Archivo | marzo 2012

Luna Caliente

“Luna caliente” es una película de Vicente Aranda realizada en 2009.

La historia trata sobre Juan, que es un poeta autoexiliado de la España franquista que regresa en los 70 a  Burgos  para visitar a un opositor político. Aquí, se fija en la hija del señor, pero Juan no puede controlar sus instintos y una noche la viola. Posteriormente, asesina al padre de la joven, porque piensa que éste ha sido testigo de los hechos. Ramona decide encubrirle y empiezan una relación basada en el sexo.

La novela original retrata la pasión entre un hombre exiliado y una menor de edad en plena dictadura argentina, utilizando el sexo como metáfora del autoritarismo. Aranda ha sido el encargado de adaptar el guión a la realidad española, ambientándolo en los años 70 y haciéndolo coincidir con el proceso a miembros de ETA en Burgos.

En interiores priman los tonos apagados y oscuros, y en interiores nublados y un poco iluminados con luz del sol, o bien interiores iluminados con algún foco de luz artificial (como la bombilla cuando se encuentra prisión) para enfatizar algún aspecto. Planos cortos y generales sobre todo. Al principio vemos una sucesión de primeros planos de noticias de periódicos para contextualizarnos en la situación que nos vamos a encontrar. Aunque esto da una sensación equívoca, porque de primera mano da la sensación que la historia va a rondar sobre asesinatos de la banda terrorista. La música enfatiza a veces algunos momento dramáticos, pero en otros momentos no le encuentro ninguna relación con la situación. Vemos algunas panorámicas y travellings para acompañar movimientos o acciones de personajes. Picados y contrapicados para marcar la inferioridad o superioridad de algún personaje, pero no son muy marcados, como es el caso de otras películas.

A simple vista, me resulta una película muy agresiva visualmente, con los primeros planos de mujeres desnudas en revistas, planos muy cerrados durante la violación y alguna que otra escena explícita de relación sexual, los golpes que le da en el coche al padre de Ramona, la escena de la relación sexual justo al lado donde está su padre, velándose de cuerpo presente, la escena en la que van en el coche y la chica quiere sexo y hace que pare el coche, posteriormente le muerde, él intenta ahogarla… son secuencias que me resultan muy violentas

Definitivamente, una película con secuencias algo violentas y agresivas, nada agradables a la vista, los actores al menos se esfuerzan por sacar lo mejor de sí y sus interpretaciones salvan un poco la película, porque hay que tener mucho estómago para sacar adelante una historia de este tipo, tanto por parte de los actores como por parte del director, ya que es digno de admirar el llevar a cabo una película con estas características.

Amélie

Amélie es una película de nacionalidad francesa del año 2001, dirigida por Jean-Pierre Jeunet. Podría definirse como una comedia romántica, que se situó entre las más taquilleras.

Amélie es la historia de una chica que tuvo una niñez limitada por la falsa preocupación de su padre de que ella sufría del corazón. Bajo estas condiciones, está chica casi no tiene contacto con otras personas. Esto la lleva a recurrir a su propio mundo fantástico. Cuando se convierte en una joven adulta, se muda al centro de París a trabajar en una cafetería. Después de encontrar un tesoro oculto perteneciente al anterior inquilino de su apartamento, decide buscarlo y devolvérselo. Después de ver la reacción del hombre, la joven se propone dedicar su vida a ayudar a la gente que la rodea. Como por ejemplo, a su padre, quien está obsesionado con los enanos de jardín, un escritor sin éxito, una joven hipocondriaca, un hombre que acosa a sus ex-novias, el amor de su vida y un hombre cuyos huesos son tan frágiles como el cristal. Pero después de agotarse llevando a cabo estas locuras, se da cuenta de que está descuidando su propia vida y la búsqueda de su amor. La joven entonces se da cuenta que debe intentar ser más agresiva y tomar el control de su vida para conseguir el amor con el que siempre soñó.

Los personajes de esta película tienen fuertes características atribuidas a su comportamiento y su carácter. Como por ejemplo:

Amélie: estereotipo de chica alegre y feliz, que a todo le encuentra un matiz positivo y cuyo carácter está marcado por los sucesos de su infancia.

Padre de Amélie: estereotipo de persona fría, distante y minuciosa.

