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Las brujas de Zugarramurdi (Álex de la Iglesia, 2013)

Las Brujas de Zugarramurdi es una película dirigida por Álex de la Iglesia en el año 2013. Ganadora de varios goyas, entre los que se encuentran:
Mejor montaje
Mejor sonido
Mejor diseño de vestuario
Mejor efectos especiales
Mejor maquillaje y peluquería

A continuación nombramos algunos componentes de la ficha artística:
Hugo Silva: José Fernández Cuesta
Mario Casas: Tony
Gabriel Delgado: Sergio Fernández
Jaime Ordóñez: Manuel Sánchez García
Macarena Gómez: Silvia
Carmen Maura: Graciana Barrenetxea
Terele Pávez: Maritxu
Carolina Bang: Eva
Manuel Tallafé: El hombre de Badajoz
Itziar Castro: Diosa Madre
De esta película se van a comentar diferentes aspectos, entre los que se encuentran la mujer como centro del universo, encarnada por Venus de Wilendorf, el niño como instrumento de manipulación de ciertos intereses personales de los adultos, Dios y el ojo simbolizado por las nuevas tecnologías.
Lo interesante y característico de esta producción es el estilo del director, humor negro, comedia y un poco de miedo al mismo tiempo, que suscitan ansiedad en conocer qué va a ser lo siguiente con lo que nos va a sorprender y cómo se resolverá la historia, que comienza con unas mujeres echándose unas cartas, prediciendo qué va a ocurrir mientras hacen una pócima.

En la sucesión de los créditos observamos brujas, personajes sin rostro, dioses, dragones…, y la Venus de Wilendorf, sin rostro, será importante en la historia, dado que será utilizada como la diosa de las brujas y aparecerá en grandes dimensiones en la escena final. La mujer como la poderosa que todo lo podrá en el futuro, frente al machismo de los hombres.

Un grupo de trabajadores mimos de la calle, entre los que se encuentra José, se ponen de acuerdo para robar en un establecimiento de “compro oro” acompañado además de su hijo. Escapan y asaltan un taxi, estando de servicio hacia Badajoz con un cliente. La policía y la guardia civil los persiguen. El taxista consigue despistarlos por otro camino. Llegan a un bar de carretera a comer algo. La mujer que los atiende será quien, al seguir su camino con el coche, se encuentran por la carretera y atropellan, por lo que se sorprenden cómo los ha podido adelantar, y según el niño se irá volando.
El taxista se resiste a entrar en Zugarramurdi, por el pánico que le produce recordar los aquelarres del pasado. Al entrar al pueblo, se encuentran a una señora, que está buscando a su anciana madre. La suben en el coche para acompañarla a su casa. Al llegar, José y su amigo se distraen con la hija mayor, Eva. Sin embargo, recorriendo la casa, descubren que la anciana madre Maritxu, está apunto de quemar vivo al pequeño Sergio. Salen de la casa y más adelante descubren que se han dejado la bolsa de los anillos de oro en la casa, y vuelven. Entran en la casa, pero ya no pueden escapar y son atados a las sillas del salón, donde las brujas van a celebrar una fiesta. La madre de Sergio descubre que su hijo ha participado junto a su padre en un robo y echa a correr en el coche, mientras va observando en su teléfono el punto exacto en el que se va encontrando. Mientras, los inspectores de policía van tras ella. El chico consigue escapar y llegar al campo, pero no es visto ni por su madre ni por los inspectores de policía. La anciana madre lo encuentra y lo mete en el coche.

Al llegar a la mansión, Silvia observa que son esos señores quienes tienen a su hijo, y ella junto a los inspectores de policía, se introducen en la vivienda por una puerta secreta y recorren un pasillo del techo, que se rompe y caen en el salón, mientras todas están cenando. Todos corren intentando escapar. La madre se unirá a las brujas. Tras esto, el niño será sacrificado para descubrir si es el elegido. Organizan un akelarre, y la gran Diosa mujer introducirá en su boca al pequeño, que sobrevivirá siendo expulsado por el recto. El taxista, el padre del chico y su amigo, los inspectores, serán atados con cuerdas en cruces de madera. Eva defraudará a su madre porque se enamorará de José y tratará de ayudarlo para que la Diosa madre no lo atrape.
Tras el akelarre y sacrificio, todos echan a correr. Se hace la luz del día, llegan a la ciudad. Sergio participa en un teatro haciendo magia junto a una chica. Se han hecho millonarios.

Podemos observar que el pequeño está bajando por las escaleras a hombros del ser que lo entregará a su madre, y multitud de personas van tras él, portando traje de nazareno. Momento, que podría tratarse de una comparación con la semana santa, cuando los fieles van detrás del paso, con la cara oculta con un capirote, en la oscuridad de la noche.
Es al niño al que vamos a otorgarle mayor importancia. Haciendo un recorrido por sus actitudes, comportamientos, a lo largo de la película. Podemos percibir que es utilizado para chantajear a su pareja, que lo va a dejar de ver si no le pasa la manutención, pero no tiene dinero. El padre utilizará a su hijo para robar en el establecimiento, mientras dice “yo por mi hijo hago lo que sea”. Percibimos que el padre quiere a su hijo, pero la necesidad provoca que lo utilice como medio para cumplir un fin delictivo. Además de esto, lo pone en la tesitura de elegir si quiere estar con su padre o con su madre. En este sentido, un padre, inconscientemente, está haciendo daño a su hijo, ya que su educación necesita las dos partes, aunque estén separados, pero sin provocar odio en el otro.
Más adelante, cuando paran en el bar de carretera, el niño pregunta a su padre si puede salir fuera y su padre le responde que no. Sin embargo, no hace caso y sale. Por lo que, nos damos cuenta que el niño es inteligente y hace caso a su padre cuando quiere. Para robar en el establecimiento, sí. Para quedarse en el interior del bar, no. Más adelante, será utilizado por la bruja anciana, pretende quemarlo vivo en el horno.

Obedece a su padre para escapar de la casa de las brujas, llega al campo, y tanto su madre como los inspectores de policía, en sus respectivos coches, lo ignoran. Lo buscan, lo tienen delante y no lo ven ni le hacen caso. Este aspecto puede tener otra explicación, como es la de que muchos niños reclaman a sus madres, pero por diferentes circunstancias de su vida no le prestan la suficiente atención.  Al final, participa junto a otra niña en un truco de magia. Lo que puede interpretarse como que, además de ser utilizado como medio para cumplir un fin delictivo, instrumento de manipulación, sometido a chantages, padeciendo sacrificios en su alrededor,  es empleado como objeto de entretenimiento y espectáculo de masas.
Además de este niño, está el joven que creció encerrado en una zona subterránea de la casa, Luismi. Tal vez por ser hombre, lo hayan tenido prisionero, como comparación de los años en los que la mujer lo estuvo del hombre. Cuando la hermana, encadenada, cae a la zona en la que Luismi y José corren, Eva le grita que la ayude y le pregunta “quién te quiere más que yo”. Es lo que algunos padres tienden a decir, “haz esto porque ¿quién te quiere más que yo?”, llegando así al chantaje para la manipulación de los débiles. Esta manipulación de los débiles es la que suelen hacen muchos políticos últimamente, para imponernos sus criterios personales e ideológicos y tenernos controlados en todos los sentidos que puedan.
También, observamos que dos homosexuales se declaran su amor en la cruz. Esto podría tener explicación. En principio, la Biblia, en la que Dios nos dijo “amaos como yo os he amado”, y murió en la cruz por su palabra y por liberarnos, pero ciertos sectores de la iglesia tergiversan el mensaje de Dios, oponiéndose a la unión homosexual. De esta manera, la sociedad culpa a los homosexuales y les someten a la humillación.

Entre otro de los aspectos, tenemos a Dios, que es representado en ocasiones con un ojo. Este ojo es el que observamos que ve a quienes entran al baño de la carretera. Viniendo a significar que somos observados en todas los momentos de nuestras vidas. Desde lo más público a lo más privado e íntimo. El teléfono simboliza las nuevas tecnologías, la madre contacta con su hijo a través del móvil, lo localiza geográficamente. Es un ojo que nos ve. Y estas nuevas tecnologías forman parte de esta observación permanente a la que estamos sometidos.
En otro orden de cosas, analizando algunos diálogos de la película, los podríamos extrapolar al contexto socio-político en que nos encontramos actualmente en nuestro país. Contexto caracterizado por la corrupción, malversación de fondos públicos, cohecho, falta de transparencia en el gasto público de las instituciones públicas, fraude fiscal… Partiendo de esto, observamos sentadas en los últimos asientos del teatro, Silvia, la madre, junto a las dos brujas Maritxu y Graciana, pronuncian estas palabras: “Mírales la familia feliz. Tienen dinero, coche, adosado, perro, jardín. Y todo eso, les destruirá poco a poco. Y cuando la felicidad no les deje ni respirar, volverán con nosotras”. Estas palabras podrían ser relacionadas con la política desde diferentes perspectivas.

