Archivo | marzo 2012

Amélie

Amélie es una película de nacionalidad francesa del año 2001, dirigida por Jean-Pierre Jeunet. Podría definirse como una comedia romántica, que se situó entre las más taquilleras.

Amélie es la historia de una chica que tuvo una niñez limitada por la falsa preocupación de su padre de que ella sufría del corazón. Bajo estas condiciones, está chica casi no tiene contacto con otras personas. Esto la lleva a recurrir a su propio mundo fantástico. Cuando se convierte en una joven adulta, se muda al centro de París a trabajar en una cafetería. Después de encontrar un tesoro oculto perteneciente al anterior inquilino de su apartamento, decide buscarlo y devolvérselo. Después de ver la reacción del hombre, la joven se propone dedicar su vida a ayudar a la gente que la rodea. Como por ejemplo, a su padre, quien está obsesionado con los enanos de jardín, un escritor sin éxito, una joven hipocondriaca, un hombre que acosa a sus ex-novias, el amor de su vida y un hombre cuyos huesos son tan frágiles como el cristal. Pero después de agotarse llevando a cabo estas locuras, se da cuenta de que está descuidando su propia vida y la búsqueda de su amor. La joven entonces se da cuenta que debe intentar ser más agresiva y tomar el control de su vida para conseguir el amor con el que siempre soñó.

Los personajes de esta película tienen fuertes características atribuidas a su comportamiento y su carácter. Como por ejemplo:

Amélie: estereotipo de chica alegre y feliz, que a todo le encuentra un matiz positivo y cuyo carácter está marcado por los sucesos de su infancia.

Padre de Amélie: estereotipo de persona fría, distante y minuciosa.

Madre de Amélie: estereotipo de persona estricta y ordenada a la que no le gusta que nada se salga de lugar.

Por otro lado, en varias ocasiones se pasa de un plano general o medio a un primer plano a través de un movimiento de travelling.  En casi todas las escenas se aprecia un travelling o grúa, lo que da movimiento y ritmo a la historia. En otros momentos, el travelling es a ras de suelo dejándonos ver el lugar por el que se mueven los personajes y mostrando una composición integrada por un personaje en un plano más cerrado. Otros travellings laterales son utilizados para mostrar el lugar en el que se encuentra un personaje, para darnos a conocer el entorno en el que se va a desarrollar la siguiente escena y describir los detalles del mismo. Normalmente, los puntos de vista son a la altura de los ojos, de forma neutra, aunque en alguna ocasión utiliza picados y contrapicados. En la iluminación, podemos decir que predomina una luz suave en los interiores, algunas escenas con contraluz o penumbra, para dar sensación de clandestinidad.  A veces se observan movimientos de aceleración en algunas escenas.

Según el esquema de análisis audiovisual de Casetti, observamos distintos códigos de montaje, como por ejemplo: asociación por identidad (una imagen se vuelve igual a sí misma), asociación por analogía (dos imágenes se repiten elementos similares, pero no idénticos), asociación por proximidad (las imágenes A y B presentan elementos que se dan por contiguos), asociación por transitividad (el encuadre A encuentra su prolongación y su complemento en el encuadre B), asociaciones por acercamiento (dos imágenes que no presentan ningún elemento en común, sólo su proximidad en la película, (simplemente van seguidas en la película, pero no tienen ninguna relación), como es el caso del montaje por corte). Con un primer plano podemos averiguar el tipo de personalidad que posee el personaje, a través de su expresión, de su rostro. Esta es una de las principales características de la película Amélie: los personajes son muy expresivos.

Como inciso, el color es algo muy importante para Jeunet, ya que juega un papel esencial en otras de sus películas como “Delicatessen” o “Largo domingo de noviazgo”. En el primero de los casos, predominan los tonos sepia y anaranjados, que aportan un significado a la historia. Mientras que, en “Largo domingo de noviazgo” podemos ver tonos ocres, más apagados.

Por otro lado, la música que predomina es extradiegética o no diegética, que actúa como acompañamiento de la escena de forma más común a lo largo de la película. Es raro que se de el caso que la música forme parte de la historia.

Además, conviene poner de relevancia, que gracias a este film hubo un cambio en la percepción visual del mundo, con la influencia de la luz y el color, colores cálidos como el naranja o rojo junto a colores fríos como el verde o el azul, que contrastan en algunas escenas: vestuarios, iluminación de las localizaciones, decorados o coches en localizaciones exteriores de colores rojos y azules. El color en este filme, proporciona una mayor proximidad a la realidad, provoca sentimientos y emociones. Precisamente Amélie muestra su microcosmos, parte de su vida, sus motivaciones y sentimientos a través del color.  No obstante, contraponien el color que predomina en Amélie y en su entorno, encontramos a Collignon y Raymond, quienes utilizan colores apagados y tristes, tanto en su vestuario como en la decoración de su casa.

Igualmente Jean-Pierre Jeunet da un toque personal a sus películas, los dota de cierta magia, fantasía, incluso a veces roza lo surrealista, como es el caso de su película Delicatessen. En el caso de Amélie,  predominan los colores rojizos y verdes. Además, la imaginación está presente en ambas, aunque en Delicatessen va mucho más allá rozando lo tremendista.

Esta película también está influenciada por Renoir, sobre todo por su cuadro “El Almuerzo de los remeros”, que aparece con bastante frecuencia durante el film.

Finalmente, Amélie se podría definir como una joven tímida, que en lugar de enfrentarse de forma valiente a sus deseos, vive en su mundo de fantasías. Da mucha importancia a las cosas pequeñas de la vida. Vive en soledad, lo que va marcando su personalidad. Intenta vivir su vida haciendo felices a los demás, pero de forma anónima. Esta excesiva timidez no le permite expresarse con libertad. Lo que le lleva a tener miefo a enfrentarse a las situaciones de la vida y necesita tiempo para superar ese miedo al amor.

Un Franco, 14 pesetas

Película dirigida por Carlos Iglesias. El argumento gira en torno a dos españoles que son despedidos de sus trabajos en la década de los 1960 en España, y se ven obligados a irse al extranjero a trabajar, dejando atrás a sus familias. Al llegar a Suiza, Martín y Marcos comienzan una aventura con unas mujeres del hotel. Parece que la calidad de vida es bastante mejor aquí, hay mejores sueldos, la educación es gratuita…

Todo cambia cuando la familia de ambos llegan allí y comienzan una vida diferente en este país, con su mujer e hijos. Años después, vuelven a España, y tras despedirse Martín de Hanna, con quien tuvo una relación en secreto, observa que la niña tiene rasgos germánicos pero es morena, y se da cuenta que es hija suya también, de la relación que mantuvieron en secreto.

El argumento está basado en la historia real del director Carlos Iglesias. Su personaje en la película se identifica con su padre en la realidad. Fue la primera película del director, que fue nominado a los Premios Goya al mejor director novel.   El título tiene doble sentido: por un lado hace referencia al cambio monetario de la época entre el Franco suizo y la peseta española, y por otro lado alude al dictador Francisco Franco.

