Archivos por autor | Nieves Corral

Clint Eastwood

Mar9

Es un director de cine, actor, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor procedente de Estados Unidos. Está considerado como una leyenda del cine. Fue influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar, David Janssen, que luego salió a la luz por su papel como actor en la serie “El fugitivo”, y Martin Milner, quien realizó otra serie titulada “La vida de Ritley”. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales. En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, pero luego se vio obligado a abandonar el cargo por la incompatibilidad para realizar sus películas.

Años más tarde, rueda en Almería una trilogía de spaghetti western “Por un puñado de dólares”, “La muerte tenía un precio” y “El bueno, el feo y el malo”. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de hombre duro y sin piedad. El 1968 crea su propia productora “Malpaso Company”.

Algunos críticos como Laurens Knapp lo consideran como “autor estrella”, en el sentido que hay directores capaces de adaptarse a la forma de trabajo de Hollywood, pero sin someterse plenamente al sistema comercial y proporcionando a sus produciones un sello personal.

Este director propone narraciones elípticas, personajes vagabundos, antihéroes y de clase trabajadora. Sus películas recuerdan a las producciones de John Ford, tienen un estilo muy marcado. Como algunas características de su estilo podemos citar las siguientes:

-una iluminación muy realista y colores apagados,

-rodajes en exteriores,

-utilización de planos-secuencia y narrativas circulares,

-sus personajes son sencillos y mantienen una postura frente al mundo

En la película “Cazador blanco, corazón negro”, el comienzo resulta muy interesante, pues se aprecia a un personaje cabalgando y un guionista bajando de un avión. Ambas situaciones se conjugan a través de un montaje paralelo. Esta forma de presentar el montaje la emplea anteriormente en “El jinete pálido”.

“Sin perdón” se acerca al género western. El protagonista, es un pistolero retirado, conocido como atracador y quese dedica a criar cerdos, una tarea que no le resulta bastante atractiva. En este caso, el director se aleja de conceptos enrevesados. La película es elíptica, se abre y se cierra con grandes planos generales. Trabaja con una iluminación natural, una estética neblinosa, presenta grandes paisajes. La escena del interior del bar se desarrolla de una forma extremadamente lenta.

“Bandera de nuestros padres” y “Cartas desde Iwo Jima” forman un díptico. En “Bandera de nuestros padres” el lado bélico queda de lado, pues lo que le interesa a Eastwood es la vertiente psicológica. En concreto, se puede destacar un desembarco que recuerda a la película de Spielberg titulada “Salvar al soldado Ryan”.

“Mistic River” cuenta la historia de Jimmy Markum, encarnado por Sean Penn. Los temas que aquí se presentan son el abuso, el dolor de un padre y la corrupción en la investigación policial.

“Escalofrío en la noche”, aborda temas como la violencia, tanto física como psicológica. Se trata de un thriller psicológico y conjuga además el drama y la intriga con tono realista. La trama del filme gira en torno a la obsesión afectiva que sufre una mujer, Evelyn, hacia un locutor de radio llamado Dave Garver, a quien llama todas las noches para que ponga la canción “Nebulosa” en su programa. Se pueden apreciar escenas paralelas con el filme “Atracción fatal”, pues en ambas películas la mujer intenta cortarse las venas y fallece. El personaje se va a ir construyendo a sí mismo, recibiendo una influencia que lo va a afectar y va a modificar su personalidad. Se aprecia aquí una gran habilidad con la cámara, presentando planos en escenarios de penumbra en la noche, lo que generara bastante miedo.

“Deuda de sangre” se trata de un thriller que mezcla el suspense y crimen. Aquí se aprecian una serie de travellings y panorámicas con objetivos descriptivos. La iluminación es natural y casi siempre en espacios exteriores. El dinamismo y la variedad de recursos visuales dan ritmo a la película. El protagonista tiene un comportamiento intimista, minimalista y solitario. Superioridad e inferioridad presentados a través de contrapicados y picados respectivamente.

En “Million dolar baby” encontramos un drama que aborda temas como el amor, la eutanasia y el esfuerzo. Las escenas con más peso se muestran a través de planos cortos y se usa el teleobjetivo para situar a los personajes.

