosismo y me resultan bien realizadas las escenas del final, cuando se están peleando en el barco, en medio del mar, y la cámara realiza los mismos movimientos rápidos que hace el barco con el viento.

“Gangs of New York”, se inspiró en el libro “Gangs of New York”, de Herbert Asbury. Mientras se debatía la Guerra Civil, un peligroso grupo crecía en el bajo mundo. El padre Vallon comandaba a un grupo de pandilleros, inmigrantes que se denominaban “Los Conejos Muertos”, que vivían en un ghetto, liderados por Bill el Carnicero. En una batalla para decidir quién dominaba la zona de la ciudad llamada “Los cinco puntos”, Bill mata al padre Vallon. Ámsterdam, el hijo, encarnado por Leonardo Di Caprio, hijo del sacerdote, al quedar huérfano tiene que pasar su infancia interno en un reformatorio, hasta que cumple su mayoría de edad, y al salir, se reintegra en la vida de las calles y las bandas de ladrones. Ámsterdam pasa a formar parte de una más de las pandillas controladas por Bill, y planea vengar la muerte de su padre. Logrará acercarse a Bill, ganando su confianza y mientras busca el momento para matarlo. En un momento de descuido, Ámsterdam intenta matarlo, pero no lo consigue. Todo termina en la tumba del padre Vallon al lado de la de Bill el Carnicero y con una secuencia en la que se muestran sucesivamente los cambios en la apariencia de la ciudad, desde la época de la película hasta la actualidad, destacando que el director decidió dejar la imagen de las Torres Gemelas como la última de la película, a pesar de que para cuando se exhibió ya habían sido derribadas. Respecto a los recursos visuales, vemos transiciones que abren la secuencia, como en el inicio. Para mi opinión, tiene un argumento muy bueno, pero para mí, las escenas sexuales las quitaría de toda la película. Los grupos de personas están muy bien coordinados. La iluminación en ocasiones es con velas, en algunas escenas y es muy interesante. Algunos planos están muy estudiados, como las imágenes de a continuación y hace que nos acerquemos a los sentimientos de los personajes. La escena más dramática y emocionante para mí, es cuando el padre está muerto en el suelo y con las manos llenas de sangre, agarra la cara del hijo, mientras éste le grita que se levante.

“Taxi Driver”, está ambientada en Nueva York, poco después de terminar la guerra de Vietnam. Travis es un hombre mentalmente inestable, comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la vida nocturna. Este señor sufre de depresión y ansiedad al sentirse rechazado por la sociedad. Se apunta como taxista nocturno para aprovechar el tiempo y ganar dinero. Sin embargo, mientras conduce su taxi, es testigo de muchas maldades como la prostitución, la violencia, los barrios bajos. Decide anotar todo en un cuaderno, para responder algún día a la violencia con violencia. Conoce a una joven, encarnada por Jodie Foster, e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta. El protagonista, es el narrador de la historia, desde su voz en off. Hace uso de los primeros planos, y la trama tiene similitudes con la obra de Jhon Ford “Centauros del desierto”. Es gracioso que en una de las escenas finales, Robert De Niro mantiene una conversación con Jodie Foster sentados en un bar. En un momento dado Jodie Foster se quita las gafas de sol que lleva puestas y las pone sobre la mesa, y al poco rato se pone otras gafas distintas. Lo más interesante de los recursos visuales, son los filtros rojos para los exteriores nocturnos. En algunos momentos me resulta interesante la iluminación exterior.

“Toro salvaje”, es una película en blanco y negro, aunque vemos algunos momentos en color. La película muestra a Jacke La Motta, que es un corredor de toros asmático, que se entrena para ser número 1 en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano, Joey, verá este sueño cumplido tiempo después. Pero la fama, consiguen empeorar las cosas. Su matrimonio se va empeorando, debido a sus celos, y por otro lado la mafia lo presiona para arreglar combates. Observamos la temática religiosa, símbolizada por la cruz católica que hay en su cuarto. Vemos la violencia del protagonista con su esposa. Me resulta devastadora el momento en el que el protagonista se pelea con un boxeador negro, ya no puede más y le da un golpe tan fuerte, que chorrea la sangre hasta el público que está mirando al ring. A pesar de ser en blanco y negro, se puede apreciar muy bien los contrastes de iluminación. En el rodaje de esta película, Robert De Niro, accidentalmente, le rompió una costilla a Pablo Neruda en una escena de pelea.

“Uno de los nuestros” es un drama criminal, el film sigue el ascenso y caída de tres delincuentes, abarcando tres décadas. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, entre otros. El argumento es el siguiente: Henry, hijo de padre irlandés y madre siciliana, es testigo de la vida de poder y respeto que llevan los gánsters que habitan en su barrio, en una zona de Brooklyn donde la mayoría son inmigrantes, y que está bajo la protección del patriarca de la familia Pauline, Paul Cicero, interpretado por Paul Sorvino. Henry, a sus trece años, dejará de asistir a clases y, fascinado por la vida mafiosa, entrará a formar parte de la organización, comenzando por ser un mero chico de los recados para ir ascendiendo de posición a medida que crece la confianza depositan en él los integrantes del hampa local, involucrándose cada vez en negocios más sucios. Tiene filtros rojos, fundidos en negro, en ocasiones percibimos  movimientos de cámara muy rápidos. En esta película oímos música italiana de Mina y de otros grupos musicales que le gusta Scorsese.