La mayoría de los planos que vemos son planos cortos de los personajes, primeros planos, y al llegar a Suiza pues vemos numerosos planos generales de los paisajes. Movimientos de cámara como panorámicas que acompañan el movimiento y las acciones de los personajes, o para visualizar un paisaje de un lado a otro, plano contraplano para conversaciones entre dos personajes, planos picados y contrapicados para mostrar la superioridad e inferioridad de unos personajes con otros. Al llegar a España, la iluminación del sol juega un papel importante, en contraste con las sombras y los cielos nublados de Suiza.  En varios momentos localizados en exteriores de noche, en Suiza, pareciera que se han utilizado filtros de color en la cámara. La música, para ambientar ambos países y acompañar a situaciones dramáticas o alegres.

Al principio, en los escenarios de España vemos tonalidades oscuras, vestuarios oscuros, todo con sensación más de tristeza. Sin embargo, al llegar a Suiza, hay tonalidades más claras, aunque es un país más frío, más solitario en las calles, calles más limpias, todo más tranquilo, más sosegado.  El hijo de Martín, siente mucho el cambio entre ambos países, por un lado Suiza, un país donde hay más respeto entre maestros y alumnos, mejores amigos, mejor casa, educación pública y gratuita, más tranquilidad, todo más verde, más limpio por las calles, los bosques… y a la vuelta a España, donde hay jaleos por las calles llenas de gente, niños agresivos tirando piedras a perros, compañeros que le enseñan a hacer “chuletas”, colegios donde hay que pagar y curas que le pegan con una regla en la mano.

Para finalizar, no es una película que destaque por su lenguaje audiovisual en movimientos,  planos e iluminación, pero está muy bien ambientada en cuanto a escenarios de ambos países y el argumento es muy interesante por la calidad en la historia.

Documentales de la Guerra Civil española

A continuación vamos a comentar brevemente algunos documentales de la guerra civil española, documentales realizados desde diferentes perspectivas y desde diferentes partes del mundo.

En principio, el documental “The Spanish Earth”, que  nos muestra una España derrotada y con penurias. Vemos algunas situaciones traumáticas como cuando los bandos se encuentran en el proceso de disparo de los cañones, bombardeos. Muestra los dos bandos enfrentados en dicha guerra, la España franquista y la republicana, cada una con sus ideales para ganar.

Por el contrario, en el documental “Defenders of the Faith”, vemos un punto de vista más religioso, defensa de lo devoto y católico, muestra a una España que aunque vaya a comenzar la guerra, sigue su labor como de costumbre, defendiendo el cereal como el verdadero tesoro del gobierno franquista. Nos muestra la explotación que sufre la gente pobre que vive del campo. Nos muestra la ciudad de Aragón como el prototipo de la ciudad típicamente española, ensalzando la bandera española. Observamos un gran número de penurias ante la guerra, muestra a los rojos como los “rebeldes”,  los “malos” que echaron abajo los edificios en aquella época, así como cementerios y muertos profanados, en búsqueda de crucifijos para acabar con ellos.  Con todos estos detalles, se nota, que este documental ensalza más las ideas de la típica España franquista, en defensa de las ideas religiosas y el nacionalismo.

Ideales también reflejados en el documental “La España heroica”, que muestra al general Franco como un héroe, como un protagonista destacado e importante en el país, y aquí aparecerán los valores que van a conformar la España tal como la conocemos hoy en día, como son la  religión y la patria. Como los anteriores, es un documental subjetivo, que muestra el punto de vista de la ideología derechista y franquista de este tiempo,  mostrando a los rojos comunistas republicanos como los malos de la historia.

El documental “Barcelona trabaja para el frente” de Mateo Santos, trata sobre la Actividad del Comité Central de Abastos en el aprovisionamiento de Barcelona y del Frente de Aragón durante los primeros meses de la guerra civil española. Aquí observamos  camiones por las calles de Barcelona, imágenes de fábricas, mujeres cosiendo en talleres, locales de almacenamiento, mataderos, fábricas de alimentación, personas trabajando muy activamente, podemos ver personas explotadas. Vamos viendo planos generales donde el director va mostrando al espectador el espacio de la situación en la que se encuentran los personajes, el contexto social, y algunos planos medios y cortos donde el personaje realiza alguna acción concreta. El director pretende “meternos” en su mundo para así establecer una relación más cercana entre los personajes y el espectador.

Otro de los documentales es “Defensa de Madrid.  Segunda parte”, realizado con la colaboración de la Alianza de Antifascistas e intelectuales para la defensa de la cultura. En él, vemos momentos puros de la guerra, como son los bombardeos, ametrallaciones y helicópteros en marcha. La música aquí puede causar cierta tensión y emoción en el espectador, que se va introduciendo en la historia. Vemos las masas de personas que salen a la calle a defender sus derechos, tal como está ocurriendo actualmente, ante esta crisis económica que tenemos en el país.

En definitiva, son unos documentales de unos personajes y unos acontecimientos que marcaron la historia de España, tanto para un bando como para otro, cada uno con sus puntos a favor y sus puntos en contra, aunque alguno de ellos faltando el respeto a los Derechos Fundamentes de los Seres Humanos.

Tanto después de la guerra, como actualmente, muchas personas no dudan en ponerse en marcha para reivindicar sus derechos y manifestarse, que a veces la clase política ignora, porque cada día tienen para llevarse a la boca, y cada noche tienen una cama bajo un techo, pero miles de personas en este país, no lo tiene, gracias a los bancos que quitan las casas a familias con niños menores de edad y ancianos enfermos, por el poder que los políticos le han dado, pero faltando el respeto a los Derechos Fundamentales de las Personas.

Road movies

Una road movie es un género cinematográfico. Este tipo de género se caracteriza por mostrar una serie de personajes que siguen un camino, bien físico y bien psicológico, para llegar a un objetivo final. Algunas de las características más propias que presenta este género son las siguientes, pueden presentar una o varias, todo depende de la historia que nos esté narrando:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito.

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes.

– El viaje revela al héroe algo sobre sí mismo en el lugar  al que ha llegado. Sobre este modelo pueden organizarse distintas variantes; si bien en la tradición del final feliz el corolario del viaje es el triunfo del héroe en su lugar de destino y el retorno a casa, las variantes pueden presentar un nuevo hogar en el lugar de destino, un viaje infinito, o bien la anagnórisis del personaje, que descubre que el conocimiento adquirido le hace imposible regresar a su origen, escogiendo la muerte o el exilio definitivo.

-Una notable característica de las películas de carretera suelen ser sus  bandas sonoras, principalmente se desarrollan con música originaria, bien “música de carretera” o “música de ruta”.