“Cartas desde Iwo Jima” es un filme de género bélico, con estilo dramático y un tono realista. Su tema principal es la guerra y como otros subtemas destacamos el patriotismo, la amistad, el suicidio como derrota, la aceptación de la muerte y la exaltación de los sentimientos. Se resalta lo “humano” de una guerra, da voz al enemigo y se da predominio a las emociones.

“Un mundo perfecto”se centra principalmente en las relaciones humanas, tocando el tema de los malos tratos a menores. Aquí resulta significativa la evolución psicológica de los personajes. Además podríamos identificarla como una road movie, porque los personajes realizan un viaje por carretera y se presenta esta transformación psicológica que hace al personaje conocerse mejor a sí mismo.

“El jinete pálido” es un filme de género western. Supuso una reactualización de un género que se creía agotado. Aquí el director utiliza diversos elementos narrativos combinados con detalles técnicos elegantes y sutiles. El título de este filme proviene de la Biblia, en concreto del libro del Apocalipsis. Precisamente la cita del principio es leída por uno de los personajes cuando llega al pueblo minero. El guion fue realizado por Michael Butler y Dennis Shryack. Un interesante montaje en paralelo se presenta cuando resuena el trote de los caballos.

Según un artículo de la revista Cahiers du Cinema (febrero 2009), las dos películas más fascinantes, meditativas y melancólicas que ha dado la historia del cine son “Gran Torino” de Eastwood y “El curioso caso de Benjamín Button”, de Fincher. Ambas películas establecen entre sí una dialéctica que ilumina algunas encrucijadas del cine americano de la actualidad.

 

Steven Spielberg

Mar9

Steven Spielberg es un director, guionista y productor de cine estadounidense, cursó estudios de cine en la Universidad Estatal de California, en Long Beach. En 1969, el Festival de Cine de Atlanta proyectó su corto “Amblin”, con una duración de 22 minutos, lo que le supuso un contrato con Universal.

En 1984, creó su propia productora, Amblin Entertainment, con más de doce películas que fueron auténticos éxitos como “Gremlins”, “Regreso al futuro I, II y III”, “En busca del valle encantado”, “Los Picapiedra”, “Casper”, entre otros. En octubre de 1994, Spielberg, anunció la creación de DreamWorks SKG, un nuevo estudio en el que se asociaba con Jeffrey Katzenberg y David Geffen.

Es fanático del cine desde niño. Desde los 12 años inventaba historias y en algunas escenas trabajaba con salsa de tomate para imitar la sangre.

Si tenemos en cuenta las características que marcan su cine podemos citar las fantasías, los sucesos extraños, la presencia extraterrestre, la inocencia que se deja a un lado para dar lugar a la  madurez. Spielberg recibe influencias de otros directores como Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Fran Capra y Stanly Kubrick.

Su primer gran éxito fue “Tiburón”, película basada en una novela de best seller de Peter Benchley, presente durante todo el rodaje en calidad de «asesor». El filme comienza con tomas submarinas, planos generales de unos chicos en una playa, haciendo una barbacoa. Una chica se introduce en el agua y va a ser devorada por el tiburón. A partir de aquí, la narrativa va girar en torno al rescate de este animal submarino. Podemos apreciar terror psicológico, como utilizaba Hitchcock: que el monstruo no se viera hasta casi el final. Maneja el suspense y las elipsis temporales. La música enfatiza este terror y suspense, pues resulta inquietante.

Los productores de la película le recomendaron que rodase en un estanque, pero prefirió rodar en el mar, en una playa de Massachusetts, donde se hace pie hasta 20 km. Tuvieron muchos problemas con los tiburones, porque el agua salada influía en su mecanismo. Se construyeron 3 tiburones.

Spielberg pidió a la productora que no se mostrara el tiburón hasta haber transcurrido una hora de película, con el objetivo de mantener el miedo y el suspense entre el público, ya que el espectador no tendría una imagen o figura a la que temer, cosa que según el propio Spielberg da muchísimo más miedo.

Esta película fue un taquillazo y le valió la fama internacional. Como curiosidades de esta película, la selacofobia o miedo a los tiburones, muchos psicólogos la atribuyen especialmente a esta película.

