Archivo | 9 de marzo de 2012

Martin Scorsese

Es un director, guionista, actor y productor de cine estadounidense. Ha sido nominado numerosas veces a los premios Óscar, pero solo lo ha ganado por la película “Inflitrados”, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. También es Presidente de Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a preservar el material fílmico en deterioro.

Scorsese cursó sus estudios a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de Cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Harvey Keitel estudió con él en la misma universidad y participó como actor en algunas de sus películas.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia en la sociedad americana. Sus personajes suelen ser inmigrantes y minorías sociales. Este director es considerado como uno de los directores más influyentes de su generación. A su vez, Scorsese recibe influencias de otros directores como Orson Welles, John Ford, Luchino Visconti, Fellini y Michael Powell. Presenta un estilo particular que definimos a través del comentario de algunas de sus producciones audiovisuales que presentamos a continuación:

-“Jo, qué noche” es un filme que cuenta la aburrida vida de un joven llamado Paul. La película comienza con un travelling en torno a la mesa de su escritorio de trabajo. Se alternan muchos movimientos de cámara, distintas angulaciones en forma de picados, contrapicados y cenitales. Se aprecia una iluminación sutil y posteriormente, claroscuros muy marcados, filtros azules y rojos.

-En “Malas Calles” Charlie, encarnado por Havery Keitel, está atrapado en el submundo de la mafia y la corrupción de Little Italy. Su principal motivación será conseguir uno de los restaurantes de su tío Giovanni, a cambio de dejar de ver a Teresa (su novia secreta) y Johnny Boy (su mejor amigo), porque a consideración de su tío son malas influencias. Charlie se cuestiona la expiación de los pecados a través de la religión e intenta ayudar a Johnny con sus deudas. Se trata de una mezcla de drama y gánster bajo un tono realista. Los recursos formales que utiliza son: cámara en mano, panorámica para la descripción de los lugares, travelling para el seguimiento de los personajes, planos secuencias, iluminación muy contrastada (Noche-Día), filtros rojos y negros para las escenas del interior del club. Resulta significativo el montaje en paralelo en algunas escenas, la superposición de imágenes, la colocación de la cámara muy apegada a los personajes (steadycam), como sucede por ejemplo cuando el protagonista está borracho en el bar de Tony y se cae al suelo. Además, la voz en off de los pensamientos de Charlie adquieren un valor narrativo. Los temas que vemos en esta película son el racismo, machismo, contrabando, vandalismo y la moral religiosa.

En “Casino” tenemos a Sam Rothstein, encarnado por el actor Robert De Niro, considerado como el mejor corredor de apuestas de la ciudad de Las Vegas y trabaja para la mafia haciéndoles ganar mucho dinero. Estos mafiosos le ofrecen la dirección de su nuevo casino, pero los problemas entre algunos integrantes terminan poniendo en peligro el negocio del casino, dejando al descubierto a la organización y a sus integrantes. Todos los acontecimientos que presenta este filme giran alrededor del dinero, la violencia, los sobornos y las historias entrelazadas.

-“La edad de la inocencia” es una adaptación cinematográfica de la novela de Edith Wharton. En esta película se observa la importancia de la decoración de los distintos lugares en los que se desarrolla la trama. Narra dos historias: por un lado Newland Archer, que está atrapado entre cómo debe comportarse y cómo quiere comportarse; y por otro lado, la joven prometida de Archer, prima de la condesa, se comporta como la han educado, y bajo una falsa inocencia trama un plan de manipulación con el fin de conseguir la vida que desea, para así quitarse con elegancia a su rival.

-En “Alicia ya no vive aquí” una de las ambiciones de la protagonista es retomar su carrera como cantante y transmite valores como el afán de superación.

-En “Al límite” se aprecian escenas que presentan filtros de tonalidades rojas, gran variedad de planos y recursos visuales. El espectador es testigo de la degradación y el vacío moral que va experimentando el personaje principal.

