Archivo | marzo 2012

Amélie

Amélie es una película de nacionalidad francesa del año 2001, dirigida por Jean-Pierre Jeunet. Podría definirse como una comedia romántica, que se situó entre las más taquilleras.

Amélie es la historia de una chica que tuvo una niñez limitada por la falsa preocupación de su padre de que ella sufría del corazón. Bajo estas condiciones, está chica casi no tiene contacto con otras personas. Esto la lleva a recurrir a su propio mundo fantástico. Cuando se convierte en una joven adulta, se muda al centro de París a trabajar en una cafetería. Después de encontrar un tesoro oculto perteneciente al anterior inquilino de su apartamento, decide buscarlo y devolvérselo. Después de ver la reacción del hombre, la joven se propone dedicar su vida a ayudar a la gente que la rodea. Como por ejemplo, a su padre, quien está obsesionado con los enanos de jardín, un escritor sin éxito, una joven hipocondriaca, un hombre que acosa a sus ex-novias, el amor de su vida y un hombre cuyos huesos son tan frágiles como el cristal. Pero después de agotarse llevando a cabo estas locuras, se da cuenta de que está descuidando su propia vida y la búsqueda de su amor. La joven entonces se da cuenta que debe intentar ser más agresiva y tomar el control de su vida para conseguir el amor con el que siempre soñó.

Los personajes de esta película tienen fuertes características atribuidas a su comportamiento y su carácter. Como por ejemplo:

Amélie: estereotipo de chica alegre y feliz, que a todo le encuentra un matiz positivo y cuyo carácter está marcado por los sucesos de su infancia.

Padre de Amélie: estereotipo de persona fría, distante y minuciosa.

Madre de Amélie: estereotipo de persona estricta y ordenada a la que no le gusta que nada se salga de lugar.

Por otro lado, en varias ocasiones se pasa de un plano general o medio a un primer plano a través de un movimiento de travelling.  En casi todas las escenas se aprecia un travelling o grúa, lo que da movimiento y ritmo a la historia. En otros momentos, el travelling es a ras de suelo dejándonos ver el lugar por el que se mueven los personajes y mostrando una composición integrada por un personaje en un plano más cerrado. Otros travellings laterales son utilizados para mostrar el lugar en el que se encuentra un personaje, para darnos a conocer el entorno en el que se va a desarrollar la siguiente escena y describir los detalles del mismo. Normalmente, los puntos de vista son a la altura de los ojos, de forma neutra, aunque en alguna ocasión utiliza picados y contrapicados. En la iluminación, podemos decir que predomina una luz suave en los interiores, algunas escenas con contraluz o penumbra, para dar sensación de clandestinidad.  A veces se observan movimientos de aceleración en algunas escenas.

Según el esquema de análisis audiovisual de Casetti, observamos distintos códigos de montaje, como por ejemplo: asociación por identidad (una imagen se vuelve igual a sí misma), asociación por analogía (dos imágenes se repiten elementos similares, pero no idénticos), asociación por proximidad (las imágenes A y B presentan elementos que se dan por contiguos), asociación por transitividad (el encuadre A encuentra su prolongación y su complemento en el encuadre B), asociaciones por acercamiento (dos imágenes que no presentan ningún elemento en común, sólo su proximidad en la película, (simplemente van seguidas en la película, pero no tienen ninguna relación), como es el caso del montaje por corte). Con un primer plano podemos averiguar el tipo de personalidad que posee el personaje, a través de su expresión, de su rostro. Esta es una de las principales características de la película Amélie: los personajes son muy expresivos.

Como inciso, el color es algo muy importante para Jeunet, ya que juega un papel esencial en otras de sus películas como “Delicatessen” o “Largo domingo de noviazgo”. En el primero de los casos, predominan los tonos sepia y anaranjados, que aportan un significado a la historia. Mientras que, en “Largo domingo de noviazgo” podemos ver tonos ocres, más apagados.

Por otro lado, la música que predomina es extradiegética o no diegética, que actúa como acompañamiento de la escena de forma más común a lo largo de la película. Es raro que se de el caso que la música forme parte de la historia.