Algunos ejemplos de road movies son los siguientes:

TROYA (ILIADA Y ODISEA)

Una historia perteneciente a la mitología griega.  Relata la guerra entre griegos y troyanos.  Todo comenzó cuando Paris raptó a Elena, esposa de Menelao, rey de Esparta.  Bajo las órdenes de Agamenón, los griegos pusieron sitio a la ciudad de Troya.  La obra relata, entre otras aventuras, la victoria de Aquiles sobre la reina del Amazonas y su muerte a manos de Paris.  Finalmente la ciudad fue capturada cuando los griegos usaron la estratagema de construir un gigantesco caballo hueco de madera y presentarlo a los troyanos como regalo. Los troyanos aceptaron el obsequio, hicieron una gran fiesta de celebración y cuando los guerreros abrieron las puertas, destruyeron la ciudad sin piedad. Esta guerra es uno de los ejes centrales de la épica grecolatina y fue narrada en un ciclo de poemas épicos de los que sólo dos han llegado a la actualidad, la Ilíada y la Odisea, ambas obras de Homero. La Ilíada describe un episodio de esta guerra, y la Odisea narra el viaje de vuelta a casa de uno de los líderes griegos.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito, ya que tras casi diez años de lucha entre griegos y troyanos, la incapacidad de los helenos para destruir Troya es más que evidente. Hasta que idean algo para llegar a la ciudad y destruirla.

UN MUNDO PERFECTO

Un peligroso asesino se escapa de la cárcel en compañía de otro preso. Durante la huida ambos toman como rehén a Philip, un niño, miembro de una familia en la que son testigos de Jehová. Un policía le sigue la pista, junto a una criminóloga y algunos otros ayudantes. Después de huir con Philip, Butch y Terry hacen un alto en su camino y tras una tensa situación, Philip huye del coche, y Terry le persigue. Al final es Butch encuentra a Terry y lo mata de un disparo. A partir de este momento Butch y Philip comenzarán un viaje en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, que se convierte en el padre que siempre le faltó. En parte, Butch ve en Philip un reflejo de sí mismo, pues su padre, del que sólo conserva una postal, que le envió desde Alaska, también se marchó de casa cuando él era pequeño. Es también por eso, que Butch le pide que haga una lista con las cosas que siempre ha querido hacer, por ejemplo, por culpa de su religión, como el pedir caramelos en la noche de Halloween, comer algodón de azúcar o subir en la montaña rusa, tratando de que el chico obtenga la felicidad que él no pudo alcanzar.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes: toca el tema de los malos tratos a menores, de los cuales hay varios casos en la película: por ejemplo, psicológicos: en el caso de la propia madre de Philip, que por una razón  como la religión cohíbe a su hijo de tal manera que no puede hacer las mismas cosas que cualquiera de sus compañeros.

-El hombre y el muchacho realizan un viaje infinito.

Ejemplos de otras películas que presentan este género cinematográfico son, entre otras muchas:

-El diablo sobre ruedas.

-Bonnie and Clyde

-Thelma y Louis

-Corazón salvaje

-La pasión ciega

-Luna de papel

-Camino a la perdición

-París, Texas

-El salario del miedo

-Flores rotas

-Easy reader

-El octavo día

-Las llaves de casa

-Alicia ya no vive aquí

-La diligencia

-La huida

-La strada

-Amor a quemarropa

-Malas tierras

-Una película hablada

Estudio de la banda sonora de La Caza, Carlos Saura.

1-Aspecto técnico: La banda sonora

Normalmente la banda sonora alude a la música de una película o a la comercialización de los temas principales de una película. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora aquella música vocal o instrumental, compuesta para una película, cumpliendo principalmente la función de potenciar emociones que las imágenes no pueden expresar por sí solas.

En la Grecia Clásica ya se empleaba música en las representaciones teatrales, pero el concepto de banda sonora, tal como se entiende en la actualidad, nace con el cine.

La llegada del sonido significó un gran problema en el cine, pero luego se convirtió en uno de los aportes más completos a su estética. Aunque desde los años 60 la música del cine comenzó a funcionar con finalidad comercial para vender discos,  la mayoría de las películas no dejaron de tener bandas sonoras que tuvieran la acción dramática. La banda sonora puede aclarar hechos de la imagen o contradecirlos.

Los primeros intentos de introducir la banda sonora en las películas se basaban en el funcionamiento de un proyector y un fonógrafo. En muchas salas de proyección ya existía el acompañamiento musical, frecuentemente de un piano. También se presentaban las películas o se narraban por alguien del propio local o por alguno de los actores o realizadores. Otro sistema diferente de exhibir la banda sonora de una película ha sido el music-show, que  es una sala gigantesca creada en  el año 1995 para mostrar mediante la tecnología más avanzada la música completa de cualquier película.

La banda sonora es la parte de sonido y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, el soporte que contiene el diálogo, los ruidos ambientales, los efectos de sonido, la música y el silencio. Es habitual la utilización de ruidos que no tienen nada que ver con la imagen que aparece en pantalla al objeto de provocar reacciones en el espectador.

Una banda sonora suele tener esta estructura:

-Tema de inicio, que  suele ser el tema o canción que da comienzo a la película,  también conocido como opening.

-Música de fondo, que está compuesta por el conjunto de temas que representan el grueso de la composición dentro de una banda sonora. Pueden ser instrumentales o cantados. También puede haber canciones o temas de autores diferentes al que compuso en origen la obra musical.

-Tema final, que suele ser el tema o canción que suena junto con los créditos finales de la película o serie para la que ha sido compuesta, también conocido como ending.

2-Cómo es este aspecto en la película

Al principio oímos la banda sonora de las película mientras van apareciendo los créditos, va intensificándose y aflojándose mientras van mostrando un grupo de animales que hay enjaulados.

Percibimos que la música tiene distintas funciones. En ocasiones, se utiliza para ambientar, como cuando están en el bar y oímos la música de fondo. En otras, utiliza la música para generar tensión y emociones, como cuando están en posición para cazar a conejos y va intensificándose. A veces, los sonidos anticipan algún elemento visual y predecir algo que va a suceder y así llamar nuestra atención. En ocasiones, la ausencia de sonidos o pausas condicionan situaciones a veces de angustia en el espectador. También utilizan música, que proviene de una radio situada en campo, para bailar. La música de esta radio se interrumpe bruscamente para dar paso al ruido de las armas al ser montadas.

Por otro lado, aprovechando el recurso de la voz en off, se evidencia el sentimiento de cada uno de ellos, y hace que el espectador sea partícipe de sus reflexiones. Tanto de la escena en la que los personajes piensan mientras avanzan para ir en busca de conejos, como en la escena en la que el hombre se está echando una siesta y tiene un sueño que el espectador lo está conociendo gracias a la voz en off.

Sin embargo, al finalizar la película, vemos un simple fin, que termina con un fundido en negro, rompiendo con la estructura básica de casi todas las películas, no incluye la banda sonora ni vemos pasar los créditos, como en casi todas las películas que conocemos.