“Shutter Island” trata sobre unos agentes judiciales que son destinados a una isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una asesina peligrosa, que está recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el doctor John Cawley. Descubren que el centro guarda muchos secretos y la isla esconde secretos peligros. De esta última película, Scorsese confiesa en una revista7 que quedó fascinado con Shutter island desde la primera lectura del guión en una revista. Dice que “Más que la forma en que se cuenta la historia y la ambientación, para mí lo más importante es lo que le sucede al personaje de Teddy, que me parece muy conmovedor. En él se encuentra la conexión emotiva”. “Este es el tipo de película que me gusta mirar, el tipo de historia que me gusta leer”, explica Scorsese. “A lo largo de los años, he tratado de evitar cierta clase de películas que imitan un estilo que, en cierto sentido, encuentro educativo; sin embargo, estas son las películas que siempre vuelvo a ver, una y otra vez. Lo que a mí me parece interesante es el modo en que la historia y la realidad de lo que sucede van cambiando todo el tiempo y el hecho de que, hasta la última escena, todo gira en torno a la forma en que se percibe la verdad”.

Clint Eastwood

Es un, director de cine, actor, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor de Estados Unidos. Está considerado como una leyenda del cine. Fue influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego salió a la luz por su papel como actor en la serie “El fugitivo”, y Martin Milner, que realizó otra serie titulada “La vida de Ritley”. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, de Carmel, pero luego se vio obligado a abandonar el cargo por la incompatibilidad para realizar sus películas.

Años más tarde, rueda en Almería una trilogía de spaghetti western “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”, con los que Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad. El 1968 crea su propia productora “Malpaso Company”.

Se le considera un “autor estrella”, según los críticos de cine. Otro crítico, de la revista Cahiers du cinema, Andrew Sarris, propone el concepto de “auteur”, que tiene su surgimiento a partir de una serie de cineastas que luchan para enfrentarse con la televisión, para crear su sello personal en las películas. Hay otros críticos como Laurens Knapp que hablan de “autor estrella”, en el sentido que hay directores capaces de adaptarse a la forma de trabajo de Hollywood, pero sin someterse plenamente al sistema comercial y dando un sello personal.

Este director propone narraciones elípticas, personajes vagabundos, antihéroes, de clase trabajadora. Sus películas recuerdan a John Ford, dan tiempo a los personajes para que se expresen. Tiene un estilo muy marcado. Algunas características son un uso de la iluminación muy realista, colores apagados, prefiere rodar en exteriores, planos-secuencia, narrativas circulares, sus personajes son sencillos, individuales, mantienen una postura frente al mundo, puede parecer que incluso están peleados con el mundo. Conoce a Sergio Leone. Él mismo como actor encarna a un tipo duro, con personalidad estilizada, gesto tipificado y exagerado. Con la película “La muerte tenía un precio”, en la primera secuencia, vemos como sus gestos sugieren en vez de definir, su rostro es impenetrable, arquetípico, masculino, nadie es capaz de sacarlo de sus casillas. Lo que más me llama la atención y me resulta interesante de este director es el vestuario de sus películas de western.

A Eastwood lo podemos catalogar como autor estrella, según el crítico Sarris. Es el autor contemporáneo por antonomasia. Podríamos establecer una serie de categorías para estudiar a los cineastas, en función de su cine.

1-Autor-actor
Los directores que pertenecen a esta categoría dan un sello personal a sus películas. Es un director que interpreta y la película tiene su personalidad.

2-Autor
Podríamos encasillar en esta categoría a Stanley Kubrick. (Que dirigió películas como “La naranja mecánica”, “El hombre elefante” y “2001: una odisea en el espacio”. Son películas que te hacen pensar.  Diseñadas al milímetro, con todo planificado.  Atraen al público, aunque no siempre son un taquillazo.

3-Director independiente

El director de esta categoría es excéntrico, crea unos personajes con problemas de adaptación, de integración, personajes no comunes, subjetivos. Eastwood también trabaja con este tipo de personajes, con problemas de personalidad, sus personajes buscan su identidad.

4-Director de acción-espectáculo
Este tipo de director tiene capacidad para sorprender, con escenas casi imposibles de realizar, efectos especiales increíbles, banda sonora, acción. Aquí podemos incluir a Spielberg y James Cameron.
Clint Eastwood entraría dentro de estas cuatro categorías.