Además, conviene poner de relevancia, que gracias a este film hubo un cambio en la percepción visual del mundo, con la influencia de la luz y el color, colores cálidos como el naranja o rojo junto a colores fríos como el verde o el azul, que contrastan en algunas escenas: vestuarios, iluminación de las localizaciones, decorados o coches en localizaciones exteriores de colores rojos y azules. El color en este filme, proporciona una mayor proximidad a la realidad, provoca sentimientos y emociones. Precisamente Amélie muestra su microcosmos, parte de su vida, sus motivaciones y sentimientos a través del color.  No obstante, contraponien el color que predomina en Amélie y en su entorno, encontramos a Collignon y Raymond, quienes utilizan colores apagados y tristes, tanto en su vestuario como en la decoración de su casa.

Igualmente Jean-Pierre Jeunet da un toque personal a sus películas, los dota de cierta magia, fantasía, incluso a veces roza lo surrealista, como es el caso de su película Delicatessen. En el caso de Amélie,  predominan los colores rojizos y verdes. Además, la imaginación está presente en ambas, aunque en Delicatessen va mucho más allá rozando lo tremendista.

Esta película también está influenciada por Renoir, sobre todo por su cuadro “El Almuerzo de los remeros”, que aparece con bastante frecuencia durante el film.

Finalmente, Amélie se podría definir como una joven tímida, que en lugar de enfrentarse de forma valiente a sus deseos, vive en su mundo de fantasías. Da mucha importancia a las cosas pequeñas de la vida. Vive en soledad, lo que va marcando su personalidad. Intenta vivir su vida haciendo felices a los demás, pero de forma anónima. Esta excesiva timidez no le permite expresarse con libertad. Lo que le lleva a tener miefo a enfrentarse a las situaciones de la vida y necesita tiempo para superar ese miedo al amor.

Un Franco, 14 pesetas

Película dirigida por Carlos Iglesias. El argumento gira en torno a dos españoles que son despedidos de sus trabajos en la década de los 1960 en España, y se ven obligados a irse al extranjero a trabajar, dejando atrás a sus familias. Al llegar a Suiza, Martín y Marcos comienzan una aventura con unas mujeres del hotel. Parece que la calidad de vida es bastante mejor aquí, hay mejores sueldos, la educación es gratuita…

Todo cambia cuando la familia de ambos llegan allí y comienzan una vida diferente en este país, con su mujer e hijos. Años después, vuelven a España, y tras despedirse Martín de Hanna, con quien tuvo una relación en secreto, observa que la niña tiene rasgos germánicos pero es morena, y se da cuenta que es hija suya también, de la relación que mantuvieron en secreto.

El argumento está basado en la historia real del director Carlos Iglesias. Su personaje en la película se identifica con su padre en la realidad. Fue la primera película del director, que fue nominado a los Premios Goya al mejor director novel.   El título tiene doble sentido: por un lado hace referencia al cambio monetario de la época entre el Franco suizo y la peseta española, y por otro lado alude al dictador Francisco Franco.

La mayoría de los planos que vemos son planos cortos de los personajes, primeros planos, y al llegar a Suiza pues vemos numerosos planos generales de los paisajes. Movimientos de cámara como panorámicas que acompañan el movimiento y las acciones de los personajes, o para visualizar un paisaje de un lado a otro, plano contraplano para conversaciones entre dos personajes, planos picados y contrapicados para mostrar la superioridad e inferioridad de unos personajes con otros. Al llegar a España, la iluminación del sol juega un papel importante, en contraste con las sombras y los cielos nublados de Suiza.  En varios momentos localizados en exteriores de noche, en Suiza, pareciera que se han utilizado filtros de color en la cámara. La música, para ambientar ambos países y acompañar a situaciones dramáticas o alegres.

Al principio, en los escenarios de España vemos tonalidades oscuras, vestuarios oscuros, todo con sensación más de tristeza. Sin embargo, al llegar a Suiza, hay tonalidades más claras, aunque es un país más frío, más solitario en las calles, calles más limpias, todo más tranquilo, más sosegado.  El hijo de Martín, siente mucho el cambio entre ambos países, por un lado Suiza, un país donde hay más respeto entre maestros y alumnos, mejores amigos, mejor casa, educación pública y gratuita, más tranquilidad, todo más verde, más limpio por las calles, los bosques… y a la vuelta a España, donde hay jaleos por las calles llenas de gente, niños agresivos tirando piedras a perros, compañeros que le enseñan a hacer “chuletas”, colegios donde hay que pagar y curas que le pegan con una regla en la mano.