En otro de sus filmes, “Encuentros en la tercera fase”, se observa su carga ideológica hacia lo sobrenatural, la otra dimensión. El protagonista siente la presencia de alienígenas. Un experto intenta comunicarse con estos seres mediante la música, una serie de notas musicales. Por otro lado, resulta significativa la escena en la cual el niño juega con unos trenes eléctricos que los hace chocar, aquí recuerda Spielberg a su niñez y se proporciona un autohomenaje.

El responsable de los efectos especiales es Douglas Trumbult. Entre algunos de estos efectos se puede comentar: las nubes del cielo realizadas a base de agua dulce y salada, con pintura blanca y permaneciendo en el aire.

Este perfil de niño que trata con ovnis se ve en otras de sus películas, como por ejemplo “ET el extraterrestre”, que es más infantil, tiene diálogos simples y no comunica nada, solo se trata de un extraterrestre que se ha perdido en la tierra y desea volver a su planeta. En cierta medida, apreciamos dos mundos: el infantil y el adulto. El extraterrestre fue un diseño de Carlo Rambaldi, quien se inspiró en los rostros de Albert Einstein, Carl Sandburg y Ernest Hemingway. En este caso, Spielberg decidió rodar toda la película de forma cronológica, incluidos los planos de cada secuencia, prescindiendo de story-boards e improvisando mucho, logrando naturalidad y verosimilitud. Además, consiguió terminar la película con varios días de antelación respecto al plan de producción. El director cuidó cada detalle al máximo para lograr dar privacidad, intimidad y espontaneidad a los niños. Se presentan también aquí atmósferas nublosas que resultan inquietantes.

Por otro lado, podemos citar “La lista de Schindler”, una película mucho más seria, con una temática conmovedora, que intenta reflejar unos hechos que sucedieron en la historia de la humanidad. Se retrata al ejército nazi, los soldados actúan con extrema crueldad en el escenario del holocausto judío. En este caso, Spielberg rodó con la cámara en mano. Cabe destacar que este caso se trata de un filme en blanco y negro con momentos en color. Un momento dramático a color lo encontramos en una escena en la cual aparece una niña con una chaqueta roja, chaqueta que luego aparecerá tirada. Para esta película, construye una réplica de un campo de concentración. Conviene poner de relevancia que con esta película Spielberg renunció a cualquier derecho económico y lo donó a asociaciones que se dedican a dar dignidad a las víctimas del holocausto nazi.

En el caso de “Indiana Jones, en busca del arca perdida”, encontramos primeros planos y planos medios para la presentación de diálogos, claroscuros, travellings, panorámicas y planos largos para describir lugares. El montaje tiene cortes rápidos para dar sensación de dinamismo. Esta película fue rechazada por diversas distribuidoras, ya que sus ejecutivos consideraban que el argumento era demasiado extravagante y era muy costosa para producirla. No obstante, Paramount Pictures decidiría financiar el filme. Debido a las altas temperaturas y al riesgo de contracción de enfermedades, el rodaje en el lugar resultó una experiencia severa. Varios actores y personal técnico se enfermaron, aunque Spielberg fue uno de los pocos que se mantuvieron sanos.

“El color púrpura” se trata de una película basada en una novela de Alice Walker. Es una película más intimista y presenta una perspectiva más madura. Cuenta la vida de una mujer de color que sufrió abusos durante su infancia por parte de su padrastro, con el que tiene 2 niños, fruto de estas violaciones. Esta señora, encarnada por la actriz Whoopi Goldberg, mantiene una actitud pasiva, resignada y sumisa, como consecuencia de su infancia y adolescencia. Así pues, aborda la problemática de la religión, el racismo, la violencia de género, la muerte y la esclavitud. El género masculino de esta  película se asocia al sufrimiento y al dolor de la mujer. Se muestran entornos naturales que contrastan con la violencia que llevan a cabo diferentes personajes.

En “Salvar al soldado Ryan” encontramos una película bélica que retrata a las minorías. Fue Kaminski quien realiza la fotografía y ganó el Óscar a la mejor fotografía. En los primeros planos y planos detalle se aprecia el sentimiento y el miedo de cada uno de los personajes. Se aprecia un cambio en la intensidad de la luz y resultan significativas las siluetas casi negras. Resultan perturbantes los sonidos y ruidos procedentes de tanques, gritos, disparos, lluvia. Además, el montaje tiene una estructura clásica, con transiciones entre batalla y batalla. Otros temas que se aprecian son la religión, el dolor, el miedo, la lealtad, el patriotismo, la humanidad. Y todo ello da como resultado una critica hacia la guerra, denunciando la crueldad de este escenario bélico.

