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“La representación de los menores de edad en los filmes que recrean el contexto de la dictadura franquista”.

Hola amig@s, dedico esta entrada para comentaros que al fin he terminado mi tesis doctoral después de 3 años de investigación, 9 meses de trámites burocráticos, unos 10 cursos de formación aproximadamente, 6 publicaciones científicas (algunas otras pendientes) y mi presencia, en la medida de los posible, en 3 congresos de ámbito internacional, mediante la presentación de comunicaciones/ponencias.

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Ofelia (El laberinto del Fauno, Guillermo del Toro, 2006).

A través de esta entrada me gustaría compartir con vosotros una síntesis de mi defensa, que se llevó a cabo el pasado 7 de septiembre de 2017, dando a conocer algunas de las claves que definen mi investigación y algunos de los contenidos de la misma.

Así pues, antes de comenzar con ello, también en esta ocasión, quisiera agradecer a las miembros del tribunal por haber aceptado formar parte de mi evaluación; a mis directores de tesis, porque han sido unos pilares fundamentales en este intenso proceso de aprendizaje durante estos 3 años; y a mi familia, amigos y compañeros por su apoyo durante este proceso.

La justificación del presente trabajo de investigación viene determinada por el interés en un mayor conocimiento y análisis de la recreación cinematográfica española de una parte de nuestra Historia pasada que repercute en nuestro presente, por propia conciencia, empatía y motivación a nivel personal y académica. Aparte de ello, existen otras razones que motivaron la elección de este tema. Entre ellas destaco la inquietud en conocer las formas de representación de la infancia y la adolescencia en el medio fílmico, especialmente en las producciones que recrean este periodo histórico de nuestro país, porque se ha observado que a estas figuras no se les ha otorgado una atención propia desde el ámbito científico.

En un segundo plano se pretende alimentar la memoria histórica, que está siendo tan cuestionada y fragmentada últimamente. Principalmente poner en valor cómo el cine entiende y refleja las peripecias de estos menores de edad, en su tentativa de salvaguardar su integridad física y psicológica, así como su vulnerabilidad y su fragilidad ante los acontecimientos vividos en aquel contexto socio-histórico.

Y tampoco podemos obviar el fuerte peso del poder del cine para instruir a la sociedad, lo que supone una oportunidad para sentar las bases de nuevas propuestas educativas, con las cuales plantear reflexiones y debates en acciones formativas y culturales.

 

En líneas generales la fundamentación metodológica se divide en dos puntos principales que son: el diseño metodológico del estudio empírico y el marco teórico, que comprende diferentes disciplinas que comentaremos un poco más adelante. Pero antes nos gustaría aclarar que nos encontramos ante un tipo de investigación con enfoque cualitativo, pues el análisis cinematográfico comprende las tareas de observación y exploración minuciosa de una serie de elementos audiovisuales que no son exactos, sino sometidos a la interpretación.

Por otro lado, los criterios que se han tenido en cuenta en la selección de producciones han sido: filmes españoles realizados a partir de 1978, protagonizados por menores de edad de hasta 17 años, integrados en contextos de agresividad, represión, persecución… que tuvieron bastante peso durante la dictadura franquista española y los primeros años de la Transición Política. Seleccionamos como partida este año con motivo de que se tiene en cuenta la Constitución española, que abole la censura previa y otorga libertad de creación en los diferentes medios artísticos, aparte de que supuso un punto de inflexión social y cultural en nuestro país.

Se han encontrado 13 filmes que responden a estas características, aunque algunas otras producciones han tenido que ser descartadas por diferentes motivos que justifico en el texto completo de mi tesis doctoral. Los personajes infantiles y adolescentes que conforman la muestra de estudio han sido analizados según los parámetros de una ficha, que comentaremos más adelante, y que explora en profundidad su universo individual, enfatizando el hilo narrativo y los códigos morfológicos y sintácticos.

 

Como mencioné anteriormente, la atención principal se ha centrado en el estudio exhaustivo del personaje, y ante esto podemos preguntarnos ¿qué es un personaje? este supone un elemento esencial de la diégesis narrativa que continúa albergando una problemática en su exploración, como consecuencia de la complejidad del concepto y la diversidad de funciones que esta figura adopta en la ficción. En su construcción intervienen una serie de rasgos de diferentes dimensiones: física, psicológica y sociológica, que responden a una serie de particularidades de tipo político, social, cultural, religioso…que de una forma u otra están vigentes en el momento de su construcción.