Para finalizar, no es una película que destaque por su lenguaje audiovisual en movimientos,  planos e iluminación, pero está muy bien ambientada en cuanto a escenarios de ambos países y el argumento es muy interesante por la calidad en la historia.

Documentales de la Guerra Civil española

A continuación vamos a comentar brevemente algunos documentales de la guerra civil española, documentales realizados desde diferentes perspectivas y desde diferentes partes del mundo.

En principio, el documental “The Spanish Earth”, que  nos muestra una España derrotada y con penurias. Vemos algunas situaciones traumáticas como cuando los bandos se encuentran en el proceso de disparo de los cañones, bombardeos. Muestra los dos bandos enfrentados en dicha guerra, la España franquista y la republicana, cada una con sus ideales para ganar.

Por el contrario, en el documental “Defenders of the Faith”, vemos un punto de vista más religioso, defensa de lo devoto y católico, muestra a una España que aunque vaya a comenzar la guerra, sigue su labor como de costumbre, defendiendo el cereal como el verdadero tesoro del gobierno franquista. Nos muestra la explotación que sufre la gente pobre que vive del campo. Nos muestra la ciudad de Aragón como el prototipo de la ciudad típicamente española, ensalzando la bandera española. Observamos un gran número de penurias ante la guerra, muestra a los rojos como los “rebeldes”,  los “malos” que echaron abajo los edificios en aquella época, así como cementerios y muertos profanados, en búsqueda de crucifijos para acabar con ellos.  Con todos estos detalles, se nota, que este documental ensalza más las ideas de la típica España franquista, en defensa de las ideas religiosas y el nacionalismo.

Ideales también reflejados en el documental “La España heroica”, que muestra al general Franco como un héroe, como un protagonista destacado e importante en el país, y aquí aparecerán los valores que van a conformar la España tal como la conocemos hoy en día, como son la  religión y la patria. Como los anteriores, es un documental subjetivo, que muestra el punto de vista de la ideología derechista y franquista de este tiempo,  mostrando a los rojos comunistas republicanos como los malos de la historia.

El documental “Barcelona trabaja para el frente” de Mateo Santos, trata sobre la Actividad del Comité Central de Abastos en el aprovisionamiento de Barcelona y del Frente de Aragón durante los primeros meses de la guerra civil española. Aquí observamos  camiones por las calles de Barcelona, imágenes de fábricas, mujeres cosiendo en talleres, locales de almacenamiento, mataderos, fábricas de alimentación, personas trabajando muy activamente, podemos ver personas explotadas. Vamos viendo planos generales donde el director va mostrando al espectador el espacio de la situación en la que se encuentran los personajes, el contexto social, y algunos planos medios y cortos donde el personaje realiza alguna acción concreta. El director pretende “meternos” en su mundo para así establecer una relación más cercana entre los personajes y el espectador.

Otro de los documentales es “Defensa de Madrid.  Segunda parte”, realizado con la colaboración de la Alianza de Antifascistas e intelectuales para la defensa de la cultura. En él, vemos momentos puros de la guerra, como son los bombardeos, ametrallaciones y helicópteros en marcha. La música aquí puede causar cierta tensión y emoción en el espectador, que se va introduciendo en la historia. Vemos las masas de personas que salen a la calle a defender sus derechos, tal como está ocurriendo actualmente, ante esta crisis económica que tenemos en el país.

En definitiva, son unos documentales de unos personajes y unos acontecimientos que marcaron la historia de España, tanto para un bando como para otro, cada uno con sus puntos a favor y sus puntos en contra, aunque alguno de ellos faltando el respeto a los Derechos Fundamentes de los Seres Humanos.