En la película “Cazador blanco, corazón negro”, el comienzo es muy interesante: un personaje cabalgando y un guionista bajando de un avión, va mezclando las dos situaciones mediante el montaje paralelo. Esta forma de presentar el montaje la emplea anteriormente en “El jinete pálido”. En esta película, Eastwood confiesa su idea de hacer cine por la boca de los personajes. Se podría decir que muestra su forma de hacer cine dentro del cine. Se apoya en la obsesión y contradicción de capturar a un elefante y rodar un safari. El guía africano va a morir para salvar al protagonista. Una de las personajes es Irene Sanders, que aparece en varias secuencias, y cuenta su guión sobre la historia de un perrito. En otra secuencia, el protagonista, aparece en un hotel, con una dama antisemita con la que va a mantener una conversación racista, a la que va a humillar, y defiende a los judíos, dado que su amigo presente en la escena, es judío. Según mi punto de vista, lo más interesante del final de esta película es cuando el elefante corre y se acerca al personaje, y el joven negro se interpone, los movimientos de la cámara que realiza son muy interesantes, en varios momentos es como si la cámara mostrara lo que ve el elefante y el estado de nerviosismo en el que se encuentra.

“Sin perdón”, se acerca al género western, el protagonista, Munny, un pistolero viejo y viudo, fue un asesino de mujeres y niños, un borracho que pegaba y maldecía a los animales. Tiene dificultades para sacar adelante a sus hijos. En el pueblo, hay un suceso: una prostituta, queda inhabilitada a causa de una que unos clientes la agreden, y sus compañeras, contratan a Munny, para que haga justicia, y mate a los chicos, por la dignidad de las mujeres. El protagonista, es un pistolero retirado, conocido como atracador, se dedica a criar cerdos, una tarea que no le gusta. La temática es la venganza natural, para luchar por la dignidad de las mujeres. El director se aleja de conceptos enrevesados. La película es elíptica, se abre y se cierra con grandes planos generales. Trabaja con iluminación natural, estética neblinosa, grandes paisajes, vemos las calles con las mantas de agua. La leyenda sale sobreimpresionada tanto al principio como al final del film, utiliza el mismo plano al principio y al final de la película. Munny entra en el bar a matar a quien se le pone por delante, mata sin compasión, sin pensárselo dos veces. Esta escena del interior del bar se desarrolla de una forma lenta. Al final, mientras leemos la leyenda sobreimpresionada, con el gran plano general, vemos que desaparece el protagonista y la ropa que hay colgada en un tendedero.

“Bandera de nuestros padres”, que junto a “Cartas desde Iwo Jima” forma un díptico. En “Bandera de nuestros padres” el lado bélico queda de lado, lo que le interesa a Eastwood es el lado mental. Basada en la novela de James Bradley y Ron Powers. Es rodada en Islandia, en época de verano. Hay un desembarco que recuerda a la película de Spielberg “Salvar al soldado Ryan”. Una escena impactante es cuando uno de los marineros cae al agua, al principio parecía algo divertido, luego pasa a ser una tragedia, donde pasaría a ser presa de los tiburones, porque lo van a dejar atrás, en el agua. Otra escena impactante es cuando los marineros llegan a la isla y se abren una serie de compuertas, por las que aparecerán los cañones, que procederán a disparar, vemos grandes planos generales, montaje paralelo, por un lado los marineros andando por la isla, y por otro lado los cañones de detrás de las compuertas. La imagen de Joe Rosenthal, dio la vuelta al mundo y se convirtió en un icono para Norteamérica: seis marines levantando una bandera, que fue un montaje del fotógrafo, porque llegó tarde y le tomó la fotografía mientras subían la bandera por segunda vez.

“Mistic River” cuenta la historia de Jimmy Markum, encarnado por Sean Penn, Dave Boyle, interpretado por Tim Robbins y Sean Devine, que crecieron juntos en un barrio de Boston, los tres pasaban los días jugando en la calle. Un día unos policías secuestraron a Dave y fue violado. Años más tarde, los tres se vuelven a encontrar por el asesinato de Katie, la hija de Jimmy. La noche del asesinato de la chica Dave llega malherido a su casa, por ello todas las pruebas le incriminan como el posible asesino. Vemos dos planos iguales: al principio del film, cuando Dave es cogido por los pederastas y el coche se va alejando, y casi al final, cuando el padre de la muchacha junto a otro amigo lo hacen montar en el coche, engañado, para ir a tomar unas copas, vemos el mismo plano del coche alejando y él mirando hacia atrás. Los temas que vemos son el abuso, el dolor de un padre y la investigación policial. Son buenos los planos los tomados desde arriba, cuando el padre llega al sitio donde está el cuerpo de su hija, y mira hacia arriba por la desesperación, estos planos, pueden dar sensación de la visión de Dios, que está arriba.

“Los puentes de Madison” empieza en el presente y la mayor parte son recuerdos del pasado. Relata la historia de Francesca una solitaria ama de casa italiana residente en Iowa, que se había casado con un soldado estadounidense y emigrado a Estados Unidos. Mientras su esposo e hijos se encuentran fuera conoce y se enamora de un fotógrafo, encarnado por Clint Eastwood, que ha llegado al condado de Madison para realizar una serie fotográfica sobre los puentes. Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida por la relación extramatrimonial que mantiene con él, historia que refleja en un diario que sus hijos leerán tiempo más tarde, donde verán que la voluntad de su madre. Esta es la película más romántica de Eastwood hasta los últimos tiempos. Hay momentos de aislamiento de los personajes. Vemos una forma muy clásica de contar las cosas. Me gustan las escenas que están iluminadas con velas. Vemos distintos tipos de planos y de angulación de la cámara en diferentes momentos, oímos la voz en off de los pensamientos de la protagonista mientras va en el coche, su interpretación es muy emotiva.