-Por un lado, las brujas podrían encarnar la opinión de los políticos, que piensan que mientras algunos trabajadores consiguieron dinero hace años, con la burbuja inmobiliaria, ahora, en estos años que llevamos de crisis económica, lo han perdido todo por no poder soportar sus hipotecas. Tanta felicidad, procedente de coches, adosados…, los ha destruido, y como en estos momentos los trabajadores se quedaron sin nada, de esta forma “están yendo a ellas”. A suplicar caridad, comida, ropa, o hacer lo que sea por un trabajo. Reiterando, lo han tenido todo, ahora no tienen nada, con lo cual “son capaces de lo que sea, por necesidad, con tal de tener lo mismo que les hizo felices en aquellos años”. Capaces de traicionar sus principios, dignidad y derechos, por un puesto de trabajo. Por tanto, se deben aprovechar de eso para que cuando se queden de nuevo sin nada, puedan “volver con nosotras”. De esta forma, y aclarando un poco la postura, la idea es que al igual que antes fueron a ellas “por necesidad”, luego vuelvan de nuevo “por agradecimiento”.
-Ahora bien, también podríamos interpretarlo mediante otro punto de vista. Las brujas podrían encarnar la postura de la gente de a pie. La gente que da valor a temas como lo trascendental, espiritual, dignidad, derechos…, y no tanto al dinero. Por lo que, aquellos que tienen dinero, millones, como esos políticos que defraudan y malversan dinero público, se asignan sus sueldos, no cuentan con los trabajadores para nada, viven en su mundo de lujos, chalets… y cuando la felicidad se les termine a los cuatro años de mandato, de haber hecho y deshecho a su antojo, “volverán con ellas”, es decir, con los trabajadores, a pedirles el voto, para poder seguir viviendo en su mundo de lujos.
Para finalizar, aunque hayamos extraído ciertas simbologías, representaciones, comparaciones…, lo principal que me gustaría mover con todo esto es una reflexión personal sobre lo que la sociedad (donde enmarcamos a políticos, entornos, familias…) está haciendo con esas criaturas del mañana, es decir, los niños.

La ficha técnica ha sido extraida de wikipedia.

Juramento Hipocrático en el cine

A propósito de los actuales recortes en Sanidad, os adjunto esta miniserie, en la que podemos apreciar una visión particular acerca del Juramento Hipocratico de los profesionales de la salud. Espero que os guste y haga reflexionar.

Juramento hipocrático

Además, de esta temática tenemos otras películas, como por ejemplo, Camino (Javier Fesser, 2008), donde se reflexiona acerca del papel de los profesionales de la salud, y nos podemos plantear varias cuestiones. ¿Hasta qué punto un médico, habiendo realizado su Juramento Hipocrático, debe consentir que una persona sufra por amor a Dios? ¿debe respetar la vida o la dignidad humana?
Aparte de los sanitarios, la familia y los clérigos son condicionantes para un enfermo a la hora de decidir la voluntad de Dios, pero ¿hasta qué punto se ignora la voluntad y dignidad de un ser humano para imponerle que, si no sufre ni aguanta el dolor, sin quejarse, vivirá en paz eternamente cuando vaya al cielo? Os paso un enlace con un trozo de la película en la que los sanitarios están presenciado la muerte de la protagonista. Tal vez, sea una forma de no ver la muerte con miedo, pero la vida se hace más pesada al tener que seguir la voluntad de otros.

Yo voy soñando caminos, Antonio Machado.

Os dejo este video, sobre Antonio Machado, a los 75 años de su muerte. Espero que os guste, si no lo habeis visto ya.
Por recordar algunas de sus frases sobre el conocimiento, tenemos:
«Nuestras horas son minutos cuando esperamos saber, y siglos cuando sabemos lo que se puede aprender».
“Aprende a dudar y acabarás dudando de tu propia duda; de este modo premia Dios al escéptico y al creyente”.
Y otra que dedica al cine: «El cine, ese invento del demonio».

http://www.rtve.es/m/alacarta/videos/cronicas/cronicas-antonio-machado-yo-voy-sonando-caminos/2396207/?media=tve

Reflexiones de Blade runner, Ridley Scott

Ridley Scott se basa en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, para llevar a cabo su película Blade Runner, estrenada en el año 1982. Obra precursora del estilo cyberpunk y que ha servido de inspiración a otras como El quinto elemento (Luc Besson, 1997) o Matrix (Larry y Andy Wachowski, 1999), entre otras producciones cinematográficas.
La historia transcurre en noviembre del año 2019, en Los Ángeles, ciudad convertida en una sociedad distópica1. Nos encontramos con grandes avances tecnológicos al mismo tiempo que gran decadencia urbana. Un progreso en ruinas, como calles saturadas y aglomeradas, mercados callejeros, basura… Escenarios donde conviven diferentes culturas y estilos artísticos de diferentes épocas, como columnas griegas, pirámides egipcias, que se intercalan con pantallas de anuncios publicitarios de grandes empresas como Coca Cola. Animales domesticados y otros salvajes conviven entre la población.
La trama parte de los Replicantes Nexus 6, que fueron creados con el objetivo de ser esclavizados para realizar peligrosos trabajos en el espacio exterior, siendo declarados ilegales en la Tierra. Creados genéticamente iguales que los seres humanos, por el magnate científico Tyrell, pero dotados de más fuerza y flexibilidad. Con la diferencia de carecer de respuestas emocionales y sentimientos. Escapan y vuelven a la Tierra para hacer preguntas a su creador además de intentar prologar su existencia. Pero, Rick Deckard (Harrison Ford), antiguo policía que formó parte de la persecución de estos replicantes en su pasado, es requerido nuevamente para buscarlos y eliminarlos.
Cuestión interesante y recurrente en esta historia es el tema de los ojos y referencias al acto de mirar. La importancia de los ojos y las miradas está marcada además por las veces que se refieren a ellos. Ojos como instrumentos que almacenan la realidad que percibimos. Nos lo presentan en diferentes situaciones: los ojos de los replicantes cuando se someten al test; los ojos del búho de la casa de Rachel; ojo de la puerta del local donde entran los replicantes, donde el trabajador les manifiesta que es ilegal entrar, ojos con los que el replicante juega.
Imagen 1c. Ojos

Imagen 2. Ojos búho.

Imagen 1a. Ojos.

Imagen 1b. Ojos

También tenemos las conversaciones en las que se habla de los ojos, como el momento en que Roy dice a Deckard: “He visto cosas que vosotros no creeríais. Atacar naves en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser…”. O cuando Roy dice a Chew: «Si pudieses ver lo que hago con tus ojos…».
Ojos que miran tanto a los demás personajes, como a los espectadores, lo que hace que nos inquietemos, ya que el ser humano a veces siente una especie vergüenza a ser observado en ciertas ocasiones de su vida cotidiana.
Una voz, que proviene de un aparato volador con publicidad en su lateral, nos habla sobre “una tierra de nuevas oportunidades y aventuras, un nuevo clima…”.

Imagen 3. Aparato volador

Estas palabras pueden entenderse como nuevos acontecimientos que van a producirse en la tierra, quizás el calentamiento global que actualmente se ha producido. Aunque también, la oportunidad que está produciéndose en el ámbito de las nuevas tecnologías. Y que, ciertamente, podemos comprobar que se ha originado con la llegada de ordenadores portátiles, smartphone, tablet, Iphone, Domótica, Robótica, TDT y nuevos medios.
Esta voz informa a los habitantes de esta ciudad, podríamos considerar que se puede tratar de un Dios, que controla todo lo que ocurre en la ciudad. O quizás un nuevo medio de comunicación que informa a los ciudadanos desde arriba.
Hacia el final, el policía va detrás del replicante por todo el edificio, intentando deshacerse de él.
Hace referencia al tema de las religiones con la presencia de los seguidores de Hare Krishna paseando por las calles con sus característicos trajes naranja. Además de, fundamentalmente, el Dios creador que les dio la existencia a los replicantes.

Imagen 4. Hare Krishna.