En cuanto a las metodologías de análisis fílmico, partimos de la premisa de que cada analista tiene su propio método de estudio y de que un mismo texto permite numerosas interpretaciones, por tanto existen diferentes propuestas metodológicas de análisis fílmico y en particular de personajes. Podemos citar algunas como las de Casetti y Di Chio (1998) y el modelo actancial estructuralista de Greimas. No obstante, nuestro planteamiento es de elaboración propia y profundiza en el estudio narrativo y de contenido, con especial énfasis en el universo del personaje menor de edad.

Si concretamos, nuestra propuesta está dividida en tres apartados: primero se realiza una contextualización de la obra cinematográfica, en la cual se mencionan brevemente los rasgos del estilo del director y se identifican los puntos principales de la narrativa cinematográfica; un segundo apartado está dedicado al estudio del personaje infantil y/o adolescente, en base a tres dimensiones: física, psicológica y social; y en último lugar, en segundo plano, se lleva a cabo un análisis de la utilización de los elementos que consideramos más trascendentales del lenguaje audiovisual de cada uno de los filmes que conforman la muestra.

Seguimos con el marco teórico, en el cual destacamos:

-Las características del contexto socio-histórico en el cual se inspiran las películas objeto de este análisis, como son la racionalización alimentaria, el estraperlo, el poder de la institución eclesiástica, la disciplina y la resistencia, que generaron un clima de terror y dominación por parte de individuos con cierto poder social.

-Igualmente, la memoria histórica es un concepto que conlleva unas actividades morales y de dignificación de las víctimas de la dictadura franquista, y ello se pretende abordar a través del cine, la alfabetización audiovisual y la inteligencia emocional.

-Además el proceso de Transición Política, la abolición de la censura previa y el interés de la sociedad española por enterrar cualquier huella del franquismo provocaron una liberación creadora que se tradujo en multitud de propuestas distintas en el cine, con variedad de temáticas y estilos. Aunque, todavía en estos años apreciamos una ausencia de proyectos de largometraje que ficcionalicen las problemáticas de los niños en este contexto de represión, salvo casos excepcionales, como ¡Arriba Hazaña! un film dirigido por José María Gutiérrez Santos en 1978, que yuxtapone sacerdotes violentos y sacerdotes mediadores en un conflicto.

-También hemos mencionado en varias ocasiones a los niños y a los adolescentes, pero por aclarar un poco esta noción podemos preguntarnos ¿qué es un niño? se trata de un concepto que ha ido evolucionando en la Historia de la Humanidad y se entiende de forma diferente según el punto geográfico en el que nos ubiquemos. En este sentido, se observa que los conflictos bélicos, los contextos de represión y de violencia no respetan a los niños ni a sus hogares, pues continúan siendo utilizados para matar y morir por cualquier motivo en diferentes lugares del mundo. Crecen en medio del conflicto aprendiendo a mentir, a caminar cerca de donde suenan los disparos y a utilizar juguetes como armas o armas como juguete. Incluso llegan a confundir una cámara con un arma, ante la que alzan sus manos, posiblemente en señal de subordinación, sumisión o resignación a la muerte que creen que les acecha tras el objetivo que les apunta.

Por otro lado, una parte de los resultados procede de esta pregunta: ¿Por qué aparecen los menores de edad en el cine?

El cine presenta situaciones de la vida y los menores de edad forman parte de la misma, su presencia sirve como objeto de reflexión en los filmes. Aunque resultan desagradables ciertas escenas como por ejemplo en la recreación de conflictos bélicos, familiares o abusos con niños de por medio, quizás con intenciones simbólicas. En este sentido, hemos tenido la oportunidad de recopilar testimonios de las formas de trabajar de algunos directores de cine español, como son Antonio Cuadri y Antonio Giménez-Rico, quienes prefieren respetar la vulnerabilidad de la infancia y la adolescencia, para evitar dañarles psicológicamente. Y para trabajar con los menores de edad siguen otras pautas diferentes a las que emplean con los adultos, pues con estos últimos tienden a ser más rigurosos, teniendo en cuenta que éstos últimos tienen mayor experiencia en la interpretación.