3-Elegir un ejemplo de este aspecto en la película

Como ejemplo de este aspecto técnico, podríamos analizar los sonidos de la secuencia en la que los hombres proceden a realizar la caza. Van caminando entre las hierbas a la búsqueda de conejos, y los sonidos se van intensificando, revelando que algo va a suceder en breve, a la vez que oímos los ladridos del perro. Percibimos sonidos de ambiente propio del campo. Durante un momento los sonidos van aflojando un poco, y vamos oyendo las voces en off de varios personajes, en los que se van revelando los pensamientos que van teniendo. Oímos los gemidos del perro, que dan a entender que siente la presencia de un animalillo cerca, listo para ser cazado. En esta secuencia  contribuye de nuevo el sonido del personaje de Luis silbando el Himno de la Batalla de la República que se mezcla con una música original rítmica y de resonancias militares; cuando llega el momento más importante de la secuencia, la cacería de los conejos, el ritmo se marca fundamentalmente con la música, las órdenes de los cazadores, el ruido de los disparos y los chillidos de los animales. La música va intensificándose y aflojándose en diferentes momentos hasta cazar varios conejos.

La semilla del diablo, Roman Polanski

Película dirigida por Polanski en 1968, protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer, Maurice Evans y Ralph Bellamy y basada en la novela de Ira Levin.

La narrativa presenta a Rosemary, una joven ama de casa que está casada con un actor. La pareja se instala en un apartamento de la célebre Casa Bramford, un antiguo edificio de apartamentos en Manhattan. El apartamento tiene una leyenda un tanto sórdida, debido a las siniestras reputaciones de algunos antiguos inquilinos.

Rosemary es una mujer joven y alegre, totalmente dedicada a su hogar y a su marido, con quien anhela tener un bebé. Guy, por su parte, desea el estrellato en el sector audiovisual. Por circunstancias accidentadas, los Woodhouse comienzan una amistad con un matrimonio de edad avanzada, que vive en la misma planta del edificio, y se convierten en una especie de padres sustitutos del matrimonio. Al poco tiempo, Guy y Rosemary acuerdan tener descendencia y planean la fecha ideal. Una noche, Rosemary tiene alucinaciones y pesadillas, aparentemente violada por un ente no humano. Cuando despierta, Guy se disculpa por haberle hecho el amor mientras estaba inconsciente y ella descubre que está embarazada.

Poco a poco, el matrimonio  vecino se va introduciendo en sus vidas. La anciana se acerca cada mañana a llevarle un ungüento que debe tomar para mejorar su proceso de embarazo, hasta que Rosemary se va percatando que con esa bebida va teniendo complicaciones y dolores muy fuertes en su abdomen. El marido provoca la separación entre sus amigas y pierde todo contacto con ellas. Por tanto, la joven decide cambiar de ginecólogo, pero su marido no se lo permite. Descubre que hay especie de trama de médicos brujos que parecen estar unidos para apropiarse del hijo que viene en camino. Cuando el niño nace, la hacen creen que nace muerto, pero descubre algo detrás de un armario del apartamento, que conecta con otra vivienda donde están celebrando el nacimiento, dándole la bienvenida al “hijo del diablo” en una especie de rito macabro.

La música toma un papel importante a lo largo de la historia. Resulta inquietante en varias ocasiones, en las cuales se realza el miedo de escenas más dramáticas de la película. Se oyen sonidos fuera de campo mientras Rosemary se encuentra situada en la habitación durmiendo con su esposo. Sonidos que provienen bien de un sueño o de alguien que está en el piso de arriba haciendo algún tipo de rito grupal.

Visualmente, los planos son sobre todo medios y cortos. A través de los primeros planos nos hacen partícipes de la situación emocional de la protagonista, nos introduce en aquellas situaciones más personales e íntimas. Se utiliza el picado y el contrapicado para presentar la superioridad y la inferioridad del personaje en cuestión. Hay momentos oníricos, como sucede cuando presenta a Rosemary tumbada en un colchón flotando en el mar y cuando sueña que es violada por el diablo. Sueños bastante grotescos relacionados con el diablo y la brujería.

En definitiva, una historia compleja que presenta escenas bastante confusas y desconcertantes tanto para la protagonista como para el espectador. Escenas en las cuales se van descubriendo hechos que permanecen ocultos a los ojos de Rosemary. Sin obviar que resulta bastante desagradable presenciar a un bebé recién nacido ubicado en una cuna negra, un color más asociado a la muerte y el dolor.

El cine de Robert Flaherty

El objetivo de Robert Flaherty era favorecer la comprensión entre los pueblos a través del cine. Entre algunas de sus producciones se encuentran: Moana (1926), Tabú (1931) junto a F.W.Murnau e Historia de Louisiana (1948).
Era partidario de la observación participante, por lo que decidió trasladarse al Ártico canadiense, donde se documentó e investigó acerca de la vida de los esquimales. Gran observador y admirador de las tribus aisladas de la sociedad, Flaherty utilizaba el cine como medio para mostrar la realidad, lejos del espectáculo. No utilizó actores ya que, según su criterio, prefería a los propios habitantes, porque eran quienes mejor reflejaban su propia cotidianidad. Construyó sus películas bajo las premisas de belleza y verdad.
El documental del que vamos a hablar, Nanook el esquimal, tuvo que ser filmado en dos ocasiones, a causa de un accidente, pues los negativos se incendiaron. Algo que no afectó mucho a Flaherty, porque no estaba muy de acuerdo con la primera copia.
Esta producción contiene planos en los que busca la belleza y los combina aportando a cada uno de ellos una función dentro de la obra. Los primeros planos de Nanook mirando a cámara pretenden una unión entre el protagonista y el espectador, a la vez que se resalta el hecho de que el espectador está siendo observado y acompañado.
Flaherty utiliza las secuencias largas para generar en el espectador la impresión de que se está captando al individuo de forma directa sin que exista ningún tipo de manipulación.
Otra característica que llama la atención sus subtítulos: pequeñas explicaciones que son introducidas a lo largo del documental, ejerciendo una función de interacción con el espectador.
Como se dijo anteriormente, Flaherty busca la veracidad y la realidad. Sin embargo, su intervención en las localizaciones suscitan que estas personas modifiquen su comportamiento habitual para dar vida a unos personajes que le interesaba representar.
Pretende reflejar un modo de vida diferente mediante la imagen del “hombre primitivo”. No pretende criticar este modo de vida, sino plasmarlo a través de una supuesta familia incivilizada.
Flaherty trabaja sobre un documental dramático, donde hay un personaje que tiene un problema y la cámara lo sigue en su supervivencia.
En una reflexión, Flaherty expresa estas consideraciones:
“La finalidad del documental, tal como yo lo
entiendo, es representar la realidad bajo la forma
en que se vive […]. Una hábil selección, una
cuidadosa mezcla de luz y de sombra, de
situaciones dramáticas y cómicas, con una gradual
progresión de la acción de un extremo a otro, son
las características esenciales del documental,
como por otra parte pueden serlo de cualquier
forma de arte. Pero no son éstos los elementos que
distinguen al documental de las otras clases de
filmes; el punto de divergencia entre unos y otros
estriba en lo siguiente: el documental se rueda en
el mismo lugar que se quiere reproducir, con los
individuos del lugar. Así, cuando [el
documentalista] lleva a cabo la labor de
selección, la realiza sobre material documental,
persiguiendo el fin de narrar la verdad de la
forma más adecuada y no ya disimulándola tras un
velo de elegante ficción, y cuando, como
corresponde al ámbito de sus atribuciones, infunde
a la realidad un sentido dramático, dicho sentido
surge de la misma naturaleza y no únicamente del
cerebro de un novelista más o menos ingenioso”
(Robert J. Flaherty).