Al llegar a la azotea para huir, salta de un edificio a otro. Debido a la lluvia, se resbala, se sujeta, temiendo caer al vacío. El otro salta igualmente, pero no cae. Le pregunta: ¿es toda una experiencia vivir con miedo, verdad? Eso es lo que significa ser esclavo.
Durante un momento, podemos pensar que, por sus rasgos de agresividad en el rostro, va a empujarlo o pisarle la mano para que caiga. Sin embargo, lo coge y lo salva. Se apiada de él, aunque podemos percibir su miedo en el rostro ¿Cómo es posible que sienta pena por él si los replicantes fueron creados para no responder emocionalmente?

Imagen 5. El androide salva al policía.

Tal vez por la filosofía de Nietzsche cuando habla de la muerte de Dios. Al asesinar a su creador, se ha sensibilizado con la sociedad y poco después morirá.
Después de salvarlo, Roy baja la cabeza mientras el ex policía reflexiona sobre la existencia humana. Mantiene un conflicto de identidad y se pregunta cuestiones que los seres humanos también nos hacemos: “No sé por qué me salvó la vida. Quizás en esos últimos momentos amaba la vida más de lo que la había amado nunca. No solo su vida, la vida de todos. Mi vida. Todo lo que él quería era las mismas respuestas que todos buscamos ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy? ¿Cuánto tiempo me queda? Todo lo que yo podía hacer era sentarme allí y verlo morir”. Mostrando resignación. Este momento se puede comparar con el que muchas personas sienten cuando alguien cercano se está muriendo y como humanos somos incapaces de hacer nada para salvarlo, solo rogar a algún Dios o filosofía, que no sufra durante el tiempo que permanezca en la tierra, y que descanse en paz cuando cierre sus ojos.

1. La distopía nos muestra una sociedad ficticia, fruto de tendencias sociales actuales, que nos derivan a situaciones indeseables.
2. Los fotogramas han sido extraídos de la película mediante el programa Media Player Classic – Home Cinema.

Referencias bibliográficas:
Flores Auñón, J.C. El cine, otro medio didáctico. Madrid, Escuela Española.
Vera Nicolás, P. (2009). El cine en la educación de los españoles. Madrid, Uned.

Medios electrónicos
Blade Runner. 30th Anniversary. Enlace: http://bladerunnerthemovie.warnerbros.com/ [Consulta: 28-04-2013]
Glosario de ciencia ficción. Enlace: http://www.ciencia-ficcion.com/ [Consulta: 28/04/2013]
Junta de Andalucía. Las preguntas de Blade Runner. Enlace: http://www.juntadeandalucia.es/averroes/iesaverroes/webquest/Blade%20Runner/Web.htm [Consulta: 27-04-2013]
Miradas de cine: http://www.miradas.net [Consulta: 28/04/2013]

El tiempo en El Sur (Víctor Erice, 1983).

La historia que nos cuenta esta película nos sitúa en el contexto de la posguerra en España. Por la información que nos proporciona la protagonista, sabemos que la historia se desarrolla en el norte de país, donde su padre encuentra trabajo. Como vemos en las imágenes, el temporal característico de esta zona del país es nublado, apagado, árboles secos, con nieve en invierno.
La estructura narrativa de la historia presenta montaje elíptico. Este tipo de montaje basado en las elipsis, consiste en contar determinados acontecimientos y omitir otros que se consideran no importantes o irrelevantes para la historia que se nos presenta.
La historia empieza por el final, por lo que la narración de los sucesos no sigue un orden cronológico. Se producen alteraciones en el orden en que se cuentan los acontecimientos, puesto que oímos a Estrella hablando con voz adulta, mientras que la primera imagen que tenemos de ella es siendo una adolescente tumbada en la cama. Lo que quiere decir que la historia ya ha sido vivida, Estrella ya ha madurado y nos reconstruye sus vivencias o sueños de su pasado como un diario, conforme le van viniendo a la mente, mediante una narración de fragmentos, en los que vemos a esa Estrella niña, inocente, a veces traviesa… El ritmo narrativo se caracteriza por cierta lentitud en algunos momentos. Hay cortes entre algunos fragmentos que terminan con fundidos en negro.
Estrella narra los recuerdos que tiene de su infancia, centrándose en lo poco que conocía el pasado de su padre, sus inquietudes por conocer y aprender los poderes que éste poseía. Cuenta que su familia viajaba de un sitio a otro, mientras su padre Agustín, médico, estaba en proceso de encontrar un mejor trabajo, que encontrará por el norte, donde vivirán en La Gaviota. Su madre le daba clases en casa, pasaba con ella los días enteros. Agustín cuenta con unos poderes, que intentará mostrar a su hija, enseñándola a utilizar el péndulo. El péndulo hace referencia al tiempo, como objeto para adivinar el futuro.
De su adolescencia, la joven cuenta que su padre la invita a comer e intenta recuperar la relación con ella. Allí, Estrella le pregunta por Irene Ríos, de quien vio una imagen en su cajón, pero él no le cuenta la verdad. En otro salón del hotel donde cenan, se está celebrando una boda y suena el mismo pasodoble que bailaron en su primera comunión. Agustín le recuerda el pasodoble, pero Estrella no muestra ilusión. Se va y deja a su padre solo y desolado en la mesa. Después del reencuentro entre ambos, Agustín se suicida y, entre sus objetos, Estrella encuentra dentro de su cartera el recibo de una conferencia telefónica realizada al Sur la misma noche de su muerte. Estrella enferma unos días. Más tarde, cree conveniente un cambio de aires, hace sus maletas y se decide emprender un viaje al Sur, la tierra de su padre que nunca ha visto y donde tal vez pueda conocer información sobre su pasado.
El Sur, como punto geográfico, al no ser filmado, adquiere una simbología diferente en función del personaje. Para Estrella es un lugar maravilloso, como ve en las postales, con buen tiempo, un mundo por conocer en el futuro. Pero, para su padre, el Sur representa el pasado, un pasado oculto al que no quiere regresar y del que tuvo que exiliarse. Vemos otros elementos que nos proporcionan información sobre el tiempo, como es la veleta de La Gaviota, nombre de la casa donde viven, como símbolo de la libertad añorada; el péndulo, objeto que predice el futuro moviéndose en círculos; los viajes en tren de un sitio a otro, como paso del tiempo; las barbas de Agustín, como signo de vejez, paso de la vida. La evolución física y psicológica del personaje principal como es Estrella, marca el transcurso de la vida. El paso de la infancia a la adolescencia se representa con una elipsis temporal, en el momento en que Estrella conduce su bicicleta por un camino, y vuelve siendo adolescente. Vemos que la bicicleta ha cambiado, de una más pequeña a otra más grande, el perro que le ladra ha crecido.
Podríamos considerar varios los exilios de esta narración:
Por un lado, un exilio exterior, provocado por el contexto socio-histórico posterior a la Guerra Civil Española. Los vencidos se ven obligados a trasladarse de un lado a otro, como cuenta Estrella, mientras viaja con sus padres hasta encontrar un trabajo estable para su padre y un lugar donde poder quedarse. Tenemos otro exilio, un exilio interior, marcado por la ruptura familiar y social que sufren los personajes de diferente manera. Todos con puntos en común, como es la tristeza, soledad y la nostalgia provocadas por la Guerra Civil Española.

Referencias bibliográficas:
CARMONA, R. Cómo se comenta un texto fílmico. Cátedra, Madrid, 1996.
BORDWELL, D., y THOMPSON K. El arte cinematográfico. Paidós Ibérica, Barcelona, 1995.
Revista Encadena2. El Sur: un espacio invisible. Enlace: http://www.encadenados.org/nou/todo-lo-demas/el-sur-victor-erice-1983 [Fecha de consulta: 30 marzo 2013].
Revista Cinecritic. GARCIA CUETO, P. Víctor Erice: Una poética del silencio en el cine,http://www.cinecritic.biz/es/index.php?option=com_content&view=article&id=377 [Fecha de consulta: 1 abril 2013].