Madre de Amélie: estereotipo de persona estricta y ordenada a la que no le gusta que nada se salga de lugar.

Por otro lado, en varias ocasiones se pasa de un plano general o medio a un primer plano a través de un movimiento de travelling.  En casi todas las escenas se aprecia un travelling o grúa, lo que da movimiento y ritmo a la historia. En otros momentos, el travelling es a ras de suelo dejándonos ver el lugar por el que se mueven los personajes y mostrando una composición integrada por un personaje en un plano más cerrado. Otros travellings laterales son utilizados para mostrar el lugar en el que se encuentra un personaje, para darnos a conocer el entorno en el que se va a desarrollar la siguiente escena y describir los detalles del mismo. Normalmente, los puntos de vista son a la altura de los ojos, de forma neutra, aunque en alguna ocasión utiliza picados y contrapicados. En la iluminación, podemos decir que predomina una luz suave en los interiores, algunas escenas con contraluz o penumbra, para dar sensación de clandestinidad.  A veces se observan movimientos de aceleración en algunas escenas.

Según el esquema de análisis audiovisual de Casetti, observamos distintos códigos de montaje, como por ejemplo: asociación por identidad (una imagen se vuelve igual a sí misma), asociación por analogía (dos imágenes se repiten elementos similares, pero no idénticos), asociación por proximidad (las imágenes A y B presentan elementos que se dan por contiguos), asociación por transitividad (el encuadre A encuentra su prolongación y su complemento en el encuadre B), asociaciones por acercamiento (dos imágenes que no presentan ningún elemento en común, sólo su proximidad en la película, (simplemente van seguidas en la película, pero no tienen ninguna relación), como es el caso del montaje por corte). Con un primer plano podemos averiguar el tipo de personalidad que posee el personaje, a través de su expresión, de su rostro. Esta es una de las principales características de la película Amélie: los personajes son muy expresivos.

Como inciso, el color es algo muy importante para Jeunet, ya que juega un papel esencial en otras de sus películas como “Delicatessen” o “Largo domingo de noviazgo”. En el primero de los casos, predominan los tonos sepia y anaranjados, que aportan un significado a la historia. Mientras que, en “Largo domingo de noviazgo” podemos ver tonos ocres, más apagados.

Por otro lado, la música que predomina es extradiegética o no diegética, que actúa como acompañamiento de la escena de forma más común a lo largo de la película. Es raro que se de el caso que la música forme parte de la historia.

Además, conviene poner de relevancia, que gracias a este film hubo un cambio en la percepción visual del mundo, con la influencia de la luz y el color, colores cálidos como el naranja o rojo junto a colores fríos como el verde o el azul, que contrastan en algunas escenas: vestuarios, iluminación de las localizaciones, decorados o coches en localizaciones exteriores de colores rojos y azules. El color en este filme, proporciona una mayor proximidad a la realidad, provoca sentimientos y emociones. Precisamente Amélie muestra su microcosmos, parte de su vida, sus motivaciones y sentimientos a través del color.  No obstante, contraponien el color que predomina en Amélie y en su entorno, encontramos a Collignon y Raymond, quienes utilizan colores apagados y tristes, tanto en su vestuario como en la decoración de su casa.

Igualmente Jean-Pierre Jeunet da un toque personal a sus películas, los dota de cierta magia, fantasía, incluso a veces roza lo surrealista, como es el caso de su película Delicatessen. En el caso de Amélie,  predominan los colores rojizos y verdes. Además, la imaginación está presente en ambas, aunque en Delicatessen va mucho más allá rozando lo tremendista.

Esta película también está influenciada por Renoir, sobre todo por su cuadro “El Almuerzo de los remeros”, que aparece con bastante frecuencia durante el film.

Finalmente, Amélie se podría definir como una joven tímida, que en lugar de enfrentarse de forma valiente a sus deseos, vive en su mundo de fantasías. Da mucha importancia a las cosas pequeñas de la vida. Vive en soledad, lo que va marcando su personalidad. Intenta vivir su vida haciendo felices a los demás, pero de forma anónima. Esta excesiva timidez no le permite expresarse con libertad. Lo que le lleva a tener miefo a enfrentarse a las situaciones de la vida y necesita tiempo para superar ese miedo al amor.