Finalmente, incluyo un pequeño vídeo con unas imágenes de su documental, y espero que os guste.

 

 

Martin Scorsese

Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense. Ha sido nominado numerosas veces a los premios Óscar, pero solo lo ha ganado por la película “Inflitrados”, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. También es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a preservar el material fílmico en deterioro.

Scorsese cursó sus estudios a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de Cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Harvey Keitel estudió con él en la misma universidad y participó como actor en algunas de sus películas.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia en la sociedad americana. Sus personajes suelen ser inmigrantes y minorías sociales. Este director es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. A su vez, Scorsese recibe influencias de otros directores como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini y Michael Powell. Presenta un estilo particular que definimos a través del comentario de algunas de sus producciones audiovisuales que presentamos a continuación:

-“Jo, qué noche” es un filme que cuenta la aburrida vida de un joven llamado Paul. La película comienza con un travelling en torno a la mesa de su escritorio de trabajo. Se alternan muchos movimientos de cámara, distintas angulaciones en forma de picados, contrapicados y cenitales. Se aprecia una iluminación sutil y posteriormente, claroscuros muy marcados, filtros azules y rojos.

-En “Malas Calles” Charlie, encarnado por Havery Keitel, está atrapado en el submundo de la mafia y la corrupción de Little Italy. Su principal motivación será conseguir uno de los restaurantes de su tío Giovanni, a cambio de dejar de ver a Teresa (su novia secreta) y Johnny Boy (su mejor amigo), porque a consideración de su tío son malas influencias. Charlie se cuestiona la expiación de los pecados a través de la religión e intenta ayudar a Johnny con sus deudas. Se trata de una mezcla de drama y gánster bajo un tono realista. Los recursos formales que utiliza son: cámara en mano, panorámica para la descripción de los lugares, travelling para el seguimiento de los personajes, planos secuencias, iluminación muy contrastada (Noche-Día), filtros rojos y negros para las escenas del interior del club. Resulta significativo el montaje en paralelo en algunas escenas, la superposición de imágenes, la colocación de la cámara muy apegada a los personajes (steadycam), como sucede por ejemplo cuando el protagonista está borracho en el bar de Tony y se cae al suelo. Además, la voz en off de los pensamientos de Charlie adquieren un valor narrativo. Los temas que vemos en esta película son el racismo, machismo, contrabando, vandalismo y la moral religiosa.

En “Casino” tenemos a Sam Rothstein, encarnado por el actor Robert De Niro, considerado como el mejor corredor de apuestas de la ciudad de Las Vegas y trabaja para la mafia haciéndoles ganar mucho dinero. Estos mafiosos le ofrecen la dirección de su nuevo casino, pero los problemas entre algunos integrantes terminan poniendo en peligro el negocio del casino, dejando al descubierto a la organización y a sus integrantes. Todos los acontecimientos que presenta este filme giran alrededor del dinero, la violencia, los sobornos y las historias entrelazadas.

-“La edad de la inocencia” es una adaptación cinematográfica de la novela de Edith Wharton. En esta película se observa la importancia de la decoración de los distintos lugares en los que se desarrolla la trama. Narra dos historias: por un lado Newland Archer, que está atrapado entre cómo debe comportarse y cómo quiere comportarse; y por otro lado, la joven prometida de Archer, prima de la condesa, se comporta como la han educado, y bajo una falsa inocencia trama un plan de manipulación con el fin de conseguir la vida que desea, para así quitarse con elegancia a su rival.

-En “Alicia ya no vive aquí” una de las ambiciones de la protagonista es retomar su carrera como cantante y transmite valores como el afán de superación.

-En “Al límite” se aprecian escenas que presentan filtros de tonalidades rojas, gran variedad de planos y recursos visuales. El espectador es testigo de la degradación y el vacío moral que va experimentando el personaje principal.

-“Gangs of New York” se inspiró en el libro “Gangs of New York”, de Herbert Asbury. Mientras se debatía la Guerra Civil, un peligroso grupo crecía en el bajo mundo. El padre Vallon comandaba a un grupo de pandilleros, inmigrantes que se denominaban “Los Conejos Muertos”, que vivían en un ghetto, liderados por Bill el Carnicero. En una batalla para decidir quién dominaba la zona de la ciudad llamada “Los cinco puntos”, Bill mata al padre Vallon. Ámsterdam, encarnado por Leonardo Di Caprio, hijo del sacerdote, tiene que pasar su infancia interno en un reformatorio hasta que cumple su mayoría de edad, cuando reintegra en la vida de las calles y las bandas de ladrones. Respecto a los recursos visuales, cabe destacar que distintas transiciones abren varias secuencias. La iluminación a través de velas en algunas escenas resulta muy interesante. Considero que la escena más dramática y emocionante sucede cuando el padre está muerto en el suelo y con las manos llenas de sangre, agarra la cara del hijo, mientras éste le grita que se levante.

-“Taxi Driver” está ambientada en Nueva York, poco después de terminar la guerra de Vietnam. Travis es un hombre mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la vida nocturna. Este señor sufre de depresión y ansiedad al sentirse rechazado por la sociedad. Mientras conduce su taxi, es testigo de muchas maldades como la prostitución y la violencia. Conoce a una joven, encarnada por Jodie Foster, e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta. Lo más interesante de los recursos visuales en este caso, lo encontramos en los filtros rojos utilizados en los exteriores nocturnos.

-“Toro salvaje” es una película en blanco y negro. La película muestra a Jacke La Motta,  un corredor de toros asmático que se entrena para ser número 1 en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano Joey verá este sueño cumplido tiempo después. Pero la fama consigue empeorar las cosas. Me resulta devastador la escena en la cual la protagonista mantiene una pelea con un boxeador de color, ya no puede más y recibe un golpe tan fuerte que chorrea la sangre hasta el público que está mirando al ring. A pesar de ser en blanco y negro, se puede apreciar muy bien los contrastes de iluminación.

-“Uno de los nuestros” se trata de un drama criminal. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci. Aquí resulta interesantes los fundidos en negro y los acelerados movimientos de cámara.