-“Gangs of New York” se inspiró en el libro “Gangs of New York”, de Herbert Asbury. Mientras se debatía la Guerra Civil, un peligroso grupo crecía en el bajo mundo. El padre Vallon comandaba a un grupo de pandilleros, inmigrantes que se denominaban “Los Conejos Muertos”, que vivían en un ghetto, liderados por Bill el Carnicero. En una batalla para decidir quién dominaba la zona de la ciudad llamada “Los cinco puntos”, Bill mata al padre Vallon. Ámsterdam, encarnado por Leonardo Di Caprio, hijo del sacerdote, tiene que pasar su infancia interno en un reformatorio hasta que cumple su mayoría de edad, cuando reintegra en la vida de las calles y las bandas de ladrones. Respecto a los recursos visuales, cabe destacar que distintas transiciones abren varias secuencias. La iluminación a través de velas en algunas escenas resulta muy interesante. Considero que la escena más dramática y emocionante sucede cuando el padre está muerto en el suelo y con las manos llenas de sangre, agarra la cara del hijo, mientras éste le grita que se levante.

-“Taxi Driver” está ambientada en Nueva York, poco después de terminar la guerra de Vietnam. Travis es un hombre mentalmente inestable que comienza a trabajar como taxista, incorporándose a la vida nocturna. Este señor sufre de depresión y ansiedad al sentirse rechazado por la sociedad. Mientras conduce su taxi, es testigo de muchas maldades como la prostitución y la violencia. Conoce a una joven, encarnada por Jodie Foster, e intenta convencerla de que abandone la vida que está llevando como prostituta. Lo más interesante de los recursos visuales en este caso, lo encontramos en los filtros rojos utilizados en los exteriores nocturnos.

-“Toro salvaje” es una película en blanco y negro. La película muestra a Jacke La Motta,  un corredor de toros asmático que se entrena para ser número 1 en los pesos medios. Con la ayuda de su hermano Joey verá este sueño cumplido tiempo después. Pero la fama consigue empeorar las cosas. Me resulta devastador la escena en la cual la protagonista mantiene una pelea con un boxeador de color, ya no puede más y recibe un golpe tan fuerte que chorrea la sangre hasta el público que está mirando al ring. A pesar de ser en blanco y negro, se puede apreciar muy bien los contrastes de iluminación.

-“Uno de los nuestros” se trata de un drama criminal. Fue protagonizada por Robert De Niro, Ray Liotta y Joe Pesci. Aquí resulta interesantes los fundidos en negro y los acelerados movimientos de cámara.

-“Shutter Island” trata sobre unos agentes judiciales que son destinados a una isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una asesina peligrosa. Una asesina que está recluida en un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el Dr. John Cawley. Descubren que el centro guarda muchos secretos y la isla esconde secretos peligros.

Francis Ford Coppola

Es un guionista, productor y director de cine estadounidense ganador del premio Óscar cinco veces. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas y años después se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Siendo aún estudiante, comenzó a trabajar para Roger Corman.

A principios de los 60 empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son películas eróticas de poco presupuesto. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven con talento para ser instruido en el medio cinematográfico, y tiempo después establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal. Su primera película acreditada fue “Dementia 13”, un largometraje de terror de bajo presupuesto y rodado en nueve días en Irlanda en 1963.

Vamos a proceder a comentar algunas de sus producciones audiovisuales que consideramos más interesantes:

-La película “Apocalipsis Now” se presenta la guerra de Vietnam. El guion está basado en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad, ambientada en el África de finales del siglo XIX. La música que se utiliza es “La Cabalgata de las valquirias”, de Wagner. Este filme tuvo bastante dificultad para estrenarse por el tema abordado. El rodaje tuvo problemas, pues Coppola envió un informe al ejército americano sobre lo que iba a presentarse en la película (masacre, consumo de drogas de los militares, relaciones sexuales…), pero el ejército se opuso totalmente a la realización de esta producción. Tuvo un presupuesto de 27 millones de dólares. Fue presentada en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje y ganó la Palma de oro. En una rueda de prensa, Coppola dijo la famosa frase: “Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam”. En esta película cuenta con la ayuda de los directores de fotografía Gordon Willis y Vittorio Storaro, y el decorador Dean Tavoularis. La productora United Artists apoyó a Coppola en este proyecto. Por destacar algunos detalles técnicos, considero que son interesantes las superposiciones de las imágenes del inicio de la película y las voces en off. Hay referencias de esta película que proceden de Stanley Kubrick, en concreto del filme “2001: Odisea del espacio”. También resulta significativa la música clásica, la presencia de Nietzsche (las ideas de Dios, muerte y el superhombre). Lo más impactante de esta película es el ritual de la muerte, el montaje en paralelo en varias escenas.

“The Cotton Club” es un filme experimental que mezcla de musical y gánster. Es protagonizada por Richard Gere y Nicolas Cage. Resulta significativa la coreografía, en la cual destaca los números de claqué de los hermanos Hines y el montaje en paralelo que se produce durante la matanza y por otro lado una actuación en un escenario de baile.

“Corazonada” es un melodrama romántico-fantástico, pero el público no supo apreciarla como una buena película, por tanto tuvo mala taquilla. Por destacar algunas cuestiones, el personaje de Hank representa los valores tradicionales, intención de relación amorosa estable y violencia verbal (califica a la novia bajo el adjetivo “perra”). Además presenta una iluminación significativa, claroscuros, filtros rojos, fundidos que cierran y abren diferentes secuencias, uso de flash-black, montaje en paralelo y planos-secuencia.

“El padrino 2” muestra un trozo de sociedad ítalo-americana. Este filme supone una continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone y los orígenes del patriarca, Don Vito. Es un drama gánster y técnicamente se aprecia iluminación contrastada y escenarios sombríos. Como temas se aprecian el amor, el poder, la superación, el destino, la violencia, el romanticismo, el honor, la traición, la soledad y la corrupción. El proceso de rodaje fue más duro de lo pensando y más largo que la primera parte, pues se llevó a cabo en 112 días.

“La conversación” presenta un guion inquietante, un thriller de suspense con un fuerte carácter psicológico, basado en el remordimiento de conciencia. Un filme de espionaje y de violación a la privacidad, de conjeturas y vigilancia secreta. Comienza como una simple investigación de infidelidad, pero va derivando en consecuencias inesperadas. Mantiene la intriga en todo momento, y va derivando en un desequilibrio psicológico del protagonista principal hasta límites de la locura. Resulta bastante inquietante la escena en la cual el personaje inerte está dentro de una bolsa de plástico y los medios de comunicación están filmando la situación. Se hacen referencias a la religión

“Drácula” es una adaptación basada en la novela de Bram Stoker. El vestuario es diseñado por Eiko Ishioka. La película contiene múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con instrumentos rudimentarios), pero difícil ejecución: sombras, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el fotógrafo Michael Ballhaus, en colaboración con el hijo de Coppola. Esta película fue una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero la adaptación que dirigió Coppola está considerada como su adaptación oficial, ya que es el filme más fiel a esta novela. Interpretación magistral de Anthony Hopkins. Son significativas también las transiciones para iniciar ciertas secuencias, en algunas de las cuales utiliza el recurso de aceleración de imágenes, las sombras son perturbadoras y muy marcadas. Algunos planos-secuencia pueden provocar intranquilidad y desasosiego.

“Tetro” empieza con la llegada de Bennie a Buenos Aires, desde Manhattan con la esperanza de reunirse con su hermano mayor. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, llamado Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. Tetro es ahora un hombre distante y desilusionado. Se trata de una película en blanco y negro con interesantes momentos de color y en escenas de flash backs. Algunos actores del reparto fueron Maribel Verdú, Carmen Maura, Vincent Gallo, Rodrigo De la Serna y Leticia Brédice.