Un Franco, 14 pesetas

Película dirigida por Carlos Iglesias. El argumento gira en torno a dos españoles que son despedidos de sus trabajos en la década de los 1960 en España, y se ven obligados a irse al extranjero a trabajar, dejando atrás a sus familias. Al llegar a Suiza, Martín y Marcos comienzan una aventura con unas mujeres del hotel. Parece que la calidad de vida es bastante mejor aquí, hay mejores sueldos, la educación es gratuita…

Todo cambia cuando la familia de ambos llegan allí y comienzan una vida diferente en este país, con su mujer e hijos. Años después, vuelven a España, y tras despedirse Martín de Hanna, con quien tuvo una relación en secreto, observa que la niña tiene rasgos germánicos pero es morena, y se da cuenta que es hija suya también, de la relación que mantuvieron en secreto.

El argumento está basado en la historia real del director Carlos Iglesias. Su personaje en la película se identifica con su padre en la realidad. Fue la primera película del director, que fue nominado a los Premios Goya al mejor director novel.   El título tiene doble sentido: por un lado hace referencia al cambio monetario de la época entre el Franco suizo y la peseta española, y por otro lado alude al dictador Francisco Franco.

La mayoría de los planos que vemos son planos cortos de los personajes, primeros planos, y al llegar a Suiza pues vemos numerosos planos generales de los paisajes. Movimientos de cámara como panorámicas que acompañan el movimiento y las acciones de los personajes, o para visualizar un paisaje de un lado a otro, plano contraplano para conversaciones entre dos personajes, planos picados y contrapicados para mostrar la superioridad e inferioridad de unos personajes con otros. Al llegar a España, la iluminación del sol juega un papel importante, en contraste con las sombras y los cielos nublados de Suiza.  En varios momentos localizados en exteriores de noche, en Suiza, pareciera que se han utilizado filtros de color en la cámara. La música, para ambientar ambos países y acompañar a situaciones dramáticas o alegres.

Al principio, en los escenarios de España vemos tonalidades oscuras, vestuarios oscuros, todo con sensación más de tristeza. Sin embargo, al llegar a Suiza, hay tonalidades más claras, aunque es un país más frío, más solitario en las calles, calles más limpias, todo más tranquilo, más sosegado.  El hijo de Martín, siente mucho el cambio entre ambos países, por un lado Suiza, un país donde hay más respeto entre maestros y alumnos, mejores amigos, mejor casa, educación pública y gratuita, más tranquilidad, todo más verde, más limpio por las calles, los bosques… y a la vuelta a España, donde hay jaleos por las calles llenas de gente, niños agresivos tirando piedras a perros, compañeros que le enseñan a hacer “chuletas”, colegios donde hay que pagar y curas que le pegan con una regla en la mano.

Para finalizar, no es una película que destaque por su lenguaje audiovisual en movimientos,  planos e iluminación, pero está muy bien ambientada en cuanto a escenarios de ambos países y el argumento es muy interesante por la calidad en la historia.

Baraka

Este documental muestra las formas en que el hombre se identifica con el medio en que se le ha relacionado durante toda la vida, por ejemplo los ciudadanos de países desarrollados con el capitalismo, la producción en cadena…relaciones con el medio natural y las diferentes culturas del mundo. Vemos que va relacionando las costumbres de ambas sociedades, las formas de vida de la sociedad de los países desarrollados, con su economía capitalista, y los países subdesarrollados, cuyos habitantes de estos países del tercer mundo con su economía más de campo.

Compara por un lado una sociedad civilizada y por otro lado una sociedad incivilizada, que tiene otra forma de comportarse, otras formas de vivir entre ellos, se bañan en ríos, buscan la comida en vertederos de basura, viven más en comunidad y para ellos es normal ir por los campos sin vestir.

Por otro lado podemos ver el reflejo de una sociedad en guerra, con aviones militares, esqueletos, que vienen a representar las víctimas de estas guerras.

Todo esto se puede apreciar sin una voz en off que lo vaya relatando, todo visualmente, con imágenes estremecedoras y con una música conmovedora e inquietante. Personalmente me ha ocasionado nerviosismo, al ver todas estas imágenes, sin una voz en off que vaya explicando las diferentes situaciones ni diálogos. Se puede percibir que cuando muestra la vida de Oriente, oímos un tipo de música, y cuando muestra la vida del mundo de Occidente oímos otros tipo de música diferente.