“Escalofrío en la noche”, trata temas como la violencia, tanto física como psicológica. Es un thriller psicológico, mezcla de drama, intriga con tono realista. La trama del film gira en torno a la obsesión que sufre una mujer, Evelyn, por un locutor de radio llamado Dave Garver, a quien llama todas las noches para que ponga la canción “Nebulosa” en su programa. Tras un encuentro de ambos, la mujer empieza a acosar a Dave. Podemos ver planos generales, planos detalle y primeros planos, movimientos de cámara, como travellings y panorámicas. Utiliza la técnica del claroscuro, contrastes fuertes, desincronización del diálogo. Vemos acoso, amenazas, obsesión violenta, protagonismo de la música jazz, evolución de los protagonistas. Se pueden percibir escenas de paralelismo con “Atracción fatal”, en ambas películas la mujer intenta cortarse las venas y muere. El personaje se va a ir construyendo a sí mismo, recibiendo influencia que lo va a afectar y modificar su personalidad, que es la que lo va a hacer evolucionar. Lo mejor del film resulta cuando aparece siempre el personaje de Evelyn, tanto en las escenas en las que hay cierta acción cercana al terror remarcando cada uno de los cuchillazos y la presencia de la sangre, tanto en el rostro cómo en los vestidos y los muebles que rodean a los protagonistas. Vemos una habilidad con la cámara fascinante, con relevantes planos, que en la penumbra de la noche nos daría algo de miedo.  La trama magnífica, con puntos románticos.

“Deuda de sangre”, un thriller, mezcla el suspense y el crimen. Tiene travellings y panorámicas descriptivas, iluminación natural, casi siempre en exteriores, música jazz y country, diálogos coloquiales, basada en una novela de Conelly. Muestra los temas e la venganza, la constancia, el agradecimiento, no usa falseamiento de la realidad. El dinamismo y la variedad de recursos visuales dan ritmo a la película. El protagonista tiene un comportamiento intimista, minimalista, solitario. El argumento es el siguiente: Terry McCaleb (Eastwood) es un agente retirado del FBI, al que se le ha dado una nueva oportunidad en la vida, mediante un trasplante de corazón de una víctima de asesinato. Terry recibe la visita de la hermana de la víctima, recordándole que está vivo gracias al trasplante que recibió y le pide que investigue el asesinato de su hermana. Más tarde descubrirá que los asesinatos que están ocurriendo tienen cierta conexión, relacionados con unos signos. El asesino resulta ser un conocido suyo. En una de las secuencias del final, que vemos en la foto, los planos son un poco picados y contrapicados, para mostrar la inferioridad de uno frente a la superioridad del otro.

“Million dolar baby”, es un drama. El argumento trata sobre una muchacha de unos 30 años, que es camarera de un bar, pero su sueño es ser boxeadora. Durante una de las peleas, recibirá un mal golpe y quedará tetrapléjica, y pedirá la eutanasia, para morir sin dolor. La madre de Maggie, la maltrata psicológicamente, y no considera que el trabajo de boxeo sea un trabajo digno. Vemos tonos grises y azules. Poca utilización de efectos especiales. Tiene un montaje acelerado para las secuencias de boxeo y acción. Tiene un estilo melodramático con tono realista. La voz en off es un pilar básico, que cuenta la historia, con una banda sonora sencilla. Tiene algunos diálogos cómicos, violentos y devastadores. Cuando la Osa da el golpe ilegal a Maggie, el sonido se detiene y se ralentiza, para mostrar el estado de desorientación. La idea principal es la lucha por un sueño, junto a otros temas como el amor, eutanasia, aprender de los errores, que todo el esfuerzo tiene su recompensa. El personaje que encarna Eastwood, ve en Maggie a la hija que nunca tuvo. Maggie representa el afán de superación, aun después de haber sufrido el maltrato de su familia, siente la obligación de ayudar a su madre y le regala una casa. Las escenas con más peso, las muestra con planos cortos, se usa el teleobjetivo para situar a los personajes. No tiene un final feliz, como la típica película hollywoodiense. Creo que el argumento es simple, pero transmite unos valores humanos que llegan dentro y tiene una gran variedad de recursos visuales.

“Cartas desde Iwo Jima”, de género bélico, con estilo dramático y tono realista. Nos muestra varios personajes, como Saigo, que interviene en la guerra por obligación, el general Kuribayashi, actúa por defender a su patria, su objetivo era alargar la resistencia nipona, el teniente Ito también actúa para defender a su patria, pero abusa de su poder y ejerce violencia sobre algunos de los personajes. Algunas localizaciones son: Iwo Jima, Islandia, California. Como recursos vemos flash-back, con música de fondo, algunos efectos especiales pero sin abusar, vemos colores apagados, con poca saturación, con tonos ocres y contraste muy alto, llegando al blanco y negro, sombras muy profundas, ritmo lento, narrativa circular (acaba igual que empieza), efectos sonoros ambientales y propios de la guerra. El tema principal es la guerra, otros subtemas son el patriotismo, la amistad, suicidio como derrota, aceptación de la muerte, exaltación de los sentimientos. Se resalta lo “humano” de una guerra, da voz al enemigo, predominio de emociones y sentimientos. Nos muestra una parte de la historia de la humanidad como fue la Batalla de Iwo Jima, ocurrida en el océano Pacífico durante la II Guerra Mundial.