-“Shutter Island” trata sobre unos agentes judiciales que son destinados a una isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una asesina peligrosa. Una asesina que está recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el Dr. John Cawley. Descubren que el centro guarda muchos secretos y la isla esconde secretos peligros.

Francis Ford Coppola

Es un guionista, productor y director de cine estadounidense ganador del premio Óscar cinco veces. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas y años después se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Siendo aún estudiante, comenzó a trabajar para Roger Corman.

A principios de los 60 empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son películas eróticas de poco presupuesto. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven con talento para ser instruido en el medio cinematográfico, y tiempo después establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal. Su primera película acreditada fue “Dementia 13”, un largometraje de terror de bajo presupuesto y rodado en nueve días en Irlanda en 1963.

Vamos a proceder a comentar algunas de sus producciones audiovisuales que consideramos más interesantes:

-La película “Apocalipsis Now” se presenta la guerra de Vietnam. El guion está basado en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX. La música que se utiliza es “La Cabalgata de las valquirias”, de Wagner. Este filme tuvo bastante dificultad para estrenarse por el tema abordado. El rodaje tuvo problemas, pues Coppola envió un informe al ejército americano sobre lo que iba a presentarse en la película (masacre, consumo de drogas de los militares, relaciones sexuales…), pero el ejército se opuso totalmente a la realización de esta producción. Tuvo un presupuesto de 27 millones de dólares. Fue presentada en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje y ganó la Palma de oro. En una rueda de prensa, Coppola dijo la famosa frase: “Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam”. En esta película cuenta con la ayuda de los directores de fotografía Gordon Willis y Vittorio Storaro, y el decorador Dean Tavoularis. La productora United Artists apoyó a Coppola en este proyecto. Por destacar algunos detalles técnicos, considero que son interesantes las superposiciones de las imágenes del inicio de la película y las voces en off. Hay referencias de esta película que proceden de Stanley Kubrick, en concreto del filme “2001: Odisea del espacio”. También resulta significativa la música clásica, la presencia de Nietzsche (las ideas de Dios, muerte y el superhombre). Lo más impactante de esta película es el ritual de la muerte, el montaje en paralelo en varias escenas.

“The Cotton Club” es un filme experimental que mezcla de musical y gánster. Es protagonizada por Richard Gere y Nicolas Cage. Resulta significativa la coreografía, en la cual destaca los números de claqué de los hermanos Hines y el montaje en paralelo que se produce durante la matanza y por otro lado una actuación en un escenario de baile.

“Corazonada” es un melodrama romántico-fantástico, pero el público no supo apreciarla como una buena película, por tanto tuvo mala taquilla. Por destacar algunas cuestiones, el personaje de Hank representa los valores tradicionales, intención de relación amorosa estable y violencia verbal (califica a la novia bajo el adjetivo “perra”). Además presenta una iluminación significativa, claroscuros, filtros rojos, fundidos que cierran y abren diferentes secuencias, uso de flash-black, montaje en paralelo y planos-secuencia.

“El padrino 2” muestra un trozo de sociedad ítalo-americana. Este filme supone una continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone y los orígenes del patriarca, Don Vito. Es un drama gánster y técnicamente se aprecia iluminación contrastada y escenarios sombríos. Como temas se aprecian el amor, el poder, la superación, el destino, la violencia, el romanticismo, el honor, la traición, la soledad y la corrupción. El proceso de rodaje fue más duro de lo pensando y más largo que la primera parte, pues se llevó a cabo en 112 días.

“La conversación” presenta un guion inquietante, un thriller de suspense con un fuerte carácter psicológico, basado en el remordimiento de conciencia. Un filme de espionaje y de violación a la privacidad, de conjeturas y vigilancia secreta. Comienza como una simple investigación de infidelidad, pero va derivando en consecuencias inesperadas. Mantiene la intriga en todo momento, y va derivando en un desequilibrio psicológico del protagonista principal hasta límites de la locura. Resulta bastante inquietante la escena en la cual el personaje inerte está dentro de una bolsa de plástico y los medios de comunicación están filmando la situación. Se hacen referencias a la religión

“Drácula” es una adaptación basada en la novela de Bram Stoker. El vestuario es diseñado por Eiko Ishioka. La película contiene múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con instrumentos rudimentarios), pero difícil ejecución: sombras, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el fotógrafo Michael Ballhaus, en colaboración con el hijo de Coppola. Esta película fue una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero la adaptación que dirigió Coppola está considerada como su adaptación oficial, ya que es el filme más fiel a esta novela. Interpretación magistral de Anthony Hopkins. Son significativas también las transiciones para iniciar ciertas secuencias, en algunas de las cuales utiliza el recurso de aceleración de imágenes, las sombras son perturbadoras y muy marcadas. Algunos planos-secuencia pueden provocar intranquilidad y desasosiego.

“Tetro” empieza con la llegada de Bennie a Buenos Aires, desde Manhattan con la esperanza de reunirse con su hermano mayor. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, llamado Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. Tetro es ahora un hombre distante y desilusionado. Se trata de una película en blanco y negro con interesantes momentos de color y en escenas de flash backs. Algunos actores del reparto fueron Maribel Verdú, Carmen Maura, Vincent Gallo, Rodrigo De la Serna y Leticia Brédice.

 

Clint Eastwood

Es un director de cine, actor, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor procedente de Estados Unidos. Está considerado como una leyenda del cine. Fue influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego salió a la luz por su papel como actor en la serie “El fugitivo”, y Martin Milner, quien realizó otra serie titulada “La vida de Ritley”. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, pero luego se vio obligado a abandonar el cargo por la incompatibilidad para realizar sus películas.

Años más tarde, rueda en Almería una trilogía de spaghetti western “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de hombre duro y sin piedad. El 1968 crea su propia productora “Malpaso Company”.

Algunos críticos como Laurens Knapp lo consideran como “autor estrella”, en el sentido que hay directores capaces de adaptarse a la forma de trabajo de Hollywood, pero sin someterse plenamente al sistema comercial y proporcionando a sus produciones un sello personal.

Este director propone narraciones elípticas, personajes vagabundos, antihéroes y de clase trabajadora. Sus películas recuerdan a las producciones de John Ford, tienen un estilo muy marcado. Como algunas características de su estilo podemos citar las siguientes:

-una iluminación muy realista y colores apagados,

-rodajes en exteriores,

-utilización de planos-secuencia y narrativas circulares,

-sus personajes son sencillos y mantienen una postura frente al mundo

En la película “Cazador blanco, corazón negro”, el comienzo resulta muy interesante, pues se aprecia a un personaje cabalgando y un guionista bajando de un avión. Ambas situaciones se conjugan a través de un montaje paralelo. Esta forma de presentar el montaje la emplea anteriormente en “El jinete pálido”.

“Sin perdón” se acerca al género western. El protagonista, es un pistolero retirado, conocido como atracador y quese dedica a criar cerdos, una tarea que no le resulta bastante atractiva. En este caso, el director se aleja de conceptos enrevesados. La película es elíptica, se abre y se cierra con grandes planos generales. Trabaja con una iluminación natural, una estética neblinosa, presenta grandes paisajes. La escena del interior del bar se desarrolla de una forma extremadamente lenta.