En cuanto a la exploración de la dimensión psicológica, para el estudio de la personalidad hemos seguido la propuesta de Morgan Forster referida a personaje plano y personaje redondo; para el carácter hemos tenido en cuenta a Carl Jung en cuanto a la extroversión y la introversión; y para el temperamento nos hemos basado en Hipócrates de Cos y su teoría de los cuatro humores: melancólico, colérico, sanguíneo y flemático.

Finalmente, el corpus conformado por el material fruto de nuestro análisis fílmico se revela de interés para ser utilizado y promover tanto la alfabetización audiovisual como el reconocimiento de los niños y los adolescentes que vivieron en el mencionado contexto socio-histórico. De manera que se plantea una propuesta pedagógica que recoge una serie de cuestiones que pueden ser abordadas, asociadas a la visualización de cada una de las películas examinadas. Aunque conviene recordar que el estudio teórico-reflexivo de la disciplina de la Cinematografía difícilmente se puede aplicar a la vida cotidiana desde el punto de vista técnico-práctico. Desgraciadamente, en la sociedad en la cual nos integramos pesa fuertemente un sesgo utilitarista que está al servicio del universo empresarial. No obstante, reitero y defiendo que el cine supone un instrumento significativo para la educación, la reflexión y la formación de los ciudadanos.

Los derechos del fotograma utilizado pertenecen al autor de la obra y en este caso ha sido utilizado simplemente bajo el amparo del derecho a cita, para contextualizar uno de los casos de la muestra de estudio. En ningún motivo nuestro interés va enfocado al lucro personal o colectivo con la utilización de esta imagen, pues este blog se mantiene de forma altruista desde el año 2012.

Comentar además que esta tesis fue valorada por el tribunal con la calificación de Sobresaliente por unanimidad con Mención Cum Laude. Evidentemente tendré en cuenta todas las propuestas del tribunal, en aras de mejorar mis líneas de investigación a largo plazo y plantear futuras publicaciones.

Pero antes de terminar me gustaría poner de relevancia que esta tesis doctoral se rigió por lo indicado en el RD 99/2011, superando positivamente los informes de 2 evaluadores externos a la Universidad de Málaga y un tribunal compuesto por 3 Doctores (profesoras titulares de Universidad) con más de 8 años de experiencia docente e investigadora. Algunos comentarios y reflexiones de los mismos fueron:

-En la tesis se observa objetividad y sensibilidad para tratar un tema tan espinoso como es la infancia en este tipo de cine.

-¿Por qué has seleccionado un tema tan duro como éste? Lo habrás pasado bastante mal viendo estas películas.

-Estaba leyendo tu tesis, se me ocurrían preguntas pero en los párrafos siguientes tenía las respuestas a esas preguntas.

-Puedes publicar la última parte en forma de unidades didácticas, para que sean de utilidad a los profesores estas películas en sus clases.

-No sé por qué utilizas como muletilla la expresión: “En este sentido” de forma reiterada, tampoco es algo negativo, pero es curioso.

-La lectura de la tesis resulta bastante fluida, minuciosa, detallada y fácil de comprender. En el capítulo 3 haces un análisis pormenorizado y en el capítulo 4 en la comparativa psicológica de los niños condensas y sintetizas de forma clara todo lo que se recoge en el capítulo anterior.

Mi nivel de nervios no me deja recordar ahora cuántas otras preguntas me hicieron. Lo cierto es que me dijeron que no se me notaba el nerviosismo, que se me veía bastante segura de mí misma. Aunque no sé cómo lo hice. Exceptuando el inicio de la presentación, que me vine abajo porque han sido 3 años duros de investigación sin un euro y no veia nunca en mi mente ese momento final. Al verme en situación, rodeada de mi familia, profesores y amigos, me imaginé a mi padre viéndome desde arriba, no me lo creí. Pero supe tragarme las lágrimas y continuar con energía. Lejos de considerar esto como algo negativo, una de las miembros del tribunal me dijo que pudo percibir que me apasiona lo que hago y esas lágrimas eran síntoma de que somos personas con sentimientos y emociones, no máquinas como nos convierte la burocracia en ocasiones. La sala quedó vacía, después de unos minutos dieron la entrada e informaron del resultado. El cum Laude no lo informaron en este paso (había que esperar días después) El paso último y siguiente era acercarse al Trbunal a darles la mano y dar las gracias nuevamente por su asistencia.