Tanto después de la guerra, como actualmente, muchas personas no dudan en ponerse en marcha para reivindicar sus derechos y manifestarse, que a veces la clase política ignora, porque cada día tienen para llevarse a la boca, y cada noche tienen una cama bajo un techo, pero miles de personas en este país, no lo tiene, gracias a los bancos que quitan las casas a familias con niños menores de edad y ancianos enfermos, por el poder que los políticos le han dado, pero faltando el respeto a los Derechos Fundamentales de las Personas.

Road movies

Una road movie es un género cinematográfico. Este tipo de género se caracteriza por mostrar una serie de personajes que siguen un camino, bien físico y bien psicológico, para llegar a un objetivo final. Algunas de las características más propias que presenta este género son las siguientes, pueden presentar una o varias, todo depende de la historia que nos esté narrando:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito.

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes.

– El viaje revela al héroe algo sobre sí mismo en el lugar  al que ha llegado. Sobre este modelo pueden organizarse distintas variantes; si bien en la tradición del final feliz el corolario del viaje es el triunfo del héroe en su lugar de destino y el retorno a casa, las variantes pueden presentar un nuevo hogar en el lugar de destino, un viaje infinito, o bien la anagnórisis del personaje, que descubre que el conocimiento adquirido le hace imposible regresar a su origen, escogiendo la muerte o el exilio definitivo.

-Una notable característica de las películas de carretera suelen ser sus  bandas sonoras, principalmente se desarrollan con música originaria, bien “música de carretera” o “música de ruta”.

Algunos ejemplos de road movies son los siguientes:

TROYA (ILIADA Y ODISEA)

Una historia perteneciente a la mitología griega.  Relata la guerra entre griegos y troyanos.  Todo comenzó cuando Paris raptó a Elena, esposa de Menelao, rey de Esparta.  Bajo las órdenes de Agamenón, los griegos pusieron sitio a la ciudad de Troya.  La obra relata, entre otras aventuras, la victoria de Aquiles sobre la reina del Amazonas y su muerte a manos de Paris.  Finalmente la ciudad fue capturada cuando los griegos usaron la estratagema de construir un gigantesco caballo hueco de madera y presentarlo a los troyanos como regalo. Los troyanos aceptaron el obsequio, hicieron una gran fiesta de celebración y cuando los guerreros abrieron las puertas, destruyeron la ciudad sin piedad. Esta guerra es uno de los ejes centrales de la épica grecolatina y fue narrada en un ciclo de poemas épicos de los que sólo dos han llegado a la actualidad, la Ilíada y la Odisea, ambas obras de Homero. La Ilíada describe un episodio de esta guerra, y la Odisea narra el viaje de vuelta a casa de uno de los líderes griegos.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Tiene una estructura episódica, en la que cada segmento de la narrativa enfrenta a los protagonistas a un desafío.

-Presenta un modelo de viaje infinito, ya que tras casi diez años de lucha entre griegos y troyanos, la incapacidad de los helenos para destruir Troya es más que evidente. Hasta que idean algo para llegar a la ciudad y destruirla.

UN MUNDO PERFECTO

Un peligroso asesino se escapa de la cárcel en compañía de otro preso. Durante la huida ambos toman como rehén a Philip, un niño, miembro de una familia en la que son testigos de Jehová. Un policía le sigue la pista, junto a una criminóloga y algunos otros ayudantes. Después de huir con Philip, Butch y Terry hacen un alto en su camino y tras una tensa situación, Philip huye del coche, y Terry le persigue. Al final es Butch encuentra a Terry y lo mata de un disparo. A partir de este momento Butch y Philip comenzarán un viaje en el que el niño aprenderá muchas cosas sobre la vida preguntando a Butch, que se convierte en el padre que siempre le faltó. En parte, Butch ve en Philip un reflejo de sí mismo, pues su padre, del que sólo conserva una postal, que le envió desde Alaska, también se marchó de casa cuando él era pequeño. Es también por eso, que Butch le pide que haga una lista con las cosas que siempre ha querido hacer, por ejemplo, por culpa de su religión, como el pedir caramelos en la noche de Halloween, comer algodón de azúcar o subir en la montaña rusa, tratando de que el chico obtenga la felicidad que él no pudo alcanzar.