“Un mundo perfecto”, que trata sobre un hombre, Butch Haynes, que se fuga de la cárcel con Terry, su compañero de celda, en la noche de Halloween, Terry decide entrar en una casa, que resulta estar habitada por una familia de testigos de Jehová, y no podrán salir sin un rehén, que resulta ser Philip, uno de los hijos. Eastwood hace el papel de un agente del FBI, que está en busca de estos criminales que se han escapado. Tras una tensa situación en la que Butch deja a Philip con la pistola vigilando a Terry mientras él sale del coche a comprar, Terry le arrebata el revólver al niño, que sale corriendo del coche, y Terry lo persigue. Al final Butch quien encuentra a Terry y lo mata de un disparo, que escuchamos en off. Butch y Philip comenzarán un viaje, en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, y éste en lugar de responderle de malas formas, le responderá con calma. La película se centra principalmente en las relaciones humanas, tocando el tema de los malos tratos a menores. Creo que la temática es atrayente y me parece interesante la evolución psicológica de los personajes, podríamos identificarla como una road movie, porque los personajes realizan un viaje por carretera y vemos un cambio psicológico.

“El jinete pálido” es de género western producida, dirigida e interpretada por Eastwood. Supuso una reactualización de un género que se creía agotado. Tuvo gran éxito de público. El argumento de esta película es el siguiente: En un lugar perdido entre las montañas, un grupo de mineros trabaja para arrancarle a la tierra el oro que les permita dar de comer a sus familias y mantener la ilusión de una vida mejor. Un magnate de la minería industrial de la región, dueño de casi toda la ciudad de Lahood, desea estas tierras de oro, pues sus pozos ya se encuentran casi agotados. Ante la negativa de los vecinos a venderle sus explotaciones. Este magnate recurre a todo tipo de coacciones, amenazas, chantajes, y cuando está a punto de conseguir su objetivo, un forastero viene a cambiar la situación. Este señor sin nombre, denominado Predicador, intentará dar un giro a esta situación. Pero Lahood se reserva un as en la manga: el implacable Comisario Stockburn y su equipo de ayudantes, un grupo de cualificados asesinos a sueldo le hacen el trabajo sucio. Ante semejante amenaza, el Predicador retoma las armas que un día abandonó para dedicarse a la asistencia espiritual, y decide enfrentarse a Stockburn y sus secuaces, para ayudar a sus amigos mineros pero también para saldar una vieja deuda. Esta película se inscribe en lo que podríamos llamar “western psicológico”. Utilizando diversos elementos narrativos y combinados con detalles técnicos elegantes y sutiles, la película construye una historia sólida y compleja. Como anécdotas de esta película, el primer caballo que se le asignó a Richard Kiel, no puedo soportar su peso y tuvieron que proporcionarle otro más fuerte La estación de tren es la misma que se utilizó posteriormente en “Regreso al Futuro III”. El título del film proviene de la Biblia, del libro del Apocalipsis, y la cita del principio es leída por uno de los personajes cuando entra en el pueblo minero El predicador montado a lomos de un caballo pálido. El guión fue realizado por Michael Butler y Dennis Shryack, aunque la idea fue de Eastwood. Según mi punto de vista, la interpretación de Eastwood como misterioso, es asombrosa, sobre todo la escena en la que vemos al muchacho que pretende abusar a la chica, llega él como un héroe y oímos un tiro al aire, fuera de campo, la joven se monta en el caballo junto a él. También creo que es extraordinario el montaje paralelo de la primera secuencia de la película, cuando oímos el trote de los caballos.

Según un artículo de la revista Cahiers du Cinema (febrero 2009), las dos películas más fascinantes, meditativas y melancólicas que ha dado la historia del cine son “Gran Torino” de Eastwood y “El curioso caso de Benjamín Button”, de Fincher. Ambas películas establecen entre sí una dialéctica que ilumina algunas encrucijadas del cine americano de la actualidad. Con “Gran Torino”, Eastwood clausura su revisión del thriller y del género western, convirtiéndose en una parodia de sí mismo y de su propio icono, una especie de autorretrato que funde realidad con ficción, actor y personaje. Mientras Fincher hace que sintamos el paso del tiempo en sus películas, Eastwood prefiere acumular aún más referencias en menos planos.

Las películas de Eastwood y Fincher, no solo tienden puentes con las filmografías anteriores de sus responsables y con el pasado del cine, sino que también construyen pasadizos secretos que les permiten comunicarse entre sí. Tanto Eastwood como Fincher han filmado películas que intentan retratar a Obama con la mayor fidelidad posible.