Tras este cúmulo de emociones, miembros del Tribunal, directores de tesis y yo fuimos al restaurante Garum a almorzar. Había reservado de antemano. Por cierto, comiendo me preguntaron por qué escogí ese lugar. La verdad es que me enamoré de este sitio porque está enfrente del cine Albéniz (C/ Alcazabilla) y me resultaba bastante simbólico. Está en una calle muy tranquila. Se come de maravilla, es especialista en atún y procuraron en todo momento adaptar la comida a las intolerancias y alergias. Al terminar el almuerzo no quería encerrarme entre 4 paredes todavía y en shock me recorrí las calles del centro de Málaga montada en una nube blanca, haciéndome estas preguntas: ¿era verdad o mentira? ¿habia pasado ya?

Un saludo amig@s y gracias por leerme.

Análisis: Douglas, guardián de Escocia (Sergio Boj, 2017).

La presente entrada realiza un pequeño análisis fílmico del cortometraje titulado “Douglas: guardián de Escocia” un cortometraje realizado entre las localidades de Teba (Málaga) y Loja (Granada). Es dirigido por Sergio Boj y fue proyectado este fin de semana en el municipio tebeño.

En principio hago una breve sinopsis del mencionado cortometraje: nos encontramos en el año 1330 y el rey de Escocia, Roberto I Bruce, ha encomendado a sus hombres de confianza una última misión, que no es otra que llevar su corazón embalsamado a Tierra Santa: Jerusalén. El elegido es James Douglas, uno de sus principales guerreros, quien se ganó su confianza con sus muchas victorias. En su trayecto, Douglas es informado sobre la guerra que el rey Alfonso XI lleva a cabo contra los musulmanes en España, y decide ayudarle. A pesar del parentesco entre el monarca español y el enemigo de los escoceses, el rey Eduardo de Inglaterra. Se conjugan aquí la traición, el sacrificio, la lealtad, el amor y la amistad. Por tanto, James Douglas se erige como un personaje clave en la historia de Escocia: como protagonista de este cortometraje ambientado en la Baja Edad Media.

Y adentrándonos en este particular estudio, es bien sabido que para llevar a cabo un análisis fílmico son necesarias bastantes visualizaciones de la producción y supone una actividad interminable, por la multitud de matices que se pueden tener en cuenta para su estudio. No obstante, el mini-análisis de este film supone un reto personal, ya que fueron unas notas mentales que obtuve simplemente con el visionado del mismo en una sola ocasión, allí mismo. Ante el bullicio de personas durante su proyección pública en un espacio exterior.

Voy a utilizar algunos de los parámetros de análisis que utilicé en el estudio empírico de los filmes de mi tesis doctoral, como son los aspectos morfológicos y sintácticos.

Entre los aspectos morfológicos destaco los códigos visuales: en principio encontramos que en la localización del Castillo de la Estrella (Teba) tiene un fuerte peso el material de la piedra, lo que puede ser relacionado tanto con la frialdad del individuo que ahí habita (Alfonso XI, encarnado por Adrián Vereda) a la hora de dirigirse a sus súbditos como con el contexto del conflicto bélico. Como códigos textuales,  se aprecia que el texto explicativo del hecho histórico presentado hacia el final del cortometraje se sucede de forma rápida y realmente no me da tiempo a leerlo por completo. Continuando con los códigos sonoros, como opinión personal decir que me gustó bastante este aspecto, especialmente en la escena presentada en la segunda mitad del film: me refiero a la escena en la cual un individuo toca la gaita junto al monolito dedicado a Sir James Douglas, ubicado en la Plaza de España del municipio tebeño. Y en el cual se inscribe un texto que narra la hazaña principal de este personaje escocés de nuestra historia. Igualmente de los códigos sonoros también se puede destacar que se da mayor protagonismo a los diálogos de los personajes que a la acción de los mismos. Lo que ofrece cierta información de su interior y conlleva un gran trabajo de preparación del guion por parte de los actores. Aparte de ello, decir que lo que destaca en los conflictos bélicos es la unión de los personajes que intervienen en los mismos y ello se pone de relevancia a través de la expresión: “siempre unidos”, que reiteran varios personajes en numerosas ocasiones.