Se considera una road movie porque cumple las siguientes características:

-Muestra el desarrollo psicológico o social de algunos personajes: toca el tema de los malos tratos a menores, de los cuales hay varios casos en la película: por ejemplo, psicológicos: en el caso de la propia madre de Philip, que por una razón  como la religión cohíbe a su hijo de tal manera que no puede hacer las mismas cosas que cualquiera de sus compañeros.

-El hombre y el muchacho realizan un viaje infinito.

Ejemplos de otras películas que presentan este género cinematográfico son, entre otras muchas:

-El diablo sobre ruedas.

-Bonnie and Clyde

-Thelma y Louis

-Corazón salvaje

-La pasión ciega

-Luna de papel

-Camino a la perdición

-París, Texas

-El salario del miedo

-Flores rotas

-Easy reader

-El octavo día

-Las llaves de casa

-Alicia ya no vive aquí

-La diligencia

-La huida

-La strada

-Amor a quemarropa

-Malas tierras

-Una película hablada

Estudio de la banda sonora de La Caza, Carlos Saura.

1-Aspecto técnico: La banda sonora

Normalmente la banda sonora alude a la música de una película o a la comercialización de los temas principales de una película. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora aquella música vocal o instrumental, compuesta para una película, cumpliendo principalmente la función de potenciar emociones que las imágenes no pueden expresar por sí solas.

En la Grecia Clásica ya se empleaba música en las representaciones teatrales, pero el concepto de banda sonora, tal como se entiende en la actualidad, nace con el cine.

La llegada del sonido significó un gran problema en el cine, pero luego se convirtió en uno de los aportes más completos a su estética. Aunque desde los años 60 la música del cine comenzó a funcionar con finalidad comercial para vender discos,  la mayoría de las películas no dejaron de tener bandas sonoras que tuvieran la acción dramática. La banda sonora puede aclarar hechos de la imagen o contradecirlos.

Los primeros intentos de introducir la banda sonora en las películas se basaban en el funcionamiento de un proyector y un fonógrafo. En muchas salas de proyección ya existía el acompañamiento musical, frecuentemente de un piano. También se presentaban las películas o se narraban por alguien del propio local o por alguno de los actores o realizadores. Otro sistema diferente de exhibir la banda sonora de una película ha sido el music-show, que  es una sala gigantesca creada en  el año 1995 para mostrar mediante la tecnología más avanzada la música completa de cualquier película.

La banda sonora es la parte de sonido y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, el soporte que contiene el diálogo, los ruidos ambientales, los efectos de sonido, la música y el silencio. Es habitual la utilización de ruidos que no tienen nada que ver con la imagen que aparece en pantalla al objeto de provocar reacciones en el espectador.

Una banda sonora suele tener esta estructura:

-Tema de inicio, que  suele ser el tema o canción que da comienzo a la película,  también conocido como opening.

-Música de fondo, que está compuesta por el conjunto de temas que representan el grueso de la composición dentro de una banda sonora. Pueden ser instrumentales o cantados. También puede haber canciones o temas de autores diferentes al que compuso en origen la obra musical.

-Tema final, que suele ser el tema o canción que suena junto con los créditos finales de la película o serie para la que ha sido compuesta, también conocido como ending.

2-Cómo es este aspecto en la película

Al principio oímos la banda sonora de las película mientras van apareciendo los créditos, va intensificándose y aflojándose mientras van mostrando un grupo de animales que hay enjaulados.

Percibimos que la música tiene distintas funciones. En ocasiones, se utiliza para ambientar, como cuando están en el bar y oímos la música de fondo. En otras, utiliza la música para generar tensión y emociones, como cuando están en posición para cazar a conejos y va intensificándose. A veces, los sonidos anticipan algún elemento visual y predecir algo que va a suceder y así llamar nuestra atención. En ocasiones, la ausencia de sonidos o pausas condicionan situaciones a veces de angustia en el espectador. También utilizan música, que proviene de una radio situada en campo, para bailar. La música de esta radio se interrumpe bruscamente para dar paso al ruido de las armas al ser montadas.

Por otro lado, aprovechando el recurso de la voz en off, se evidencia el sentimiento de cada uno de ellos, y hace que el espectador sea partícipe de sus reflexiones. Tanto de la escena en la que los personajes piensan mientras avanzan para ir en busca de conejos, como en la escena en la que el hombre se está echando una siesta y tiene un sueño que el espectador lo está conociendo gracias a la voz en off.