Las ventajas de ser un marginado

La historia de la novela se desarrolla en forma de cartas escritas por Charlie a un amigo anónimo. Dirigida por Steven Schobsky.
Charlie, un chaval de 15 años, va a comenzar el primer año en la preparatoria. Su amigo Michael se suicidó un mes antes de comenzar la historia. El joven comienza a escribir cartas a un “amigo” anónimo. Charlie no encuentra apoyo en sus padres ni hermanos porque no se considera entendido, y lamenta que la persona de la que ha recibido apoyo ha sido su tía Helen, que murió en un accidente de coche en su noveno cumpleaños, aunque más adelante recordará que las cosas que le hacía su tía habían formado parte de abusos.
Cuando comienza a asistir a la preparatoria, Charlie hace nuevos amigos, Sam y Patrick, ambos estudiantes del último año. El joven Charlie comienza a sentir algo por Sam, pero cree que no tiene ninguna oportunidad con ella. Ambos nuevos amigos lo introducen en nuevas experiencias y círculos de amigos.
Charlie le cuenta a su “amigo” anónimo sus nuevas experiencias, amigos, fiestas… y su participación a una obra de teatro llamada The Rocky Horror Picture Show. Tiene su primera cita y prueba varias drogas, como el LSD. Posteriormente fue encontrado por la policía drogado y sobre la nieve.
Su profesor de Literatura adquiere un papel importante en su vida. Le proporciona libros y lo anima a escribir ensayos. Bill, su profesor, hace críticas sobre sus ensayos, para que mejore en su escritura.
Aunque tenga sentimientos hacia Sam, comienza a salir con Mary Elizabeth, quien lo acompaña al evento escolar Sadie Hawkins, un baile al que las estudiantes invitan a los chicos.
En otra fiesta, durante un juego de verdad o reto, Patrick reta a Charlie a besar a la chica más bonita, y Charlie besa a Sam, haciendo sentir mal a Mary Elizabeth y terminando así su noviazgo. Sam se comienza a salir con otro chico, Craig, aunque Charlie se entera que le es infiel a la chica en varias ocasiones y se lo hace saber.
Después de la graduación, Charlie lamenta que Sam se irá pronto para asistir a la Universidad, mientras él aún tiene que superar tres años para terminar la preparatoria. La semana antes de su partida, Sam organiza una salida con sus amigos, e invita a bailar a Charlie.
La noche antes de la partida de Sam, Charlie la ayuda a hacer el equipaje, que se siente incómodo cuando Sam le toca la entrepierna y confiesa que aún no está listo para tener relaciones. Esa noche el chico sueña con su tía Helen y ella lo estaba tocando igual que Sam. Las cosas que la tía Helen le hacía en el sueño, resultaron ser ciertas, se las hacia a cuando éste era pequeño.
El recordar que su tía abusara de él, había hecho que Charlie sufriera una crisis nerviosa y fuera hospitalizado. En su carta final, Charlie se despide con esperanza. Aunque no haya escogido su procedencia, sí pudo elegir hacia dónde quiere encaminar en su futuro. Una vez salido del hospital, se reunió con Patrick y Sam para dar un paseo y condujeron un coche hasta el túnel de la ciudad.
Lo que me resulta relevante de esta historia es la voz interior del protagonista, que va hablando y apelando a la reflexión del espectador en cada momento.
El final coincide con el principio. Por tanto, según el apartado del tiempo cinematográfico del método de Francesco Casetti y Federico Di Chio, podemos hablar de que se trata de un tiempo circular, dado que podemos observar las mismas imágenes: el recorrido en el coche a lo largo del túnel. El final resulta ser idéntico al principio.
Subo dos imágenes para contrastar las similitudes de ambas partes.

a. las ventajas de ser un marginado [spanish] br-screener xvid dtl].avi_snapshot_00.01.06_[2014.01.20_13.24.19] Imagen del principio

b. las ventajas de ser un marginado [spanish] br-screener xvid dtl].avi_snapshot_01.38.29_[2014.01.20_13.27.04] Imagen del final

Finalmente, también cuelgo un enlace del tráiler de la película en el que se presenta a los protagonistas.

Reseña de Posesión Infernal

Dirigida por Federico Álvarez. Remake de una versión del año 1981, de Sam Raimi, que nos lleva a una cabaña de madera perdida en un bosque. Cabaña a la que acudirá un grupo de cinco amigos a pasar unos días. Dos de los jóvenes son hermanos que intentarán retomar su relación tras la pérdida de su madre, que murió en un psiquiátrico con la pena de no haber recibido la visita de hijo. Se arrepiente, pero Mia se encargará de reprochárselo.
La historia se centra en la hermana, Mia, que tuvo problemas con las drogas y sus amigos la llevan a la cabaña para mantenerla aislada y ayudarla a rehabilitarse. Pero al llegar, se quejará de un mal olor proveniente de una puerta oculta en el suelo, donde descubrirán una serie de animales muertos. Además, sufrirá una serie de confusiones La joven rogará que la saquen del lugar y tras la negativa del grupo, cogerá el coche y huirá, pero un accidente con el coche hace que caiga al río y le suceda algo que hará que actué de forma distinta.
Los demás pensarán que se trata de alucinaciones causadas por la abstinencia. Sin embargo, lo sucedido no tiene que ver con su adicción a las drogas, sino con la visita de uno de los jóvenes al desván, donde tendrá entre sus manos El Libro de los Muertos. Libro que se arrepentirá de haber encontrado y que tras pronunciar algunas palabras en voz alta, invocará a espíritus demoníacos ocultos en el bosque, que se irán apropiando de sus almas, comenzando por Mia y continuando por cada uno de ellos, haciendo que actúen de forma terrorífica, con algunos puntos irónicos.
Durante una ducha, la joven sufrirá una serie de quemaduras y su hermano intentará llevarla al hospital, pero el río estará desbordado y no podrá salir del lugar, por lo que deben volver a la cabaña e intentará curarla. Pero lo que está en su interior es tan fuerte que consigue estar despierta aún con haberle puesto un sedante que dejaría dormido a un animal salvaje. Habrá pocos supervivientes, y tal como dice el libro, al conseguir las cinco almas, el cielo se volverá infierno y lloverá sangre.
Entre las espeluznantes escenas llenas de sangre, tal tortura sádica, acompañada de esos movimientos de cámara que marean, el público terminará agotado y nervioso. Una experiencia aterradora.

Os pongo un enlace con el tráiler para recordar algunas imágenes de la película:

Adaptación de La niebla, Stephen King

Obra adaptada y dirigida por Frank Darabont en el año 2007. Basada en “La niebla”, novela corta de Stephen King de 1983. No confundir con “The fog”, también llamada “La niebla” pero dirigida por John Carpenter en el año 1980, pero con distinto argumento.
El director cuenta con un equipo de actores principales formado por: Thomas Jane, Marcia Gay Harden, Laurie Holden, Sam Witwer, Toby Jones y Andre Braugher. Darabont empezó a rodar la película en Shreveport, Louisiana en febrero de 2007. El director modificó el final de la película para lograr más oscuridad en comparación con el final de la novela. Cambio llevado a cabo con el acuerdo del escritor.
El trasfondo principal de esta historia es que una serie de científicos y militares pretendían ver cómo es la vida en otros mundos llevando a cabo un proyecto, y para ello crean una especie de ventana, pero estas criaturas de la otra dimensión cruzan el portal e invaden la Tierra.
Entre la novela y la película se pueden apreciar algunas diferentes y similitudes. La diferencia principal tiene que ver, como se mencionó anteriormente, con el final de la película. King elaboró un final abierto para que fuese el lector quien imaginase cómo termina la historia, pero Darabont prefirió concebir un final cerrado. Además, vemos cambios en los diálogos, algunos son algo parecidos a los de la novela, otros son distintos. Los hechos del supermercado varían, el personaje David Drayton tiene una relación sexual con Amanda Dumfries en la novela, pero el director no quiso representar esta experiencia extramatrimonial.
Las similitudes están relacionadas con los protagonistas y las situaciones principales de la historia, que coinciden con la novela original de King, como es la tormenta, la ida de David al supermercado, la llegada del hombre asustado alertando de no salir, el asalto de las criaturas por la noche, la salida a la farmacia de los voluntarios… Pero las situaciones principales están mucho más desarrolladas y descritas en la novela, en la película sucede todo de forma más acelerada.
No coinciden en la película las descripciones del vestuario de algunos personajes, tampoco coinciden ciertas acciones que son realizadas por personajes distintos en la película. Además de no coincidir el orden de algunos sucesos, que se representan en la película antes o después del orden en que lo cuenta King en su novela.
La novela comienza contándonos mayores detalles de la cena, la noche de la tormenta, y demás. Sin embargo en la película no lo vemos. La película comienza con David pintando un cuadro, algo que en la novela no se menciona. Mientras David pinta, vemos un cuadro del póster de “La Cosa”, película que John Carpenter escribió y dirigió en 1982 y que comparte similitudes con esta historia.
David, su esposa Steff y su hijo Billy ven una niebla inusual por el lago, cerca de su propiedad, acompañada de una fuerte tormenta que hace que se vaya la electricidad. Al día siguiente, después de terminar con la limpieza ocasionada por la tormenta, David, su hijo y su vecino Norton acuden a un supermercado cercano. Al llegar al local, parece que se encuentran sin luz y los empleados algo cabreados porque algunos no faltaron a trabajar. Al rato, un señor llega sangrando por la nariz para avisar que hay algo peligroso en la niebla que se llevó a John Lee y recomienda que cierren la puerta y no salgan, algunos hacen caso omiso y salen corriendo del local. La señora Carmody, mujer fanáticamente religiosa, sospecha que es el Apocalipsis, el fin del mundo…, mientras otros intentan buscar respuestas lógicas al fenómeno. Durante la primera noche, David intenta conseguir una manta para Billy en el almacén, y escucha un ruido que lo inquieta. Al salir, lo cuenta a varias personas, pero lo toman a broma. Algunos intentan comprobar de donde viene el ruido, abren la puerta, pero unos tentáculos largos agarran y se llevan a Norm, un trabajador del supermercado que se ofrece voluntario para comprobar qué hay fuera. Advertidos de los peligros de fuera, David y Ollie, otro trabajador del local, tratan de convencer a Norton y a otras personas para que no salgan, pero algunos lo ignoran, deciden salir y son atrapados por la niebla. Un hombre se ofrece voluntario para salir a por una escopeta de un coche, atándose de una soga a la cintura, pero su cuerpo es llevado por uno de los monstros de la niebla quedando solo de cintura hacia abajo. Todos ayudan para tapar los ventanales de cristal de la tienda. Carmody continúa lanzando sus reflexiones respecto al fin del mundo, Dios, salvar el alma con sacrificio y sangre… En uno de esos momentos, recibe una bofetada, pero en la novela, quien se la da es un señor descrito como «de corta estatura y pulido aspecto». A quien, Carmody le dice después: “-Venga, pégueme. Pégueme si se atreve”. Sin embargo, en la película quien le da la bofetada es la joven Amanda, a quien posteriormente Carmody le dice: “-…Y tú, puta, vuelve a pegarme, si te atreves, y te arrodillarás ante mi antes de que esto acabe”.
Esa primera noche, una serie de criaturas aparecen de la niebla. Enormes insectos logran romper el cristal y entran. En el ataque mueren varias personas y otras son heridas graves. Uno de los insectos vuela directo a la señora Carmody, pero se aleja de ella sin hacerle nada. Viendo esta prueba, empieza a ganar seguidores, ya que los clientes del mercado empiezan a creer que es la elegida. A la mañana siguiente, David junto a varios voluntarios van a salir a la farmacia, pero la señora Carmody y varios más no están de acuerdo. Carmody recibe un golpe. En la novela, lo cuenta de esta manera: “Inesperadamente, una lata de guisantes que había cruzado el aire desde dos cajas más allá, alcanzó a la Carmody en el pecho izquierdo. La anticuaria dio un tumbo hacia atrás, con un graznido de sobresalto. Amanda se adelantó hacia ella. –Calle –dijo-. Cállese buitre miserable. -¡Es la sierva del Impuro! -gritó la Carmody”. Sin embargo, en la película, vemos que quien le lanza la lata es Irene Reppler, pero en la cabeza, y le dice: “-Cállese buitre miserable-. Carmody le responde: -Vieja guarra-. Y corre hacia adelante para tirarle un objeto, pero David y otros se interponen delante. Reppler le responde: -Lapidar a la gente que nos cabrea es totalmente lícito. Lo hacen en la Biblia, ¿no?”. Al llegar a la farmacia se encuentran una situación tremendamente desgarradora. Al momento, aparecen una serie de criaturas. Se defienden como pueden, los voluntarios salen corriendo y llegan asustados al supermercado. El soldado Wayne revela que el origen de las criaturas de la niebla se debe a un proyecto que unos científicos habían llevado a cabo. Tras los gritos de Carmody para que fuese sacrificado y entregado a Dios, recibe varios cuchillazos en el estómago. Más tarde, la señora insiste en que Billy y Amanda también deben ser sacrificados. Pero recibe unos balazos de Ollie.
Algunos del grupo se deciden a salir del supermercado para descubrir lo que hay fuera. Algunos son asesinados en el escape, pero Amanda, David, Billy, Dan e Irene logran salvarse al subir al coche. David conduce a través de la niebla, pasa por su casa y ve que su esposa también fue víctima. Destrozado, sigue conduciendo y ve que sale de la neblina una criatura gigante con tentáculos y varias piernas. El pequeño Billy va dormido y los cuatro adultos se rinden ante su fatal destino. En silencio anuncian que ya no pueden continuar para lograr estar a salvo. Con cuatro balas en la pistola y cinco personas en el coche, David dispara a todos para salvarlos de morir a manos de los monstruos. Sale a entregarse a esta criatura, pero descubre un tanque con sobrevivientes y militares intentando matar a estos extraños seres.
Esta obra trata sobre la desintegración de la sociedad en un marco sobrenatural de pánico colectivo. La película se concibió como un thriller psicológico, con entornos claustrofóbicos y un terror basado en efectos visuales, fenómenos naturales y extrañas criaturas que salen de una gran nube blanca con forma de niebla. Tras la catástrofe ocasionada por esta serie de monstruos, destaca la separación del grupo. Por un lado los que apelan a la razón, que intentan ayudarse. Y por otro, los fanáticos que apoyan a la religiosa, dejándose llevar por sus reflexiones apocalípticas y bíblicas ante la situación.

Darabont intenta reflejar cómo la religión se apodera y se nutre de personas desesperadas y exiliadas de la razón, que necesitan creer en algo sobrenatural para buscar respuestas y culpables ante la situación y el miedo que los acecha. El fanatismo religioso se apodera de este microcosmos social, adueñándose del alma y la voluntad de los más débiles. Consiguiendo que personas que por un momento se apoyaban entre sí, se odien hasta el punto de querer destruirse entre ellos, incitados por una voz que les dice lo que deben hacer y pensar para salvar sus almas de la ira de Dios.
En rasgos generales, esta película nos muestra un planteamiento basado en un grupo de personas que no pueden salir de un lugar por una serie de circunstancias, enloquecen de alguna manera, incitando al resto del grupo a actitudes agresivas. Este planteamiento lo tenemos también en otras historias como El resplandor de Stanley Kubrick o El ángel exterminador de Luis Buñuel.
Os adjunto un vídeo con el final de la película.

Cinema mundial 1957-2007 y la entrada del audiovisual en el museo.

Cinema mundial 1957-2007 (Carlos Asensio, 2007), es un cortometraje de Carles Asensio en blanco y negro, realizado en digital. Donde el director recoge el proceso de trabajo durante un día en la sala de proyección Mundial Cinema, una de las salas de cine de su pueblo natal, que resistió abierta hasta el año 2005. Observamos a un hombre que sube unas escaleras y una cámara va detrás de él. Al llegar a una sala de proyección, él junto a un ayudante, preparan una película. Al otro lado, una sala con sillas vacías. El señor proyecta la película y la ve desde su cabina de proyección. Numerosos planos detalle y planos cortos nos introducen en sus sentimientos y la música nos evoca a tiempos pasados. Estas imágenes vienen a mostrar la soledad que están experimentando las salas de cine últimamente.
La soledad actual de las salas se debe, en parte, al aumento de precios en las entradas. Y teniendo en cuenta la crisis que atraviesa el país, la gente no puede pagar, porque tiene acceso a ellas de forma gratuita a través de otro medio. El surgimiento del digital ha dado pie a nuevas formas de exhibición, como a través de ordenadores portátiles, tablets, móviles… Aunque en estos medios la calidad no es la misma que en una pantalla cinematográfica. En estos nuevos medios no vemos una película con el objetivo con el que fue creada. La calidad y las emociones no son las mismas. Antes íbamos al cine, ahora el cine viene con nosotros.
El dispositivo cinematográfico tradicional está atravesando grandes aprietos. Y por otro lado, el museo atraviesa otra crisis. Busca visitantes, nuevas formas de atraer al público. De esta forma, el cine ve el museo un lugar donde poder desarrollar su actividad. Y el museo ve en el cine una nueva iniciativa para atraer más visitas. Ambos medios reflexionan para unirse, crear nuevos proyectos en común y combatir sus dificultades. Pero, el cine debe adaptarse a las formas de trabajar del museo. Su entrada en estos espacios hace que pierda su esencia original. Ya que el museo, lo ve como una nueva forma de decorar sus salas o pasillos, no una forma de exhibición propiamente, como es el objetivo de las salas cinematográficas.
Lo que reina en el cine es la copia. La gente no quiere pagar por algo que piensa que se puede conseguir gratis por otro medio. Y lo que prima en el museo es la originalidad. La gente paga para entrar pensando que va a ver obras originales. Sin embargo, cuando vamos a un museo no siempre están los originales. No sabemos identificar un cuadro o una escultura original, a no ser que se tenga conocimientos avanzados de arte. Los originales pueden estar restaurándose o conservados en otro lugar, protegidos de los robos.
Finalmente, en esta muestra audiovisual vemos a dos señores mayores, que quizás hayan pasado toda su vida trabajando en este lugar, y puede que sea su último día trabajando ahí. En esa cabina, desde la cual han visto tantas historias que los han hecho reír y provocado tantas emociones. Y que ahora, se ven solos proyectándolas en esas salas, a las que nadie acude, a causa del surgimiento de los nuevos medios de exhibición digitales. Medios que la gente prefiere por ser más baratos y tener la comodidad de tener más accesibles, aunque no tengan la misma calidad ni perciban las mismas emociones que delante de una pantalla. Un reflejo del antes y el ahora. Un cortometraje en blanco y negro, como en los inicios del cine, que refleja la soledad de las salas, como en la actualidad. El cine dentro del cine. Los museos ven el arte del cine, y por eso se conjugan cine y museos para seguir divulgando arte.