“Bandera de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima” forman un díptico. En “Bandera de nuestros padres” el lado bélico queda de lado, pues lo que le interesa a Eastwood es la vertiente psicológica. En concreto, se puede destacar un desembarco que recuerda a la película de Spielberg titulada “Salvar al soldado Ryan”.

“Mistic River” cuenta la historia de Jimmy Markum, encarnado por Sean Penn. Los temas que aquí se presentan son el abuso, el dolor de un padre y la corrupción en la investigación policial.

“Escalofrío en la noche”, aborda temas como la violencia, tanto física como psicológica. Se trata de un thriller psicológico y conjuga además el drama y la intriga con tono realista. La trama del filme gira en torno a la obsesión afectiva que sufre una mujer, Evelyn, hacia un locutor de radio llamado Dave Garver, a quien llama todas las noches para que ponga la canción “Nebulosa” en su programa. Se pueden apreciar escenas paralelas con el filme “Atracción fatal”, pues en ambas películas la mujer intenta cortarse las venas y fallece. El personaje se va a ir construyendo a sí mismo, recibiendo una influencia que lo va a afectar y va a modificar su personalidad. Se aprecia aquí una gran habilidad con la cámara, presentando planos en escenarios de penumbra en la noche, lo que generara bastante miedo.

“Deuda de sangre” se trata de un thriller que mezcla el suspense y crimen. Aquí se aprecian una serie de travellings y panorámicas con objetivos descriptivos. La iluminación es natural y casi siempre en espacios exteriores. El dinamismo y la variedad de recursos visuales dan ritmo a la película. El protagonista tiene un comportamiento intimista, minimalista y solitario. Superioridad e inferioridad presentados a través de contrapicados y picados respectivamente.

En “Million dolar baby” encontramos un drama que aborda temas como el amor, la eutanasia y el esfuerzo. Las escenas con más peso se muestran a través de planos cortos y se usa el teleobjetivo para situar a los personajes.

“Cartas desde Iwo Jima” es un filme de género bélico, con estilo dramático y un tono realista. Su tema principal es la guerra y como otros subtemas destacamos el patriotismo, la amistad, el suicidio como derrota, la aceptación de la muerte y la exaltación de los sentimientos. Se resalta lo “humano” de una guerra, da voz al enemigo y se da predominio a las emociones.

“Un mundo perfecto”se centra principalmente en las relaciones humanas, tocando el tema de los malos tratos a menores. Aquí resulta significativa la evolución psicológica de los personajes. Además podríamos identificarla como una road movie, porque los personajes realizan un viaje por carretera y se presenta esta transformación psicológica que hace al personaje conocerse mejor a sí mismo.

“El jinete pálido” es un filme de género western. Supuso una reactualización de un género que se creía agotado. Aquí el director utiliza diversos elementos narrativos combinados con detalles técnicos elegantes y sutiles. El título de este filme proviene de la Biblia, en concreto del libro del Apocalipsis. Precisamente la cita del principio es leída por uno de los personajes cuando llega al pueblo minero. El guion fue realizado por Michael Butler y Dennis Shryack. Un interesante montaje en paralelo se presenta cuando resuena el trote de los caballos.

Según un artículo de la revista Cahiers du Cinema (febrero 2009), las dos películas más fascinantes, meditativas y melancólicas que ha dado la historia del cine son “Gran Torino” de Eastwood y “El curioso caso de Benjamín Button”, de Fincher. Ambas películas establecen entre sí una dialéctica que ilumina algunas encrucijadas del cine americano de la actualidad.

 

Steven Spielberg

Steven Spielberg es un director, guionista y productor de cine estadounidense, cursó estudios de cine en la Universidad Estatal de California, en Long Beach. En 1969, el Festival de Cine de Atlanta proyectó su corto “Amblin”, con una duración de 22 minutos, lo que le supuso un contrato con Universal.

En 1984, creó su propia productora, Amblin Entertainment, con más de doce películas que fueron auténticos éxitos como “Gremlins”, “Regreso al futuro I, II y III”, “En busca del valle encantado”, “Los Picapiedra”, “Casper”, entre otros. En octubre de 1994, Spielberg, anunció la creación de DreamWorks SKG, un nuevo estudio en el que se asociaba con Jeffrey Katzenberg y David Geffen.

Es fanático del cine desde niño. Desde los 12 años inventaba historias y en algunas escenas trabajaba con salsa de tomate para imitar la sangre.

Si tenemos en cuenta las características que marcan su cine podemos citar las fantasías, los sucesos extraños, la presencia extraterrestre, la inocencia que se deja a un lado para dar lugar a la  madurez. Spielberg recibe influencias de otros directores como Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Fran Capra y Stanly Kubrick.

Su primer gran éxito fue “Tiburón”, película basada en una novela de best seller de Peter Benchley, presente durante todo el rodaje en calidad de “asesor”. El filme comienza con tomas submarinas, planos generales de unos chicos en una playa, haciendo una barbacoa. Una chica se introduce en el agua y va a ser devorada por el tiburón. A partir de aquí, la narrativa va girar en torno al rescate de este animal submarino. Podemos apreciar terror psicológico, como utilizaba Hitchcock: que el monstruo no se viera hasta casi el final. Maneja el suspense y las elipsis temporales. La música enfatiza este terror y suspense, pues resulta inquietante.

Los productores de la película le recomendaron que rodase en un estanque, pero prefirió rodar en el mar, en una playa de Massachusetts, donde se hace pie hasta 20 km. Tuvieron muchos problemas con los tiburones, porque el agua salada influía en su mecanismo. Se construyeron 3 tiburones.

Spielberg pidió a la productora que no se mostrara el tiburón hasta haber transcurrido una hora de película, con el objetivo de mantener el miedo y el suspense entre el público, ya que el espectador no tendría una imagen o figura a la que temer, cosa que según el propio Spielberg da muchísimo más miedo.

Esta película fue un taquillazo y le valió la fama internacional. Como curiosidades de esta película, la selacofobia o miedo a los tiburones, muchos psicólogos la atribuyen especialmente a esta película.

En otro de sus filmes, “Encuentros en la tercera fase”, se observa su carga ideológica hacia lo sobrenatural, la otra dimensión. El protagonista siente la presencia de alienígenas. Un experto intenta comunicarse con estos seres mediante la música, una serie de notas musicales. Por otro lado, resulta significativa la escena en la cual el niño juega con unos trenes eléctricos que los hace chocar, aquí recuerda Spielberg a su niñez y se proporciona un autohomenaje.

El responsable de los efectos especiales es Douglas Trumbult. Entre algunos de estos efectos se puede comentar: las nubes del cielo realizadas a base de agua dulce y salada, con pintura blanca y permaneciendo en el aire.