Sin embargo, al finalizar la película, vemos un simple fin, que termina con un fundido en negro, rompiendo con la estructura básica de casi todas las películas, no incluye la banda sonora ni vemos pasar los créditos, como en casi todas las películas que conocemos.

3-Elegir un ejemplo de este aspecto en la película

Como ejemplo de este aspecto técnico, podríamos analizar los sonidos de la secuencia en la que los hombres proceden a realizar la caza. Van caminando entre las hierbas a la búsqueda de conejos, y los sonidos se van intensificando, revelando que algo va a suceder en breve, a la vez que oímos los ladridos del perro. Percibimos sonidos de ambiente propio del campo. Durante un momento los sonidos van aflojando un poco, y vamos oyendo las voces en off de varios personajes, en los que se van revelando los pensamientos que van teniendo. Oímos los gemidos del perro, que dan a entender que siente la presencia de un animalillo cerca, listo para ser cazado. En esta secuencia  contribuye de nuevo el sonido del personaje de Luis silbando el Himno de la Batalla de la República que se mezcla con una música original rítmica y de resonancias militares; cuando llega el momento más importante de la secuencia, la cacería de los conejos, el ritmo se marca fundamentalmente con la música, las órdenes de los cazadores, el ruido de los disparos y los chillidos de los animales. La música va intensificándose y aflojándose en diferentes momentos hasta cazar varios conejos.

La semilla del diablo, Roman Polanski

Película dirigida por Polanski en 1968, protagonizada por Mia Farrow, John Cassavetes, Ruth Gordon, Sidney Blackmer, Maurice Evans y Ralph Bellamy y basada en la novela de Ira Levin.

La narrativa presenta a Rosemary, una joven ama de casa que está casada con un actor. La pareja se instala en un apartamento de la célebre Casa Bramford, un antiguo edificio de apartamentos en Manhattan. El apartamento tiene una leyenda un tanto sórdida, debido a las siniestras reputaciones de algunos antiguos inquilinos.

Rosemary es una mujer joven y alegre, totalmente dedicada a su hogar y a su marido, con quien anhela tener un bebé. Guy, por su parte, desea el estrellato en el sector audiovisual. Por circunstancias accidentadas, los Woodhouse comienzan una amistad con un matrimonio de edad avanzada, que vive en la misma planta del edificio, y se convierten en una especie de padres sustitutos del matrimonio. Al poco tiempo, Guy y Rosemary acuerdan tener descendencia y planean la fecha ideal. Una noche, Rosemary tiene alucinaciones y pesadillas, aparentemente violada por un ente no humano. Cuando despierta, Guy se disculpa por haberle hecho el amor mientras estaba inconsciente y ella descubre que está embarazada.

Poco a poco, el matrimonio  vecino se va introduciendo en sus vidas. La anciana se acerca cada mañana a llevarle un ungüento que debe tomar para mejorar su proceso de embarazo, hasta que Rosemary se va percatando que con esa bebida va teniendo complicaciones y dolores muy fuertes en su abdomen. El marido provoca la separación entre sus amigas y pierde todo contacto con ellas. Por tanto, la joven decide cambiar de ginecólogo, pero su marido no se lo permite. Descubre que hay especie de trama de médicos brujos que parecen estar unidos para apropiarse del hijo que viene en camino. Cuando el niño nace, la hacen creen que nace muerto, pero descubre algo detrás de un armario del apartamento, que conecta con otra vivienda donde están celebrando el nacimiento, dándole la bienvenida al “hijo del diablo” en una especie de rito macabro.

La música toma un papel importante a lo largo de la historia. Resulta inquietante en varias ocasiones, en las cuales se realza el miedo de escenas más dramáticas de la película. Se oyen sonidos fuera de campo mientras Rosemary se encuentra situada en la habitación durmiendo con su esposo. Sonidos que provienen bien de un sueño o de alguien que está en el piso de arriba haciendo algún tipo de rito grupal.