 

Clint Eastwood

Es un director de cine, actor, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor procedente de Estados Unidos. Está considerado como una leyenda del cine. Fue influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego salió a la luz por su papel como actor en la serie “El fugitivo”, y Martin Milner, quien realizó otra serie titulada “La vida de Ritley”. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, pero luego se vio obligado a abandonar el cargo por la incompatibilidad para realizar sus películas.

Años más tarde, rueda en Almería una trilogía de spaghetti western “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de hombre duro y sin piedad. El 1968 crea su propia productora “Malpaso Company”.

Algunos críticos como Laurens Knapp lo consideran como “autor estrella”, en el sentido que hay directores capaces de adaptarse a la forma de trabajo de Hollywood, pero sin someterse plenamente al sistema comercial y proporcionando a sus produciones un sello personal.

Este director propone narraciones elípticas, personajes vagabundos, antihéroes y de clase trabajadora. Sus películas recuerdan a las producciones de John Ford, tienen un estilo muy marcado. Como algunas características de su estilo podemos citar las siguientes:

-una iluminación muy realista y colores apagados,

-rodajes en exteriores,

-utilización de planos-secuencia y narrativas circulares,

-sus personajes son sencillos y mantienen una postura frente al mundo

En la película “Cazador blanco, corazón negro”, el comienzo resulta muy interesante, pues se aprecia a un personaje cabalgando y un guionista bajando de un avión. Ambas situaciones se conjugan a través de un montaje paralelo. Esta forma de presentar el montaje la emplea anteriormente en “El jinete pálido”.

“Sin perdón” se acerca al género western. El protagonista, es un pistolero retirado, conocido como atracador y quese dedica a criar cerdos, una tarea que no le resulta bastante atractiva. En este caso, el director se aleja de conceptos enrevesados. La película es elíptica, se abre y se cierra con grandes planos generales. Trabaja con una iluminación natural, una estética neblinosa, presenta grandes paisajes. La escena del interior del bar se desarrolla de una forma extremadamente lenta.

“Bandera de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima” forman un díptico. En “Bandera de nuestros padres” el lado bélico queda de lado, pues lo que le interesa a Eastwood es la vertiente psicológica. En concreto, se puede destacar un desembarco que recuerda a la película de Spielberg titulada “Salvar al soldado Ryan”.

“Mistic River” cuenta la historia de Jimmy Markum, encarnado por Sean Penn. Los temas que aquí se presentan son el abuso, el dolor de un padre y la corrupción en la investigación policial.

“Escalofrío en la noche”, aborda temas como la violencia, tanto física como psicológica. Se trata de un thriller psicológico y conjuga además el drama y la intriga con tono realista. La trama del filme gira en torno a la obsesión afectiva que sufre una mujer, Evelyn, hacia un locutor de radio llamado Dave Garver, a quien llama todas las noches para que ponga la canción “Nebulosa” en su programa. Se pueden apreciar escenas paralelas con el filme “Atracción fatal”, pues en ambas películas la mujer intenta cortarse las venas y fallece. El personaje se va a ir construyendo a sí mismo, recibiendo una influencia que lo va a afectar y va a modificar su personalidad. Se aprecia aquí una gran habilidad con la cámara, presentando planos en escenarios de penumbra en la noche, lo que generara bastante miedo.

“Deuda de sangre” se trata de un thriller que mezcla el suspense y crimen. Aquí se aprecian una serie de travellings y panorámicas con objetivos descriptivos. La iluminación es natural y casi siempre en espacios exteriores. El dinamismo y la variedad de recursos visuales dan ritmo a la película. El protagonista tiene un comportamiento intimista, minimalista y solitario. Superioridad e inferioridad presentados a través de contrapicados y picados respectivamente.

En “Million dolar baby” encontramos un drama que aborda temas como el amor, la eutanasia y el esfuerzo. Las escenas con más peso se muestran a través de planos cortos y se usa el teleobjetivo para situar a los personajes.

“Cartas desde Iwo Jima” es un filme de género bélico, con estilo dramático y un tono realista. Su tema principal es la guerra y como otros subtemas destacamos el patriotismo, la amistad, el suicidio como derrota, la aceptación de la muerte y la exaltación de los sentimientos. Se resalta lo “humano” de una guerra, da voz al enemigo y se da predominio a las emociones.