Enlace cortometraje:

http://documenta.fundaciontelefonica.com/proyectos-finalistas/Cinema_mundial

Bibliografía y otras referencias:
ARNHEIM, R. El cine como arte. Barcelona, Paidós Ibérica, 1986.
MARTIN, S., y GROSENICK, U. (eds.) Videoarte. Madrid, Taschen, 2006.
ROYOUX, Jean-Christophe. “Por un cine de exposición. Retomando algunos jalones históricos”. Revista Acción Paralela, nº 5, (1999).
WEINRICHTER, Antonio. “El cine se instala en el museo”. Revista Exit Express. nº 20, (2006).
ZUNZUNEGUI, Santos. “Alianza y condena. El cine y el museo”. Revista Secuencias, nº 32, (2010). pp. 75-88.

DE DIEGO, Estrella. ¿Cine en el museo? El País. 14/01/2012: http://elpais.com/diario/2012/01/14/babelia/1326503573_850215.html [Consulta: 06/06/2013]
PIÑON, Alida. “Carles Asensio registra la extinción del cine analógico”. El Universal. 17/10/2012: http://www.eluniversal.com.mx/cultura/70096.html [Consulta: 06/06/2013]
SÁNCHEZ NORIEGA, José Luis. “El cine y lo cinematográfico en los museos”. Cine para leer. Equipo reseña: http://www.cineparaleer.com/punto-de-vista/item/432-el-cine-y-lo-cinematografico-en-los-museos [Consulta: 06/06/2013]
Museo del cine: http://www.museodelcine.es/ [Consulta: 29/05/2013]

Restauración de films

Os presento un fragmento audiovisual sobre el tema de la restauración de películas, un tema que genera debate, puesto que la restauración es una cuestión muy interesante, pero a la que se le dedican pocos recursos económicos por parte de las Administraciones públicas, con poco interés por recuperar material fílmico de un tiempo pasado.

Sistemas fílmicos no narrativos

Estamos rodeados de historias. Siendo niños aprendemos cuentos de hadas, cuando crecemos, leemos cuentos, novelas, libros de historia… La religión, la filosofía y la ciencia presentan sus doctrinas a través de ejemplares, como la Biblia, la Tora, el Corán… Son amplias narraciones, o bien un descubrimiento científico que se presenta como el relato de las pruebas y los experimentos realizados por un investigador o grupo.

Tal presencia de historias en nuestras vidas es una de las razones por las que necesitamos examinar de qué forma pueden simbolizar la forma narrativa en las películas. Cuando algún aficionado dice de ver una película, quiere decir que va a ver una película narrativa, que cuenta una historia. Puesto que la mayoría de las películas que vemos son ficticias, nos cuentan una historia, narran hechos. El espectador habitual piensa que el cine experimental, llevado a cabo con sistemas fílmicos no narrativos, no es un cine interesante que pueda atraer su atención mediante otro tipo de aspectos alejados del simple argumento.  No es un cine peor o mejor que el comercial, simplemente que se centra en representar otros conceptos diferentes a los que se suele estar acostumbrado.

Consideramos que una narración es una cadena de acontecimientos con relaciones causa-efecto, que transcurren en un tiempo y en un espacio. Es difícil que concibamos como historia una cadena de acontecimientos que suceden de forma fortuita

Sin embargo, existe otra forma fílmica: el cine no narrativo, que es tan importante como la forma narrativa. Las películas educativas, los anuncios políticos, las películas experimentales… puede que no contengan ninguna historia. Tienen sistemas formales no narrativos. La diferencia entre los tipos de forma no narrativa son importantes, ya que cada tipo necesitará distintas convenciones y provocará diferentes tipos de expectativas en el espectador.

Podemos distinguir cuatro tipos de formas no narrativas: categórica, retórica, abstracta y asociativa. A continuación explico brevemente en qué consiste cada una:

-Las películas categóricas dividen un tema en partes. Como por ejemplo, recorrer un hotel y filmar cada una de sus partes. Como ejemplo de este sistema fomal, tenemos estas películas: Let There Be Ligh (John Huston, 1944), Every Day except Christmas (Lindsay Anderson, 1957), algunas películas de Frederick Wiseman, como Hospital (1970).

-La forma retórica, presenta una argumentación y expone pruebas que la apoyen. Como por ejemplo, podríamos exponer la idea de que un hotel ofrece mayores posibilidades que una pensión, mostrando las dimensiones de cada una y opiniones de los clientes de cada tipo de alojamiento. Películas como: Smoke Menace (John Taylor, 1937), Prelude to War (Frank Capra, 1942), Tierra de España (Joris Ivens, 1937).

-Como otra posibilidad, tenemos la forma abstracta. Consiste en intentar atraer la atención del público con las cualidades visuales y sonoras de las formas descritas, como la forma, el color, el ritmo sonoro… Podemos filmar el hotel desde aspectos que suelen resultar bastante vulgares de forma sorprendente, con posiciones de cámara poco habituales, encuadres cercanos, banda sonora disonante. Como ejemplo, tenemos: Fish Fight (Robert Breer, 1964), Critical Mass (Hollis Frampton, 1971).

-Finalmente, como otra posibilidad, tenemos la forma asociativa. Esta forma obra mediante la yuxtaposición de imágenes conectadas libremente para sugerir una emoción, insertando material metafórico para hacer que el público responda de forma negativa ante lo que ve en nuestra particular casa. Mediante asociaciones entre aspectos de la tienda y otros fenómenos, el film podría crear cierto tono o actitud hacia el hotel. Como ejemplo de este estilo, tenemos: To Parsifal (Bruce Baillie, 1963),  L´Etoile de mer (Man Ray, 1928), Breathdeath (Stan Van Der Veek, 1964), Rose Hobart (Joseph Cornell, 1939), À propos de Nice (Jean Vigo, 1929).

De todos los tipos de organización formal, la estructura categórica es la que menos se ha discutido. Está muy generalizada, conforma las bases de muchas películas educativas y promocionales, y requiere de un mayor análisis. Tanto la forma asociativa como la abstracta son características de lo que normalmente se considera cine experimental o de vanguardia.   La forma abstracta se examina normalmente mejor a la luz de los principios de la forma musical o el diseño visual abstracto.  La forma asociativa se puede estudiar en comparación con género como la poesía.  Se puede considerar la forma categórica como una variante de la argumentación verbal, y podemos comprenderla gracias a estudios de retórica como The Uses of Argument (Cambridge, Cambridge University Press, 1958) de Stephen Toulmin.

Tal como mencionamos anteriormente, un ejemplo de sistema formal no narrativo, concretamente de forma retórica, tenemos la película “Tierra de España”, de Joris Evens, del año 1937. Ha sido calificada como la mejor película realizada sobre la Guerra Civil Española.

El director tomó la decisión de que la cámara debía entrar al servicio de una causa. Su función específica sería la de comunicar, dar a conocer, despertar la conciencia de todos, en torno a un enfrentamiento concreto.  Para llevar a cabo esto, el realizador tuvo que acudir al lugar del conflicto, vivirlo desde dentro, situarse en una de las dos trincheras, captar las vivencias, los acontecimientos de su vida cotidiana, rodar “in situ”, recogiendo la fuerza expresiva de los hechos reales.