Por otro lado, sigo con los aspectos sintácticos: la movilidad: observo que se conjuga la estaticidad con tomas realizadas con cámara en mano, pues la inestabilidad en el pulso se hace evidente en varias ocasiones. Y ambos se yuxtaponen tanto en los planos más cerrados como en los planos más abiertos. Planos cerrados que, tradicionalmente, vienen siendo conocidos porque nos introducen en los sentimientos y las emociones de los personajes. Insistiendo en la movilidad de la cámara, observo también leves movimientos en forma de travelling hacia arriba y otros laterales. A través de los cuales se describen los espacios exteriores, donde los individuos mantienen una serie de trifulcas y posteriormente yacen en masa, rodeados de sangre, en el suelo del espacio campal. En cuanto a la planificación, se intercalan planos cortos y planos largos a través de un montaje por corte en la misma escena. Algunos de estos planos presentan a los personajes en una situación plana (el individuo y la pared tras de sí) y otros planos muestran una descripción del lugar en el cual se sitúa. Es decir que se trata de planos más abiertos que muestran la profundidad de un espacio. Aquí me refiero, por ejemplo, a la escena presentada en el espacio del comedor del castillo, donde se localiza una mesa larga alrededor de la cual dos personajes se sientan, separados por el tamaño de la misma. Lo que denota cierta frialdad o desapego en su relación. Aparte de ello, como forma de hilvanar el relato, observo que la unión de las secuencias se lleva a cabo a través de un montaje en el que predominan los fundidos encadenados. En este sentido, se presentan también una serie de acciones en forma de flashes, pero no queda lo suficientemente claro si se trata de flash back (pasado) o si forman parte de una acción paralela (montaje en paralelo).

En general, y ya como juicio de valor, destaco las interpretaciones de los actores, la elaboración de los planos, construyéndose con especial cuidado, pues ocultan multitud de detalles, con estilo similar al de Eduardo Chapero Jackson en su cortometraje titulado “Contracuerpo”. El trabajo de vestuario, atrezzo y ambientación son interesantes. Aunque, desde el punto de vista de la producción, no llega al nivel de Braveheart (Mel Gibson), el conjunto del equipo hace un esfuerzo por acercarse a ella. Además de a la cultura y a la historia que une a la localidad tebeña con Escocia, a través de su visión histórica.

No olvidemos que el pasado y el presente se conjugan en esta construcción cinematográfica: pueden haber tenido un libro de historia delante, pero lo cierto es que se transforma un hecho histórico y se extrae de su contexto de partida: siglo XIV, para aportar algún valor, tema o matiz actual. Como es el individuo que toca la gaita ante el monolito ubicado en la Plaza de España y tras de sí el nombre de un negocio de hostelería se puede leer perfectamente.

Esta transformación sucede no solo en este film, sino en todas las producciones cinematográficas que recrean un contexto pasado, pues presentan una visión subjetiva. Por más veraz y auténtica que nos parezca la recreación de un hecho histórico, la historia es la historia y el cine es el cine, no es la historia. Aunque se utilice el medio fílmico para la recreación de hechos acaecidos en nuestra historia. Aclarar que un guionista es un individuo ubicado en un espacio y tiempo concretos, que de una forma u otra, tal vez inconscientemente, sus particularidades personales le pueden influir en la construcción de los personajes de su película.

Sobre las relaciones entre el cine y la historia se pueden leer las aportaciones de autores como Pierre Sorlin (1991), profesor en las universidades de Oxford y Nueva York y Josep María Caparrós Lera (2013) profesor de la Universidad Autónoma de Barcelona.