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía va a influir en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue con tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo. Amante del humor de los Hermanos Marx y Bob Hope. Además de los hermanos Marx le atraían otras estrellas como Humphry Bogart, James Cagney, Gary Cooper, entre otros. Lo contrataron con 16 años, mientras estaba en el colegio, para escribir chistes y anécdotas, luego escribió para la radio, la televisión y humoristas de cabaret. Luego escribió para él mismo como humorista y posteriormente pasó a escribir guiones de cine y a dirigir.
Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin, y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.  Como actor realiza dos tipos de papeles, hace de intelectual o de retrasado. Casi nunca lo invitan a participar como actor en otras películas. Se considera miembro del grupo de intelectuales de izquierdas. Intenta escribir la realidad como la percibe, de la misma forma como si estuviera describiendo a una familia de judíos, como en la que se educó, con sus defectos y sus virtudes.

Su estilo puede dividirse en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos “Toma el dinero y corre”, escrita y dirigida por él, en la que actúa como un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final, pero fue un éxito de espectadores. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charlie Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, con influencias de Fellini, formada por gags independientes. “El dormilón”, “Sueños de un seductor”, que no dirige pero sale como protagonista. “La última noche de Boris Grushenko”, ambientada en la Rusia del siglo XIX, y juega con varias señas de identidad de ese país. La importancia los gags, la construcción de personajes perdedores y miedosos.
-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, con su personaje débil y perdedor, descrito como intelectual, por la que recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo.

“Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, percibimos planos de susurros y gritos, vemos la influencia de Bergman, de “Mitos y susurros” por el tema de la muerte e incomunicación humana. Tiene largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturalezas muertas, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Trata la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película es de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista neurótica, dominante.

Tiene también influencia de los grandes pensadores del existencialismo. Una de las hijas de la protagonista se dirige a la cámara, hablando al espectador, y así intentar que el espectador la comprenda. Recibe influencias filosóficas de Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). “Manhattan”, en 1979, realizada en blanco y negro y considerada un clásico en la historia del cine, fotografía realizada por Gordon Willis y con música jazz, fue rodada en localizaciones reales, a Allen no le gustó el resultado final debido a su excentricismo y perfeccionamiento, y le propuso a su productora destruirla y hacer otra película gratis, pero la productora no le hizo caso, y estrenó la película, con la que tuvo mucho éxito.  Aquí Allen se inspira en Vicente Minelli, en las películas: “El apartamento”, para el travelling final corriendo por la ciudad de Nueva York, también de “Dos semanas en otra ciudad”, durante el paseo nocturno que termina en un puente colgante. Otra de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini, “Comedia sexual de una noche de verano”, con influencia de Shakespeare y Bergman. “Zelig”, “Broadway Dany Rose”, aquí si sale la ciudad de Nueva York con basura, grafitis, muestra la cara más sucia de esta ciudad, a diferencia de en sus demás películas, donde muéstrala belleza de esta ciudad con total esplendor. “La rosa púrpura del Cairo”. El marido de la protagonista es un personaje agresivo, maltratador, villano, uno de los más contundentes creados por Allen, es desagradable, su manera de actuar es claramente la de un mafioso, hay otros personajes en el cine de Allen con estas características como es Humphry Bogart en “Sueños de un seductor”, los demás personajes de esta película no tienen ninguna autonomía, están supeditados al creador, el gran acierto a nivel técnico es el tránsito de los personajes que salen de la pantalla, se relaciona con el mundo de lo onírico y la realidad. Hay dos clásicos que influyen en esta película, que son: “El discreto encanto de la burguesía” de Luis Buñuel y “El moderno Sherlock Holmes” de Buster Keaton, “Hannah y sus hermanas”, que es una película coral, en la que todos los personajes son importantes, Allen actúa como coprotagonista, la rueda en su casa, con sus niños, la música está adecuada a cada personaje como señal de identidad, el tema principal es el deseo. “Septiembre”, “Días de radio”, donde un personaje recuerda su infancia en Brooklyn, que también tiene influencias de Fellini, “Otra mujer”, en la que cuenta con Bergman para que le aconsejara en temas de fotografía, “Delitos y faltas” donde mezcla comedia y drama.

-Etapa manierista, con películas de influencias de Hitchcock, como “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini, por la esposa de éxito, de clase burguesa, asiste a sesiones de espiritismo para resolver sus problemas. “Sombras y niebla”, , “Maridos y mujeres” en la que mueve la cámara de forma alocada, los personajes se dirigen a la cámara para hablar en ocasiones. “Misterioso asesinato en Manhattan” en la que utiliza muy bien el suspense, “Balas sobre Broadway”, donde Allen deja el papel a John Cusack, “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, que es un musical, “Desmontando a Harry”, “Celebrity” y la etapa se cierra con “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental. Su cine de esta etapa está más centrado en la forma.
-De su etapa de madurez tenemos “Granujas de medio pelo”, donde vemos  que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop”, “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, a diferencia del resto de sus películas, en las cuales se utiliza un lenguaje más formal, comedia con parte musical, tono realista, estilo irónico, los temas que muestra son la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, prostitución, machismo, adopción. Tiene escenas largas con largos planos-secuencia, panorámicas, habla del teatro dentro del cine. Lenny, encarnado por Allen, es un periodista deportivo marido de una joven galerista de arte. La esposa, después de mucho insistir, consigue adoptar a un niño. Con el paso del tiempo, Lenny se propone buscar a la madre de su hijo adoptivo y descubre que es una prostituta, a la que intenta ayudar para que tenga un futuro.
En “Scoop” muestra una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística, vemos planos-secuencia con personajes hablando fuera del encuadre, situaciones poco creíbles, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información, no hay que confiar en el amor ciego. El periodista fallecido Joe Strombel trata, desde el más allá, resolver el caso del asesino de las cartas de tarot. Le ayuda a Sondra Pransky, encarnada por Scarlett Johansson, una periodista, que ve al difunto cuando asiste a un espectáculo de magia de Sid Waterman, interpretado por Woody Allen. El principal sospechoso del caso es Peter Lyman (un aristócrata del que Sondra se enamora. Según mi punto de vista, algunos planos son muy buenos y la iluminación de ciertas escenas dan sensación de miedo. Algunas escenas pueden resultar no creíbles.