«¿Dónde queda entonces la objetividad?». Ivens dijo: «El documental, cuando uno lleva la cámara allí donde la gente está arriesgando su vida o su salario, no pueden ser lo que llaman «objetivo». Si un film es objetivo, no es nada… Reportaje objetivo es aquel en el que el cineasta toma una posición…»

“Tierra de España”, muestra una estructura tripartita, jerarquizada: el núcleo central lo constituye la guerra civil, el enfrentamiento bélico, simbolizado por dos datos concretos: la defensa de Madrid y los combates en torno a la carretera de Valencia, que los militares sublevados pretenden cortar para aislar de esta forma a la población de la capital. Ivens introduce un segundo elemento, que es el que da a la película su fuerza expresiva: la lucha que mantienen los habitantes de Fuentidueña de Tajo para regar las tierras resecas y asegurar el abastecimiento de víveres a los combatientes. El tercer elemento es el personaje de Julián, que sirve para hilvanar la narración, marcando esa vinculación total entre los dos frentes. La conclusión se basa en que es el mismo pueblo, el que lucha contra la sublevación. La batalla por el pan es la batalla por la libertad. Con las armas, el pueblo lucha de modo por defender la tierra de España.

A continuación pongo el enlace del documental.

Parte de esta información ha sido extraída de las siguientes fuentes:

BORDWELL, D., y THOMPSON, K. (1995): El arte cinematográfico. Paidós Comunicación. Barcelona.

Más información de este documental en este enlace:

Sociedad Benéfica de Historiadores Aficionados y Creadores: http://www.sbhac.net/Republica/TextosIm/TDH/TierraDe/TierraDe.htm

Apuntes sobre análisis y crítica cinematográfica

A la hora de opinar sobre una película, podemos tener en cuenta muchos aspectos formales de la misma. Mucha gente piensa que su criterio es el único o el mejor. Pero ¿Por qué para unos una buena película es “Crepúsculo” o “El señor de los anillos”, y para otros “Fresas Salvajes” o “Vértigo”?

Cada espectador busca unas cosas diferentes en una historia. Podemos pensar que la preferencia personal es la única base para juzgar la calidad de una obra cinematográfica. Sin embargo cada espectador se basa en unos criterios diferentes a la hora de opinar sobre lo que verdaderamente piensa que es una buena película.

Algunas personas valoran las películas a partir de criterios “realistas” considerando que una película es buena si se ajusta a su visión de la realidad. Los aficionados a la historia militar podrían juzgar un film basándose en el hecho de que en las escenas de batalla se utilice o no un armamento adecuado desde el punto de vista histórico; la narración, el montaje, el sonido, la interpretación y el estilo visual de la película podrían tener poco interés para ellos.

Los espectadores  pueden servirse de criterios morales  para valorar las historias. Sin embargo esta forma no es totalmente objetiva. El cine se considera, entre otras muchas cosas, un arte, el arte es subjetivo, y cada espectador considera una obra de arte un determinado tipo de historia. Y por tanto, cada espectador valora la significación global de una película de una forma determinada y diferente en función de los gustos.

Se puede considerar que una película es buena por su visión general de la vida, su deseo de mostrar puntos de vista opuestos o su alcance emocional. Todo ello varía en función del tipo de espectador.

Algunos criterios en los que se debe basar el analista y el crítico cinematográfico para valorar una película son la coherencia, la complejidad, la originalidad. Una película original no quiere decir que sea mejor o peor que otra que no tiene tanta originalidad, sino que debe considerarse diferente y juzgarse por su forma y contenido, no sobre lo que opinamos de ese tipo de director o actor.

Por esto, no puede juzgarse ni valorarse igual una película comercial de una película independiente. No porque una sea mejor que otra, sino porque cada una va dirigida a un tipo de público que busca conceptos diferentes en una historia.

Hay quien piensa que las películas de Woody Allen son bazofia y otros piensan que “Pretty Woman” es genial. Una no es mejor que la otra. Simplemente una va dirigida a un público independiente y otra va dirigida a un público general que quiere soñar un rato.

Hay un cine que está hecho para venderse al gran público y otro cine que está hecho para consumirse a pequeña escala, dirigido a analistas, investigadores cinematográficos que ven en una película algo más allá del simple argumento, o bien aficionados que buscan algo más que un argumento. Cada espectador considera arte unas películas distintas. Unos piensan que el cine es un negocio y otros que el cine es un arte. Pero en definitiva, ¿Qué es el arte? ¿Qué es el cine-arte? ¿Hay algo escrito sobre lo que se considera arte o lo que se considera no-arte? El arte es subjetivo. No hay nada escrito. El arte es un libro de gustos que está en blanco y cada uno rellena en función de sus opiniones. Como dijo un profesor de una asignatura del Máster en Cinematografía: “Hay veces que uno pregunta a otra persona si una película es buena o mala. Y si es mala no ir a verla. Al contrario, si dicen que es mala, hay que ir a verla, para ver por qué es tan mala”.

Según los análisis, hay obras más buenas y obras no tan buenas en función de sus aspectos formales, técnicos y estéticos, pero al fin y al cabo, toda obra requiere un grupo de personal técnico, humano, económico, que se esfuerza y sacrifica por dar lo mejor de sí mismo a un público que busca evadirse, soñar y encontrar puntos de estudio/reflexión.

Parte de esta información está contenida en el libro:

BORDWELL, D., y THOMPSON, K. (1995): El arte cinematográfico. Paidós Comunicación. Barcelona.

Cambios en el acceso a la cinematografía

Hasta hace unos años, la forma que teníamos de conocer el cine era acudiendo a las salas o bien verlas VHS/DVD aunque no se percibiesen con la misma calidad que en las pantallas de las salas de cine. Desde principios del siglo XXI se vienen experimentando nuevas formas de acceder al cine: mediante el medio Internet y a través de diferentes reproductores como pantallas de televisión, ordenador, reproductores portátiles…

Internet supone un medio importante de crecimiento debido a su velocidad y capacidad. A través de la web, los espectadores pueden ver las películas desde casa o desde cualquier sitio, haciendo otras cosas a la vez. Pero a través de este medio no se perciben todos los detalles de la imagen y del sonido tal como lo hacemos en una sala de cine. Actualmente, entre el estrés de la sociedad y la subida en las entradas al cine, a los espectadores les cuesta más acudir a las salas a ver una película si tienen acceso a ella a través de Internet y a menor precio o gratis. El problema lo tienen las películas independientes, que por sus características van dirigidas a otro público y no son llevadas a las grandes salas. La labor de las filmotecas de preservación y puesta en proyección de este cine tiene un papel imprescindible para no perderse y conservarlo adecuadamente, sin sufrir daños y para que estén disponibles a estudiantes e investigadores que les interese anal. Los cineastas están experimentando con la cultura de libre acceso, mediante otros medios diferentes a los analógicos. Cavestany ha sido uno de los pioneros en distribuir su trabajo a través de Internet, creando de esta forma un nuevo modelo de exhibición para películas que no pueden acceder al circuito de salas comerciales. Se han creado portales web, sobre todo de cine de autor, donde pagando una pequeña cantidad podemos ver una película concreta o realizando una suscripción mensual, trimestral… Además, el portal Youtube, aparte de albergar vídeos de todo tipo, viene reuniendo desde hace unos años películas al completo para verse de forma gratuita. Cine tanto comercial como independiente, como de Alfred Hitchcock, Buster, Keaton, Ingmar Bergman, Pedro Almodóvar, Álex de la Iglesia, Mario Camus, entre otros.

Debido a los pocos recursos de la Administración en Cultura, se vienen realizando proyectos financiados con Crowdfunding, como la película que se estrenará entre marzo-abril de este 2013: “El Cosmonauta”. Financiada con pequeñas aportaciones de gente que vio el tráiler en la web, le interesó el proyecto y puso su granito de arena para su realización. Quienes colaboran aparecerán en los créditos como productores de la película. Tiene varias peculiaridades: se distribuirá gratis en Internet a la vez que en televisión, cine y DVD, posiblemente con finales distintos, lo que puede llamar la atención del espectador para verla en cada medio. Se basa en Licencias Creative Commons. Los usuarios podrán ver en la web las imágenes en bruto y podrán modificar los contenidos, así como distribuirlos, copiarlos, o utilizar cualquiera de sus partes, gratis.

Esta innovadora técnica de Crowdfunding, que motiva a los ciudadanos a interesarse por el cine y apoyarlo aunque sea con poquito, es el futuro del cine en España. Implicar al público puede abrir nuevos modelos de negocio. Pero el inconveniente es que la industria  europea del cine está siendo muy lenta en asimilar estos cambios, debido a la tradicional posición dominante, en términos culturales, políticos y comerciales, de uno de los puntos de difusión: las salas de estreno.