Sin más, volveré a ver este cortometraje en otra ocasión para tomar nota de otros aspectos de interés en su realización, porque se trata de un film interesante. Seguramente si nuestro país apoyase más al cine español, esta obra se podría transformar en un largometraje relevante, porque los actores muestran un gran talento en la interpretación. Os invito a verlo, aunque todavía no sé dónde se puede obtener.  Si tengo mayor información os lo indicaré por aquí.

Finalmente adjunto el enlace del teaser de este cortometraje:

 

 

 

 

Y el enlace a la página web donde pueden obtener mayor información de los personajes y otras cuestiones relevantes:

https://www.jamesdouglasmovie.com/

 

Un saludo amig@s.

Estas son las 10 películas más aburridas de la historia

Me resulta llamativo leer titulares como estos en algunos periódicos, este concretamente pertenece a ABC, del que más abajo coloco el enlace, ¿cómo puede ser posible que en pleno siglo XXI alguien se crea con derecho a creerse el dueño del “buen gusto” del público? Y mucho peor, sin argumentarlo con una serie de juicios de peso o una serie de criterios de análisis cinematográficos. ¿Acaso el público no es lo suficientemente mayor de edad como para elegir ver o no una determinada película o es necesario que lo tratemos como niños, que tienen que ser guiados en el camino de lo que se considera este “buen gusto?”  Muchos tenemos formación y conocimientos de cinematografía, pero nuestra función no es echar tierra encima a una película, al menos, lo que considero mi caso, sino extraer lo positivo, la reflexión, los simbolismos… aquellas cuestiones trabajadas por el director y que el espectador se acerque a una película desde unos ojos más críticos, con los que aprecie otra serie de elementos más allá de los actores, sin encasillarla en “buena” o “mala”. En esas diapositivas explicativas de las 10 películas en cuestión, reúnen apenas 2 o 3 líneas sin un mínimo de criterios de valor propuestos por la crítica o el comentario cinematográfico de grandes investigadores y analistas de nuestro país o bien del extranjero como puede ser el caso Ramón Carmona, Imanol Zumalde, André Bazin, entre otros muchos.

A continuación voy a citar algunas películas a las que se hace referencia en las diapositivas que presentan opiniones en este diario:

«Volver a nacer», no por favor.
“Sergio Castellitto es el director de esta película que ha sido calificada en varias ocasiones de «infumable». Parecer ser que lo único que salva la cinta es la actuación de Penélope Cruz. Los «flashbacks» que generan confusión en el hilo de la historia y los excesivos 127 minutos de película, hacen de «Volver a nacer» (2012) un largometraje nada recomendable. En cuanto a la historia, se podría resumir en que una mujer regresa con su hijo a Sarajevo 16 años después de que la ciudad sufriera un ataque durante la guerra de los Balcanes”.

¿Los flashbacks generan confusión? ¿Acaso se ignora que los flash back son recursos de la ficción que se emplean para presentar rupturas en el tiempo? ¿En qué consisten básicamente las diferentes partes de Regreso al futuro si no es gracias a los recursos de flash backs o flash forward?

«La intérprete» de horas perdidas.
“La película de Sydney Pollack se caracteriza por las dos horas de lentitud y diálogos sin trascendencia que la configuran. Nicole Kidman da vida a una intérprete de las Naciones Unidas que se entera de un secreto relevante que pone en peligro la vida de un presidente africano (de un país inventado). Casualidades que no se cree nadie, conspiraciones del Servicio Secreto de las Naciones Unidas y una relación prácticamente congelada entre los protagonistas son los que dan la esencia a un filme que prometía mucha acción y se quedó en… nada”.

¿Un país inventado? Por si no se sabía, el cine es ficción, no realidad, no tiene por qué ser real el nombre del país que el director ha propuesto. En este sentido, podemos recordar El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008) en la que se da vida a la ciudad de Gotham o el pueblo ficticio Spectre al que acude el protagonista de Big Fish (Tim Burton, 2003) y donde todos sus habitantes caminan descalzos, entre otros muchos. Es decir, si el criterio de tratarse de un país inventado fuese realmente importante, muchas otras películas no tendrían sentido.