 

Pájaros de papel, Emilio Aragón.

Pájaros de papel es una película de Emilio Aragón. No es un clásico, pero es una película con una historia emotiva. Ganadora del Goya a la mejor dirección Nobel.

La historia nos recuerda a las primeras obras de Federico Fellini por ejemplo, en las que personajes pertenecen a compañías de artistas ambulantes.

François Truffaut escribió en mayo de 1957, que los jóvenes cineastas en un futuro se expresarían contando sus vivencias como si se tratase de diario íntimo y  que las películas en definitiva serían un acto de amor. Esto es lo que intenta Emilio Aragón con esta película, contarnos una historia cercana a nosotros, con la que sentirnos identificados, tal vez nosotros no, pero si nuestros padres y generaciones anteriores, que por desgracia les tocó vivir en esta época con todo lo que ello conllevaba.

El músico Jorge del Pino, el ventrílocuo Enrique Corgo, la cupletista Rocío Moliner y el pequeño huérfano Miguel, forman una familia de artistas dedicada al vodevil. Aunque les ha tocado vivir en una mala época, intenta pelear cada día contra cualquier miseria a base de golpe de risa. Tendrán que tomar decisiones importantes en sus vidas.

Se analiza, a veces con matices crueles e inmorales, los primeros años cuarenta, que tanto en esos años como a día de hoy en el poder, no quieren que olvidemos.  Los niños se ven inocentes frente a la cámara, frente al teniente falangista-franquista Quiroga, con una presencia agresiva y odiosa. Me ha resultado muy interesante la interpretación de Carmen Machi, acostumbrada a verla en Aída, a verla en esta película cantando pues es un cambio gigante.

Una película recomendable que nos muestra una época, unas circunstancias y  unas personas, que sin duda marcaron la historia de nuestro país a día de hoy. La única negativa es que hay demasiados personajes en la historia, algunos innecesarios para la resolución de los puntos de inflexión, y que se van perdiendo a lo largo de la historia. Los personajes en sus espectáculos parodian el estribillo de la canción “No se puede vivir con un Franco”.

También es verdad que el conjunto sufre un fuerte desequilibrio, sobre todo al final de la trama, cuando cuenta de forma apresurada el viaje de los protagonistas rumbo al exilio en Argentina. Es emocionante el final, en el que Miguel habla y cuenta  anécdotas ante el micrófono. La última secuencia, una de las más emocionantes, además de un sentido homenaje del cineasta a la figura de su padre, Emilio Aragón Bermúdez, el popular Miliki, y nos devuelve algo importante: la capacidad de soñar.

Mayoritariamente, vemos iluminaciones oscuras, acompañado de vestuarios sobre todo oscuros, por lo que da la sensación de película triste, dramática. Aunque vemos alguna que otra prenda en color rojo que contrasta con los tonos oscuros del resto del vestuario y la iluminación oscura de los escenarios. Estos tonos rojos, pueden ser códigos visuales que apelen a partidos políticos. Uno de los sitios en los que vemos algo de claridad es en el convento de las monjas donde se encuentra la madre del Miguel.  Planos sobre todo cortos y  medios, planos generales para los paisajes.

Una película necesaria para hacernos recapacitar, con paralelismos entre aquellos tiempos y la época en la que nos encontramos actualmente, en la que constantemente los grandes cargos del gobierno nos prohiben nuestra libertad de expresión e ignoran nuestros derechos fundamentales y universales como seres humanos.

III Jornadas Cine Joven

Las jornadas de Cine Joven se han llevado a cabo entre los días 13-15 de marzo de 2012, en la Facultad de Ciencias de la Comunicación, de la Universidad de Málaga. En estas jornadas, personas del mundo del audiovisual han realizado una serie de ponencias sobre sus experiencias y sus puntos de vista en su ámbito de trabajo, ya sea la dirección, guion, producción, interpretación y crítica cinematográfica. Los ponentes han sido Carola Rodríguez, Carlos Iglesias, Juana Macías, Eloisa Vargas, Manuel Cristóbal, Gregorio Belinchón, Paco Griñán, Irene Crespo, Cristóbal Garrido, Sergio Barrejón, Carlos Vermut, Antonio Zabálburu y Santi Millán. Grandes profesionales en su ámbito, algunos con una larga trayectoria y otros empezando. Son un ejemplo de esfuerzo, sacrificio y lucha por conseguir lo que uno quiere y lo que le apasiona en la vida.