“Un mundo perfecto”se centra principalmente en las relaciones humanas, tocando el tema de los malos tratos a menores. Aquí resulta significativa la evolución psicológica de los personajes. Además podríamos identificarla como una road movie, porque los personajes realizan un viaje por carretera y se presenta esta transformación psicológica que hace al personaje conocerse mejor a sí mismo.

“El jinete pálido” es un filme de género western. Supuso una reactualización de un género que se creía agotado. Aquí el director utiliza diversos elementos narrativos combinados con detalles técnicos elegantes y sutiles. El título de este filme proviene de la Biblia, en concreto del libro del Apocalipsis. Precisamente la cita del principio es leída por uno de los personajes cuando llega al pueblo minero. El guion fue realizado por Michael Butler y Dennis Shryack. Un interesante montaje en paralelo se presenta cuando resuena el trote de los caballos.

Según un artículo de la revista Cahiers du Cinema (febrero 2009), las dos películas más fascinantes, meditativas y melancólicas que ha dado la historia del cine son “Gran Torino” de Eastwood y “El curioso caso de Benjamín Button”, de Fincher. Ambas películas establecen entre sí una dialéctica que ilumina algunas encrucijadas del cine americano de la actualidad.

 

Steven Spielberg

Steven Spielberg es un director, guionista y productor de cine estadounidense, cursó estudios de cine en la Universidad Estatal de California, en Long Beach. En 1969, el Festival de Cine de Atlanta proyectó su corto “Amblin”, con una duración de 22 minutos, lo que le supuso un contrato con Universal.

En 1984, creó su propia productora, Amblin Entertainment, con más de doce películas que fueron auténticos éxitos como “Gremlins”, “Regreso al futuro I, II y III”, “En busca del valle encantado”, “Los Picapiedra”, “Casper”, entre otros. En octubre de 1994, Spielberg, anunció la creación de DreamWorks SKG, un nuevo estudio en el que se asociaba con Jeffrey Katzenberg y David Geffen.

Es fanático del cine desde niño. Desde los 12 años inventaba historias y en algunas escenas trabajaba con salsa de tomate para imitar la sangre.

Si tenemos en cuenta las características que marcan su cine podemos citar las fantasías, los sucesos extraños, la presencia extraterrestre, la inocencia que se deja a un lado para dar lugar a la  madurez. Spielberg recibe influencias de otros directores como Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Fran Capra y Stanly Kubrick.

Su primer gran éxito fue “Tiburón”, película basada en una novela de best seller de Peter Benchley, presente durante todo el rodaje en calidad de “asesor”. El filme comienza con tomas submarinas, planos generales de unos chicos en una playa, haciendo una barbacoa. Una chica se introduce en el agua y va a ser devorada por el tiburón. A partir de aquí, la narrativa va girar en torno al rescate de este animal submarino. Podemos apreciar terror psicológico, como utilizaba Hitchcock: que el monstruo no se viera hasta casi el final. Maneja el suspense y las elipsis temporales. La música enfatiza este terror y suspense, pues resulta inquietante.

Los productores de la película le recomendaron que rodase en un estanque, pero prefirió rodar en el mar, en una playa de Massachusetts, donde se hace pie hasta 20 km. Tuvieron muchos problemas con los tiburones, porque el agua salada influía en su mecanismo. Se construyeron 3 tiburones.

Spielberg pidió a la productora que no se mostrara el tiburón hasta haber transcurrido una hora de película, con el objetivo de mantener el miedo y el suspense entre el público, ya que el espectador no tendría una imagen o figura a la que temer, cosa que según el propio Spielberg da muchísimo más miedo.

Esta película fue un taquillazo y le valió la fama internacional. Como curiosidades de esta película, la selacofobia o miedo a los tiburones, muchos psicólogos la atribuyen especialmente a esta película.