«El clan de los irlandeses».
“Si Joyce levantara la cabeza… – Quizás los puristas del cine consideren que esta película es una obra de arte. Puede serlo, sí, pero es tremendamente aburrida. Exceptuando una brillante actuación de Gary Oldman, la película es un intento de «El Padrino» (1972) pero en su versión irlandesa. «El clan de los irlandeses» (1990) es una película que trata sobre un grupo de gánster irlandeses/estadounidenses que operan en la zona de Times Square. Un largometraje en el que, como no, tratarán de hacer negocios con la mafia italiana”.

Manifiesten que “Es un intento de El padrino”, pero ¿acaso no puede ser posible que el director de esta película haya sido influido por el estilo de Francis Ford Coppola y haya planteado su visión personal, que tome como referencia la mafia italiana? En este sentido, una etapa del estilo de Woody Allen toma como referencia a Alfred Hitchcock como puede ser el caso de Misterioso asesinato en Manhattan (1993), aunque en tono cómico o bien el caso de Sombras y niebla (1992), que presenta rasgos del expresionismo alemán, del estilo de Fritz Lang, con guiños a El vampiro de Düsseldorf (1931), o mismamente, Martin Scorsese, que dirige Malas calles (1973), una historia en la que se intentan introducir en la mafia, pero en un barrio italoamericano de Nueva York.

«El árbol de la vida», el eterno debate
“¿Aburrida o fascinante? La película dirigida por Terrence Malick y protagonizada por Brad Pitt y Jessica Chastain siempre ha tenido el mismo porcentaje de halagos que de críticas. Es una poesía en imágenes, o lo que es lo mismo, es aburrida”.

O sea, “poesía en imágenes o lo que es lo mismo, es aburrida”. Claramente, está calificando la poesía de aburrimiento. Una crítica realmente lamentable y nada constructiva, sobre todo para la gente que se interesa y escribe poesía.

Con todo esto, solo puedo decir que si críticos y teóricos del cine de la talla de André Bazin, François Truffaut, Rudolf Arheim, Sergei M. Eisenstein, Jean Mitry Christian Metz, Sigfried Kracauer…, levantaran la cabeza y leyesen lo que hoy en día se camufla como “crítica cinematográfica”, sentirían que su trabajo es insultado.

Sin más, espero haber hecho reflexionar un poco acerca de lo que algunos medios de comunicación consideran como “crítica” y la posesión del “buen gusto”, con el fin de, quién sabe si, machacar a sus directores u ofrecerles una mala reputación. Realmente, uno puede opinar de la película que le venga en gana, nadie está coartando la libertad de expresión, lo que critico es la falta de argumentos de peso para una correcta crítica cinematográfica y para la que se pueden leer algunos textos que recomiendo más abajo, si realmente se tiene la intención de proporcionar una crítica y no una opinión superficial, con algún interés.

 

Referencia Diario ABC online:
http://www.msn.com/es-es/entretenimiento/peliculas/estas-son-las-10-pel%C3%ADculas-m%C3%A1s-aburridas-de-la-historia/ss-AAdcHjz?ocid=SK2MDHP#image=10

 

Textos interesantes para hacer una verdadera crítica cinematográfica:

Carmona, Ramón. (2010). Cómo se comenta un texto fílmico. Cátedra.

Dossier La crítica II.  Miradas de cine, nº 51. Artículo disponible en: http://www.miradas.net/2006/n51/estudios/articulo1.html

Oubiña, David. (2014). Bazin, Deleuze y la crítica cinematográfica en Argentina, AdVersuS, XI, nº 26, pp. 116-132. Disponible en: http://www.adversus.org/indice/nro-26/dossier/XI2608.pdf

Zumalde I.  De qué hablamos cuando hablamos de análisis fílmico. Disponible en:   http://www.avizora.com/publicaciones/cine/textos/textos_002/0068_de_que_hablamos_cuando_hablamos_de_analisis_filmico.htm

Zumalde, I. (2009). La intrincada fenomenología del metatexto cinematográfico.  Anàlisi, nº 38, pp. 253-265. Disponible en: http://www.raco.cat/index.php/analisi/article/viewFile/142483/194038

Zumalde, I. El autor y su sombra. Artículo disponible en: http://www.ehu.eus/zer/hemeroteca/pdfs/zer12-08-zumalde.pdf