Este perfil de niño que trata con ovnis se ve en otras de sus películas, como por ejemplo “ET el extraterrestre”, que es más infantil, tiene diálogos simples y no comunica nada, solo se trata de un extraterrestre que se ha perdido en la tierra y desea volver a su planeta. En cierta medida, apreciamos dos mundos: el infantil y el adulto. El extraterrestre fue un diseño de Carlo Rambaldi, quien se inspiró en los rostros de Albert Einstein, Carl Sandburg y Ernest Hemingway. En este caso, Spielberg decidió rodar toda la película de forma cronológica, incluidos los planos de cada secuencia, prescindiendo de story-boards e improvisando mucho, logrando naturalidad y verosimilitud. Además, consiguió terminar la película con varios días de antelación respecto al plan de producción. El director cuidó cada detalle al máximo para lograr dar privacidad, intimidad y espontaneidad a los niños. Se presentan también aquí atmósferas nublosas que resultan inquietantes.

Por otro lado, podemos citar “La lista de Schindler”, una película mucho más seria, con una temática conmovedora, que intenta reflejar unos hechos que sucedieron en la historia de la humanidad. Se retrata al ejército nazi, los soldados actúan con extrema crueldad en el escenario del holocausto judío. En este caso, Spielberg rodó con la cámara en mano. Cabe destacar que este caso se trata de un filme en blanco y negro con momentos en color. Un momento dramático a color lo encontramos en una escena en la cual aparece una niña con una chaqueta roja, chaqueta que luego aparecerá tirada. Para esta película, construye una réplica de un campo de concentración. Conviene poner de relevancia que con esta película Spielberg renunció a cualquier derecho económico y lo donó a asociaciones que se dedican a dar dignidad a las víctimas del holocausto nazi.

En el caso de “Indiana Jones, en busca del arca perdida”, encontramos primeros planos y planos medios para la presentación de diálogos, claroscuros, travellings, panorámicas y planos largos para describir lugares. El montaje tiene cortes rápidos para dar sensación de dinamismo. Esta película fue rechazada por diversas distribuidoras, ya que sus ejecutivos consideraban que el argumento era demasiado extravagante y era muy costosa para producirla. No obstante, Paramount Pictures decidiría financiar el filme. Debido a las altas temperaturas y al riesgo de contracción de enfermedades, el rodaje en el lugar resultó una experiencia severa. Varios actores y personal técnico se enfermaron, aunque Spielberg fue uno de los pocos que se mantuvieron sanos.

“El color púrpura” se trata de una película basada en una novela de Alice Walker. Es una película más intimista y presenta una perspectiva más madura. Cuenta la vida de una mujer de color que sufrió abusos durante su infancia por parte de su padrastro, con el que tiene 2 niños, fruto de estas violaciones. Esta señora, encarnada por la actriz Whoopi Goldberg, mantiene una actitud pasiva, resignada y sumisa, como consecuencia de su infancia y adolescencia. Así pues, aborda la problemática de la religión, el racismo, la violencia de género, la muerte y la esclavitud. El género masculino de esta  película se asocia al sufrimiento y al dolor de la mujer. Se muestran entornos naturales que contrastan con la violencia que llevan a cabo diferentes personajes.

En “Salvar al soldado Ryan” encontramos una película bélica que retrata a las minorías. Fue Kaminski quien realiza la fotografía y ganó el Óscar a la mejor fotografía. En los primeros planos y planos detalle se aprecia el sentimiento y el miedo de cada uno de los personajes. Se aprecia un cambio en la intensidad de la luz y resultan significativas las siluetas casi negras. Resultan perturbantes los sonidos y ruidos procedentes de tanques, gritos, disparos, lluvia. Además, el montaje tiene una estructura clásica, con transiciones entre batalla y batalla. Otros temas que se aprecian son la religión, el dolor, el miedo, la lealtad, el patriotismo, la humanidad. Y todo ello da como resultado una critica hacia la guerra, denunciando la crueldad de este escenario bélico.

Podemos comparar a Spielberg con Shyamalan. Uno de los motivos visuales más usuales en las obras de ambos es el plano que muestra a sus protagonistas mirando al cielo, lo que provoca un inmediato efecto metafórico en la imagen de sus espectadores, que observan la pantalla con la misma expectación que los héroes del filme. Ambos quieren devolver el cine a sus procedimientos narrativos clásicos de la industria de Hollywood. Por su parte, Shyamalan se inclinó por las películas con contenido sobrenatural, como Spielberg y no por las comedias románticas como otros directores americanos. A la película “Señales”, de Shyamalan algunos críticos le encuentran parentesco con “Encuentros en la tercera fase” de Spielberg, pero es precisamente en la creación del misterio, la revisión de los mitos y la presentación de los extraterrestres donde Spielberg logra un éxito rotundo y sin embargo Shyamalan fracasa.

 

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía influye en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección, comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo.

Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.

Su estilo se divide en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos filmes como “Toma el dinero y corre”, en la que hace el papel de un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charles Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, en la que recibe influencias de Fellini y muestra gags independientes.

-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, que presenta un personaje débil y perdedor, descrito como intelectual. Por este filme recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo. “Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, sino que oimos planos de susurros y gritos. Se aprecia la influencia de Bergman, en concreto de “Mitos y susurros”, por el tema de la muerte y la incomunicación humana. Presenta largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturaleza muerta, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Aborda la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película proviene de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista con rasgos de neurosis y dominancia. Recibe también influencia de grandes filósofos como Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). Otras de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini. Director que le influye también en “Comedia sexual de una noche de verano”, “Septiembre” y “Días de radio”.

-En la etapa manierista recibe influencias de Hitchcock, como en “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini. Otros filmes de esta etapa son: “Sombras y niebla”,  “Maridos y mujeres”, “Misterioso asesinato en Manhattan”, “Balas sobre Broadway”,  “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, “Desmontando a Harry” y “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental.

-De su etapa de madurez tenemos producciones como “Granujas de medio pelo”, en la cual vemos que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop” y “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, utiliza un estilo irónico, presenta temas como la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, el machismo y la adopción. Tiene escenas largas en la que presenta largos planos-secuencia, panorámicas.
En “Scoop” tenemos una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística. Presenta planos-secuencia en los cuales integra a personajes que hablan fuera del encuadre, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información.

“Zelig” es una sátira que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. Realmente no tiene personalidad propia. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático.

“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa exclusivamente cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste el plan. Observamos que se utiliza la música de suspense, se manejan silencios, recursos que dan ritmo a la obra. Muestra una atmósfera expresionista, rodeada de oscuridad, claroscuros, callejones escasamente iluminados, planos-secuencia y planos circulares, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista.

“Match Point” se puede describir como un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utiliza música clásica.

“El dormilón” está construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Se trata de película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos son intimistas y hacen reflexionar.

Respecto a los créditos de sus películas, cabe destacar que utiliza la tipografía Windsor Light condesed.