“Zelig” es una sátira, que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. No tiene personalidad propia, pero se da a conocer porque experimenta unas transformaciones en las personas que entran en contacto con él. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático. Creo que son geniales las interpretaciones, es muy buena la construcción del documental y los diálogos son memorables.
“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste este plan. Utiliza la música de suspense, manejos de silencios, recursos que dan ritmo a la obra, muestra atmósfera expresionista: niebla, oscuridad, claroscuro, callejones poco iluminados, planos-secuencia y planos circulares, música en escena de suspense, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista. Un asesino siembra el pánico en la ciudad. Tiene influencias de Fellini, Hitchcock, Bergman y del cine negro de los 40 y 50. Tenemos temas como el sexo, la muerte, el caos en la sociedad, infidelidades, dinero, decadencia de la sociedad.

“Match Point” un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utilización de música clásica, muestra un reflejo de la sociedad europea. La historia transcurre entre la campiña inglesa y rincones refinados de Londres. Los productores jamás interfirieron en la realización de la película. La película cuenta la historia de Chris Wilton un ex campeón de tenis irlandés de orígenes humildes que traba amistad con Tom Hewett,un hombre rico, al convertirse en su entrenador. Su hermana, Chloe Hewett se enamora de él. Pero Wilton siente una pasión por Nola, encarnada por Scarlett Johansson, una joven que lucha por convertirse en actriz. El cine de Allen ha sido utilizado como objeto de metáforas relacionadas con algunos temas más candentes de la vida nacional, como es el terrorismo. El consejero de Interior del Gobierno Vasco, Javier Balza, utiliza la famosa imagen de la pelota de tenis cayendo hacia un lado, mostrada al comienzo de esta película, para explicar que “el final de ETA y la paz no pueden depender de la suerte”.

“El dormilón”, construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz. Monroe, encarnado por Allen, es dueño de un establecimiento de comida. Tras acudir a una operación de es congelado por error siendo despertado 200 años después, en el futuro, por un grupo de rebeldes que precisa una persona sin identidad para llevar a cabo sus planes de derrocamiento del dictador que gobierna el mundo. Monroe se resiste e intenta escapar, haciéndose pasar por un mayordomo mecánico. Se encuentra con una mujer, Luna (Diane Keaton) y unas persecuciones provocan que sea capturado. Tras ser secuestrado de nuevo es sometido a un proceso de reeducación. Se informa sobre el secreto proyecto que se ofrece como una oportunidad para lograr sus objetivos. El argumento y la trama resultan interesantes, muy futurista para la época, y tiene unos puntos que se notan que solo pueden ser de Allen.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Esta fue la primera película en que Keaton trabajó con el cineasta. Carol Lipton, encarnada por Diane Keaton, es ama de casa de Manhattan. Sospecha que su vecino Paul House, interpretado por Jerry Adler, un hombre de edad avanzada, ha asesinado a su mujer, que ha aparecido muerta, El marido de Carol, Larry, Woody Allen, piensa que es una obsesión, y trata de quitarle la idea de la cabeza, pero Carol investiga a su vecino. Me ha parecido muy graciosa la interpretación de Allen, la iluminación me ha gustado mucho, sobre todo en las escenas nocturnas. Algunos momentos son parecidos a la forma de hacer cine de Hitchcock.
“Maridos y mujeres” está protagonizada por Woody Allen y Mia Farrow. Interpretan el papel de un matrimonio que lleva muchos años de casado y su relación comienza a deteriorarse a partir de que sus mejores amigos, encarnados por Sydney Pollack y Judy Davis, les comentan que se van a separar. Una película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos no me resultan ingeniosos, pero sí son intimistas, hacen reflexionar.

En “Granujas de medio pelo”, Ray, encarnado por Allen, es un ex-convicto con grandes sueños que está harto de su trabajo. Se le ha ocurrido la idea de robar un banco gracias a lo que él cree un ingenioso plan. Con la ayuda de su mujer y unos ladronzuelos, abrirán una tienda de galletas al lado del banco y mientras su mujer atiende a la clientela, él y sus socios excavaran, hasta construir un túnel hacia el interior del banco. Se harán ricos, pero caerán en la ruina. Según mi punto opinión, visualmente los planos son normales, no veo una iluminación muy estudiada, aunque la trama me resultan interesante y la forma de desarrollarla. Creo que es interesante la evolución psicológica de la esposa.