Fuentes:

BLANES PAYÁ, María José. “Innovación Tecnológico-Educativa Universidad de Alicante. Generación de contenidos digitales”, 2011.
http://w3.ua.es/ite/tallerCDD/licencias/index.html

COIXET, Isabel. “Si estás muerto ¿por qué bailas?”.
http://elpais.com/diario/2011/02/02/opinion/1296601211_850215.html

RANCIÈRE, Jacques. “Las poéticas contradictorias del cine”, 2005.
http://www.rayandolosconfines.com.ar/pc17_ranciere.html

GUBBINS, Michael. “La revolución digital. El público se implica”, 2011.

Haz clic para acceder a revolucion_digital.pdf

Fundación Copyleft.
http://fundacioncopyleft.org/

Violencia audiovisual

La violencia es cualquier acto violento, sea golpe o palabra. ¿Por qué giramos la cabeza ante una escena de miedo o violencia? La guerra, el asesinato, la tortura, los fenómenos paranormales… Estas imágenes tienden a provocarnos atracción/repulsión. Por un lado, tenemos interés en verlo, pero por otro lado, tal violencia nos repele, nos provoca una sensación desagradable. Estos sentimientos se acrecientan sobre todo en el cine violento ya que es un tema con el que no empatizamos en la vida real por el sufrimiento que nos produce. En cada género, la violencia adquiere una personalidad independiente: terror, drama, guerra…

Las imágenes son la materia prima de todo esto, a través de ellas llegamos al espectador. El problema está delante de la pantalla, donde se sitúan los espectadores. Espectadores de diferentes rangos de edad, que realizan diferentes interpretaciones sobre las imágenes que están viendo. Lo que puede repercutir en su comportamiento y en su evolución psicológica, sobre todo en los menores de edad que no son muy conscientes de lo que ven. Se han visto varios casos de niños que se han lanzado por un balcón, a intentar volar para imitar a Superman o a Mary Popins con un paraguas, niños que murieron al imitar la ejecución de Sadam Hussein al ver vídeos en Internet de su ahorcamiento. Ante este escenario actual, podemos preguntarnos ¿Quién tiene la culpa de las imágenes que visualiza el menor?, ¿La tendrán los padres por dejar el mando al niño sin controlar el horario ni la programación? ¿Tendrá la culpa la propia cadena por programar contenidos violentos en horario de protección infantil? La sociedad en su conjunto ignora las normas que regulan la programación y la educación audiovisual. Unos por desconocimiento y otros porque no les interesa.

La calidad de unos contenidos no está en la cantidad de audiencia, sino en cumplir con los deberes de informar, formar y entretener. Sin embargo, se rigen por otra serie de criterios, que económicamente es lo que más vende y lo que suma más audiencia. Pero el entretenimiento no puede basarse en gritos, faltas de respeto, comer delante de una cámara como si se estuviera en el salón de casa, hacer “edredoning” en un show televisivo que ven millones de personas. Además de otra serie de actitudes denigrantes, pero que a la gente le produce morbo o le agrada de alguna manera. Sin embargo, esto para un niño de 8 años es violencia. La mayoría de ciudadanos ven lo que le ponen en pantalla. Se sientan a ver qué le ofrecen. Ahí está el problema, en la educación, la gente no está educada para exigir programación de calidad que le pueda aportar lo que debe aportarle la televisión: información, formación y entretenimiento.

Desde la infancia, en los colegios, igual que se enseñan las matemáticas, inglés o ciencias, hace falta alfabetización mediática. Igual que nos exigen cumplir en el trabajo, si no nos vamos a la calle, nos rebajan el sueldo…, debemos exigir a los medios audiovisuales una programación de calidad, basada en principios éticos y morales, que de verdad cumpla las funciones de informar, formar en entretener. A pesar de ello, la sociedad se deja. A la sociedad le exigen trabajar, que rindan al máximo, arrimen el hombro hasta no poder más, llegando a ser explotados, como están haciendo muchas empresas con la excusa de la crisis, pero los ciudadanos no exigen programación de calidad, se sientan y ven lo que otros le programan en la pantalla.

Ante este panorama, es normal que los jóvenes se están sintiendo decepcionados del medio televisivo y acuden al medio de Internet, porque tienen lo que quieren, cuando quieren. Aunque, los menores, sin control de horario ni de contenido violento, sufren y sufrirán importantes trastornos de comportamiento y en el rendimiento académico, si los agentes sociales no se conciencian con que las actitudes y contenidos que nos muestran los medios audiovisuales actualmente no son propias de una sociedad civilizada.

 

Similitudes La piel que habito y Los ojos sin rostro

«Los ojos sin rostro», una película dirigida por Georges Franju en el año 1960 frente a «La piel que habito», filme dirigido por Pedro Almodóvar en 2011. Blanco y negro vs. color para expresar la idea principal: la ruptura del juramento hipocrático de dos especialistas de la sanidad, en su lucha por obtener fines personales. A decir verdad, no sabría destacar cuál de ambas producciones es más cruenta. En el primer caso, un padre hace todo lo posible para poner rostro a su hija, que vive encadenada a una máscara. Y, para ello se sirve de su profesión para atender en su consultorio a chicas aproximadamente de su misma edad, con el objetivo de extraerles el rostro y probar la compatibilidad de los mismos en su promogénita. Pero lo cierto es que no lo consigue y lanza los cuerpos de las criaturas a los perros, para acabar con sus rastros. Desesperada y cansada ya de probar los experimentos de su padre, la joven se vale de artimañas para lanzar el cuerpo de su padre a sus propios perros.

Así, entre máscaras vive Vicente, un joven que intenta coquetear con Norma, la hija del Dr. Robert, quien encuentra su cuerpo fallecido entre golpes y su imaginación distorsiona los hechos, haciéndole creer que pudieron haber tenido relaciones sin consentimiento, o sea, que pudo haber sido objeto de violación. De manera que se desarrolla una situación en la cual el médico lanza el vehículo del joven por un acantilado, haciendo creer a las fuerzas de seguridad que se suicidó, pero lo persigue y lo secuestra durante años, con el fin de experimentar una nueva terapia dermatológica, para lo que requiere ayuda a sus compañeros de profesión, valiéndose de su quirófano personal y haciéndoles creer que esta persona se somete de forma voluntaria y anónima. La idea es practicarle una operación de cambio de sexo y otorgar al muchacho un aspecto femenino, para obtener venganza por la muerte de su hija y convertirlo en la representación de su esposa fallecida. Este joven, que permanece encerrado durante varios años en a vivienda del médico, sometido a vejaciones y maltrato físico, tras su transformación responde al nombre de Vera Cruz (nombre de la esposa de Robert). Pero ahora, es carne de tigre. Es decir, un día concreto, llega a la vivienda un joven disfrazado de tigre con motivo del Carnaval, que resulta ser hijo de la mujer del servicio, Zeca, hijo bastardo fruto de una relación extramarital y que, a su vez, es hermano del Dr. Robert. La señora lo invita a marcharse, pero indaga por la vivienda, encuentra a la joven e indefensa Vera y pretende aprovecharse de la situación para abusar de su situación de encierro, a cambio de ayudarla a escapar de la habitación. El doctor retorna a la vivienda y encuentra la violenta situación que termina de forma aterradora. Finalmente, como es tradicional en Almodóvar, sus personajes están repletos de matices psicológicos que les proporcionan una imagen de complejidad, para nada simplistas.

Tras estos puntos destacados de cada uno de los filmes, no voy a contar explícitamente sus finales, pero suponen objetos de reflexión las máscaras y la ruptura del juramento hipocrático de los progenitores en ambos casos. Pues, si bien en el primer caso, sirve como elemento que oculta el rostro de una persona; en el segundo caso, coloca al personaje en una posición contraria a la que se encontraba, es decir, de chico violento, a chico violentado, con motivo de su pertenencia forzosa al sexo considerado socialmente débil, el femenino. A partir de ahora va a poder comprobar lo que sienten las mujeres en determinadas situaciones sociales.

Estas se observan como las líneas principales de acción de ambas películas, pero en el fondo ocultan subtemas para reflexionar. Aquí presento los trailers de ambas películas, pero os invito, desde luego, a verlas completamente y así observar con detenimiento los detalles que se esconden entre los códigos visuales, sonoros y elementos morfológicos y sintácticos.

«Los ojos sin rostro».  Georges Franju

 

 

«La piel que habito». Pedro Almodóvar