En otro de sus filmes, “Encuentros en la tercera fase”, se observa su carga ideológica hacia lo sobrenatural, la otra dimensión. El protagonista siente la presencia de alienígenas. Un experto intenta comunicarse con estos seres mediante la música, una serie de notas musicales. Por otro lado, resulta significativa la escena en la cual el niño juega con unos trenes eléctricos que los hace chocar, aquí recuerda Spielberg a su niñez y se proporciona un autohomenaje.

El responsable de los efectos especiales es Douglas Trumbult. Entre algunos de estos efectos se puede comentar: las nubes del cielo realizadas a base de agua dulce y salada, con pintura blanca y permaneciendo en el aire.

Este perfil de niño que trata con ovnis se ve en otras de sus películas, como por ejemplo “ET el extraterrestre”, que es más infantil, tiene diálogos simples y no comunica nada, solo se trata de un extraterrestre que se ha perdido en la tierra y desea volver a su planeta. En cierta medida, apreciamos dos mundos: el infantil y el adulto. El extraterrestre fue un diseño de Carlo Rambaldi, quien se inspiró en los rostros de Albert Einstein, Carl Sandburg y Ernest Hemingway. En este caso, Spielberg decidió rodar toda la película de forma cronológica, incluidos los planos de cada secuencia, prescindiendo de story-boards e improvisando mucho, logrando naturalidad y verosimilitud. Además, consiguió terminar la película con varios días de antelación respecto al plan de producción. El director cuidó cada detalle al máximo para lograr dar privacidad, intimidad y espontaneidad a los niños. Se presentan también aquí atmósferas nublosas que resultan inquietantes.

Por otro lado, podemos citar “La lista de Schindler”, una película mucho más seria, con una temática conmovedora, que intenta reflejar unos hechos que sucedieron en la historia de la humanidad. Se retrata al ejército nazi, los soldados actúan con extrema crueldad en el escenario del holocausto judío. En este caso, Spielberg rodó con la cámara en mano. Cabe destacar que este caso se trata de un filme en blanco y negro con momentos en color. Un momento dramático a color lo encontramos en una escena en la cual aparece una niña con una chaqueta roja, chaqueta que luego aparecerá tirada. Para esta película, construye una réplica de un campo de concentración. Conviene poner de relevancia que con esta película Spielberg renunció a cualquier derecho económico y lo donó a asociaciones que se dedican a dar dignidad a las víctimas del holocausto nazi.

En el caso de “Indiana Jones, en busca del arca perdida”, encontramos primeros planos y planos medios para la presentación de diálogos, claroscuros, travellings, panorámicas y planos largos para describir lugares. El montaje tiene cortes rápidos para dar sensación de dinamismo. Esta película fue rechazada por diversas distribuidoras, ya que sus ejecutivos consideraban que el argumento era demasiado extravagante y era muy costosa para producirla. No obstante, Paramount Pictures decidiría financiar el filme. Debido a las altas temperaturas y al riesgo de contracción de enfermedades, el rodaje en el lugar resultó una experiencia severa. Varios actores y personal técnico se enfermaron, aunque Spielberg fue uno de los pocos que se mantuvieron sanos.

“El color púrpura” se trata de una película basada en una novela de Alice Walker. Es una película más intimista y presenta una perspectiva más madura. Cuenta la vida de una mujer de color que sufrió abusos durante su infancia por parte de su padrastro, con el que tiene 2 niños, fruto de estas violaciones. Esta señora, encarnada por la actriz Whoopi Goldberg, mantiene una actitud pasiva, resignada y sumisa, como consecuencia de su infancia y adolescencia. Así pues, aborda la problemática de la religión, el racismo, la violencia de género, la muerte y la esclavitud. El género masculino de esta  película se asocia al sufrimiento y al dolor de la mujer. Se muestran entornos naturales que contrastan con la violencia que llevan a cabo diferentes personajes.