Hay varios puntos de los que se han hablado, desde diferentes perspectivas. Desde el punto de vista de la producción, se ha hablado sobre la temática y el público, hay películas para muchos públicos, y tenemos que saber a qué público nos dirigimos y los gustos de cada público. Alguien puede ver una película y no gustarle, pero puede ser porque la película no haya sido dirigida a ese público. El cine se considera un negocio, como otro cualquiera, con el fin de ganar dinero. Lo que se pretende es vender y que el público vaya al cine a ver una película. Sin embargo, hay ciertas películas que van dirigidas a un público minoritario, y por eso no recaudan el dinero necesario. Películas de denuncia social, experimental… y temáticas que están alejadas a lo que quiere la público en general, pero que son necesarias para la profesión cinematográfica, como el caso del cine de Ingman Bergman, Alfred Hitchcock, Federico Fellini, Ken Loach, Víctor Erice, Luis Buñuel, Jean Luc Godard, Kim Ki-Duk, Roman Polanski, Lars Von Trier, Isabel Coixet… algunos fallecidos por desgracia, y otros que nos siguen acompañando y siguen ofreciéndonos historias y transmitiéndonos todo tipo de emociones. Sin embargo, desde el punto de vista del negocio, muchas de las obras de estos directores no son “vendibles” al gran público.

En estas jornadas, se habló también de que todo guionista debe que pensar con qué tipo de historias quiere trabajar, teniendo en cuenta la economía de la abundancia o la economía de la escasez. La economía de la escasez consiste en diferenciar nuestro proyecto de los demás, si pretendemos vender nuestra obra como única o como una más. Es el caso de los directores que tienen un cine personal, como puede ser Woody Allen, Martin Scorsese, Clint Eastwood, Quentin Tarantino… Y en el caso del cine español tenemos a Alejandro Almodóvar, Alex de la Iglesia, Icíar Bollaín, entre otros.

Sobre todo, lo que hay que tener en cuenta, es que es un negocio vocacional, un negocio de expectativas, no hay nada seguro hasta que la crítica opina o juzga, y ya es el público uien decide ver o no ver la película. No obstante, a través del negocio de la piratería junto al precio elevado del cine, el público puede ver la película por Internet descargándosela de forma ilegal. Aunque de esta forma ese dinero no llega a los autores de la película, ese es el problema, que no hay una industria cinematográfica española verdaderamente asentada. Muchos productores e inversores no apuestan por el cine español. Sin embargo, con toda esta problemática, se podría plantear la distribución cinematográfica mediante otros medios: Internet. El cine español se resiste a ver en Internet un medio para distribuir el cine, lo ven algo como muy lejano, que llegará en un futuro. El caso de “El Cosmonauta” es un film pionero, pues se revela como uno de los ejemplos de cine que se distribuirá en Internet, financiado con crowdfunding, mediante licencia Creative Commons y contenidos Transmedia.

La licencia Creative Commons es una alternativa al Copyright. Los contenidos Transmedia son una serie de contenidos que se crean alrededor de un proyecto: documental, libros… Material que hace crecer el proyecto. Además los contenidos Transmedia permiten al usuario generar nuevos contenidos para que explore y comparta otros contenidos. Lo que permite al usuario descargar los videos brutos de la película y editarlos, para crear nuevos montajes en postproducciones propias realizadas por el espectador.

Una de las películas que se han proyectado en estas jornadas, ha sido “Ispansi” de Carlos Iglesias, una película emotiva, que intenta mostrar lo más fiel posible, la realidad  de los exiliados de la Guerra Civil española (1936-1939).

Han sido unas jornadas interesantes en las que se han aprendido muchas cosas y ha resultado emocionante ver cómo sigue habiendo gente a la que le apasiona el cine, ese arte que después de tantos años de existencia, sigue teniendo la capacidad de contar historias, crear conciencia social,  reflexionarr, transmitir valores y sentimientos.