Visualmente, los planos son sobre todo medios y cortos. A través de los primeros planos nos hacen partícipes de la situación emocional de la protagonista, nos introduce en aquellas situaciones más personales e íntimas. Se utiliza el picado y el contrapicado para presentar la superioridad y la inferioridad del personaje en cuestión. Hay momentos oníricos, como sucede cuando presenta a Rosemary tumbada en un colchón flotando en el mar y cuando sueña que es violada por el diablo. Sueños bastante grotescos relacionados con el diablo y la brujería.

En definitiva, una historia compleja que presenta escenas bastante confusas y desconcertantes tanto para la protagonista como para el espectador. Escenas en las cuales se van descubriendo hechos que permanecen ocultos a los ojos de Rosemary. Sin obviar que resulta bastante desagradable presenciar a un bebé recién nacido ubicado en una cuna negra, un color más asociado a la muerte y el dolor.

El cine de Robert Flaherty

El objetivo de Robert Flaherty era favorecer la comprensión entre los pueblos a través del cine. Entre algunas de sus producciones se encuentran: Moana (1926), Tabú (1931) junto a F.W.Murnau e Historia de Louisiana (1948).
Era partidario de la observación participante, por lo que decidió trasladarse al Ártico canadiense, donde se documentó e investigó acerca de la vida de los esquimales. Gran observador y admirador de las tribus aisladas de la sociedad, Flaherty utilizaba el cine como medio para mostrar la realidad, lejos del espectáculo. No utilizó actores ya que, según su criterio, prefería a los propios habitantes, porque eran quienes mejor reflejaban su propia cotidianidad. Construyó sus películas bajo las premisas de belleza y verdad.
El documental del que vamos a hablar, Nanook el esquimal, tuvo que ser filmado en dos ocasiones, a causa de un accidente, pues los negativos se incendiaron. Algo que no afectó mucho a Flaherty, porque no estaba muy de acuerdo con la primera copia.
Esta producción contiene planos en los que busca la belleza y los combina aportando a cada uno de ellos una función dentro de la obra. Los primeros planos de Nanook mirando a cámara pretenden una unión entre el protagonista y el espectador, a la vez que se resalta el hecho de que el espectador está siendo observado y acompañado.
Flaherty utiliza las secuencias largas para generar en el espectador la impresión de que se está captando al individuo de forma directa sin que exista ningún tipo de manipulación.
Otra característica que llama la atención sus subtítulos: pequeñas explicaciones que son introducidas a lo largo del documental, ejerciendo una función de interacción con el espectador.
Como se dijo anteriormente, Flaherty busca la veracidad y la realidad. Sin embargo, su intervención en las localizaciones suscitan que estas personas modifiquen su comportamiento habitual para dar vida a unos personajes que le interesaba representar.
Pretende reflejar un modo de vida diferente mediante la imagen del “hombre primitivo”. No pretende criticar este modo de vida, sino plasmarlo a través de una supuesta familia incivilizada.
Flaherty trabaja sobre un documental dramático, donde hay un personaje que tiene un problema y la cámara lo sigue en su supervivencia.
En una reflexión, Flaherty expresa estas consideraciones:
“La finalidad del documental, tal como yo lo
entiendo, es representar la realidad bajo la forma
en que se vive […]. Una hábil selección, una
cuidadosa mezcla de luz y de sombra, de
situaciones dramáticas y cómicas, con una gradual
progresión de la acción de un extremo a otro, son
las características esenciales del documental,
como por otra parte pueden serlo de cualquier
forma de arte. Pero no son éstos los elementos que
distinguen al documental de las otras clases de
filmes; el punto de divergencia entre unos y otros
estriba en lo siguiente: el documental se rueda en
el mismo lugar que se quiere reproducir, con los
individuos del lugar. Así, cuando [el
documentalista] lleva a cabo la labor de
selección, la realiza sobre material documental,
persiguiendo el fin de narrar la verdad de la
forma más adecuada y no ya disimulándola tras un
velo de elegante ficción, y cuando, como
corresponde al ámbito de sus atribuciones, infunde
a la realidad un sentido dramático, dicho sentido
surge de la misma naturaleza y no únicamente del
cerebro de un novelista más o menos ingenioso”
(Robert J. Flaherty).

Finalmente, incluyo un pequeño vídeo con unas imágenes de su documental, y espero que os guste.