“Melinda y Melinda”, comienza con una discusión en una cafetería, en la que unas personas debaten las diferencias entre la comedia y la tragedia. A partir de una mínima idea dos escritores, comienzan a inventar sobre cómo desarrollarían sus historias, una cómica y una trágica. Ambas visiones se ven representadas en el personaje de Melinda, mujer que lleva a la gran pantalla algunos temas que más le gustan a este director como la lucha personal entre la moralidad, la identidad, la intimidad, los celos. Creo que la forma de desarrollar la historia me parece muy bien hecha, habla del cine dentro del cine.
“Delitos y faltas”, muestra la historia de Judah y Clifford, que son dos hombres enfrentados a dilemas morales diferentes. Judah, es un oftalmólogo, que pretende terminar su relación con su amante, Dolores, que amenaza con contarlo todo y destruir su vida si la abandona, pero su hermano Jack le ofrece la posibilidad de asesinarla. Por otro lado, Clifford es un director de documentales que se ve obligado a rodar una película sobre su cuñado. Oímos la música jazz durante toda la película, mezclándose con música clásica. Esta película tuvo ciertos problemas de producción, que afectaron al proyecto, como por ejemplo, que del montaje final desaparecieron algunos personajes que daban vida a alguna subtrama y hasta poco antes de su estreno no se supo cuál sería su nombre definitivo. La fotografía es muy buena. Algunos silencios son largos y me resultan inquietantes. Es interesante el montaje en paralelo en ciertos momentos: mientras uno de los personajes conduce un coche y pasa por un túnel, otros señores leen unos libros. Vemos claramente los temas que usualmente trata este director como la religión, el amor, la política y el sexo. Habla del mundo del espectáculo dentro del cine.

“Si la cosa funciona”, es una de sus últimas películas que tiene peor crítica. En la revista cinematográfica Filasiete1, el crítico Claudio Sánchez comenta lo siguiente: “Un Allen menor en una película con destellos de su genialidad, que arranca muy bien y se va desinflando hasta un desenlace pobre”. Comienza la crítica con la siguiente afirmación: “Estamos ante una película menor de Allen, de las de mitad de tabla…, de ésas que parece que el guión lo ha escrito en una servilleta durante los anuncios de la tele”. Sin embargo, el crítico Ricardo Aldarondo, en la revista Fotogramas2, realiza el siguiente comentario de esta película: “Si la cosa funciona” es en realidad, un canto al amor, en el sentido menos remilgado”. “…Una obra sincera, muy divertida, con su filosofía de la vida entre descreída y apasionada…”. Cuenta la historia de una joven que se escapa de casa. Conoce a un hombre mayor que la acoge y busca un trabajo. Este hombre, Boris, se pasa la vida insultando a los niños que asisten a su clase de ajedrez. Tras vivir un tiempo se casa con la joven Melody, y comienzan una vida juntos. Un año después, su madre la encuentra e intenta “ennoviarla” con un joven. La chica se enamora del joven,  se divorcia de Boris, y termina casándose con el muchacho. Creo que el resultado de la película sugiere que no existen reglas en el amor y que todos debemos aprender a ser realistas. Aunque una relación no pueda parecer común, lo importante es que funcione y haga feliz a ambos. Lo que me resulta más complejo de la película es la personalidad de Boris, creo que está muy bien planificada, en algunos momentos se parece a las actuaciones de Allen, cuando habla a la cámara para dirigirse al espectador. Hace menciones al judaísmo, al sexo, reflexiones de la vida.

En “Vicky Cristina Barcelona” oímos una voz narradora que nos relata la historia. Resulta graciosa la banda sonora, aunque no me gusta la parte de España que muestra. Muestra a los españoles como obsesionados con ciertos temas. Está rodada en Nueva York y en las comunidades españolas de Cataluña y Asturias. El argumento de la película se basa en que dos jóvenes estadounidenses, Vicky y Cristina van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky tiene planes de matrimonio y Cristina se deja llevar por los sentimientos. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio. Allen reveló en Nueva York en marzo de 2007 que sería “una película romántica, seria, con algunos momentos divertidos y sin sangre”. Creo que los personajes son lanzados y agresivos. Respecto a la iluminación, me gusta el filtro rojo de ciertas escenas, como las escenas que transcurren en el cuarto oscuro de fotografía, ya que da dinamismo al film. Lo que no me gusta de la película es la interpretación de los actores españoles. Creo que tiene un argumento interesante, pero los diálogos de los actores españoles no me resultan agradables.

Respecto a los créditos de sus películas, son fáciles de reconocer, utiliza la tipografía Windsor Light condesed. Cada vez que vemos en pantalla unas letras blancas sobre fondo negro y música de jazz sonando de fondo, sabemos que estamos ante una de sus películas. En el libro “Woody Allen on Woody Allen” confiesa: “Hice unos títulos elaborados para “Bananas” y “Todo lo que quiso saber sobre el sexo…”, y, entonces, me dije: ¡Es estúpido gastar dinero en los títulos! Es un estúpido hábito muy americano. Voy a poner los más baratos que pueda, que sean un simple anuncio”.