En “Salvar al soldado Ryan” encontramos una película bélica que retrata a las minorías. Fue Kaminski quien realiza la fotografía y ganó el Óscar a la mejor fotografía. En los primeros planos y planos detalle se aprecia el sentimiento y el miedo de cada uno de los personajes. Se aprecia un cambio en la intensidad de la luz y resultan significativas las siluetas casi negras. Resultan perturbantes los sonidos y ruidos procedentes de tanques, gritos, disparos, lluvia. Además, el montaje tiene una estructura clásica, con transiciones entre batalla y batalla. Otros temas que se aprecian son la religión, el dolor, el miedo, la lealtad, el patriotismo, la humanidad. Y todo ello da como resultado una critica hacia la guerra, denunciando la crueldad de este escenario bélico.

Podemos comparar a Spielberg con Shyamalan. Uno de los motivos visuales más usuales en las obras de ambos es el plano que muestra a sus protagonistas mirando al cielo, lo que provoca un inmediato efecto metafórico en la imagen de sus espectadores, que observan la pantalla con la misma expectación que los héroes del filme. Ambos quieren devolver el cine a sus procedimientos narrativos clásicos de la industria de Hollywood. Por su parte, Shyamalan se inclinó por las películas con contenido sobrenatural, como Spielberg y no por las comedias románticas como otros directores americanos. A la película “Señales”, de Shyamalan algunos críticos le encuentran parentesco con “Encuentros en la tercera fase” de Spielberg, pero es precisamente en la creación del misterio, la revisión de los mitos y la presentación de los extraterrestres donde Spielberg logra un éxito rotundo y sin embargo Shyamalan fracasa.

 

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía influye en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección, comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo.

Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.  En concreto, como actor realiza dos tipos de papeles, hace de intelectual o de retrasado. Se considera miembro del grupo de intelectuales de izquierdas. Intenta escribir la realidad como la percibe, de la misma forma como si estuviera describiendo a una familia de judíos, como en la que se educó, con sus defectos y sus virtudes.

Su estilo puede dividirse en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos filmes como “Toma el dinero y corre”, en la que hace el papel de un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charles Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, en la que recibe influencias de Fellini y muestra gags independientes.

-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, que presenta un personaje débil y perdedor, descrito como intelectual. Por este filme recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo. “Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, sino que oimos planos de susurros y gritos. Se aprecia la influencia de Bergman, en concreto de “Mitos y susurros”, por el tema de la muerte y la incomunicación humana. Presenta largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturaleza muerta, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Aborda la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película proviene de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista con rasgos de neurosis y dominancia. Recibe también influencia de grandes filósofos como Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). Otras de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini. Director que le influye también en “Comedia sexual de una noche de verano”, “Septiembre” y “Días de radio”.

-En la etapa manierista recibe influencias de Hitchcock, como en “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini. Otros filmes de esta etapa son: “Sombras y niebla”,  “Maridos y mujeres”, “Misterioso asesinato en Manhattan”, “Balas sobre Broadway”,  “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, “Desmontando a Harry” y “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental.

-De su etapa de madurez tenemos producciones como “Granujas de medio pelo”, en la cual vemos que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop” y “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, utiliza un estilo irónico, presenta temas como la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, el machismo y la adopción. Tiene escenas largas en la que presenta largos planos-secuencia, panorámicas.
En “Scoop” tenemos una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística. Presenta planos-secuencia en los cuales integra a personajes que hablan fuera del encuadre, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información.

“Zelig” es una sátira que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. Realmente no tiene personalidad propia. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático.

“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa exclusivamente cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste el plan. Observamos que se utiliza la música de suspense, se manejan silencios, recursos que dan ritmo a la obra. Muestra una atmósfera expresionista, rodeada de oscuridad, claroscuros, callejones escasamente iluminados, planos-secuencia y planos circulares, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista.

“Match Point” se puede describir como un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utiliza música clásica.

“El dormilón” está construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Se trata de película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos son intimistas y hacen reflexionar.

Respecto a los créditos de sus películas, cabe destacar que utiliza la tipografía Windsor Light condesed.