Podemos comparar a Spielberg con Shyamalan. Uno de los motivos visuales más usuales en las obras de ambos es el plano que muestra a sus protagonistas mirando al cielo, lo que provoca un inmediato efecto metafórico en la imagen de sus espectadores, que observan la pantalla con la misma expectación que los héroes del filme. Ambos quieren devolver el cine a sus procedimientos narrativos clásicos de la industria de Hollywood. Por su parte, Shyamalan se inclinó por las películas con contenido sobrenatural, como Spielberg y no por las comedias románticas como otros directores americanos. A la película “Señales”, de Shyamalan algunos críticos le encuentran parentesco con “Encuentros en la tercera fase” de Spielberg, pero es precisamente en la creación del misterio, la revisión de los mitos y la presentación de los extraterrestres donde Spielberg logra un éxito rotundo y sin embargo Shyamalan fracasa.

 

Woody Allen

Mar9

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía influye en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección, comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo.

Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.

Su estilo se divide en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos filmes como “Toma el dinero y corre”, en la que hace el papel de un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charles Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, en la que recibe influencias de Fellini y muestra gags independientes.

-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, que presenta un personaje débil y perdedor, descrito como intelectual. Por este filme recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo. “Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, sino que oimos planos de susurros y gritos. Se aprecia la influencia de Bergman, en concreto de “Mitos y susurros”, por el tema de la muerte y la incomunicación humana. Presenta largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturaleza muerta, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Aborda la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película proviene de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista con rasgos de neurosis y dominancia. Recibe también influencia de grandes filósofos como Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). Otras de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini. Director que le influye también en “Comedia sexual de una noche de verano”, “Septiembre” y “Días de radio”.

-En la etapa manierista recibe influencias de Hitchcock, como en “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini. Otros filmes de esta etapa son: “Sombras y niebla”,  “Maridos y mujeres”, “Misterioso asesinato en Manhattan”, “Balas sobre Broadway”,  “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, “Desmontando a Harry” y “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental.

-De su etapa de madurez tenemos producciones como “Granujas de medio pelo”, en la cual vemos que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop” y “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, utiliza un estilo irónico, presenta temas como la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, el machismo y la adopción. Tiene escenas largas en la que presenta largos planos-secuencia, panorámicas.
En “Scoop” tenemos una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística. Presenta planos-secuencia en los cuales integra a personajes que hablan fuera del encuadre, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información.

“Zelig” es una sátira que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. Realmente no tiene personalidad propia. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático.

“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa exclusivamente cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste el plan. Observamos que se utiliza la música de suspense, se manejan silencios, recursos que dan ritmo a la obra. Muestra una atmósfera expresionista, rodeada de oscuridad, claroscuros, callejones escasamente iluminados, planos-secuencia y planos circulares, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista.

“Match Point” se puede describir como un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utiliza música clásica.

“El dormilón” está construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Se trata de película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos son intimistas y hacen reflexionar.

Respecto a los créditos de sus películas, cabe destacar que utiliza la tipografía Windsor Light condesed.

El ángel exterminador, Luís Buñuel

Feb27

Esta obra de Buñuel es un drama surrealista realizado en México. El director intenta ridiculizar a la burguesía y hacerle ver que en ciertas circunstancias de la vida tienen un comportamiento similar al de cualquier ciudadano de a pie, por lo que no por tener más recursos económicos, mantienen la compostura, ya que, en este caso, sin el servicio doméstico no pueden actuar por sí mismos. Y, para sobrevivir comienzan a poner de manifiesto una serie de de monstruosidades y expresiones fuera de lugar. Se atacan  como consecuencia de la sugestión y la imposibilidad de comportarse de forma educada en situaciones límite para el ser humano.

Antes de iniciar el comentario, me gustaría resaltar una frase de la película que me resulta muy significativa y se produce cuando un señor y una señora mantienen una conversación acerca de una de las muchachas presentes en la mesa, Leticia. A la que se refieren con el comentario: “Dicen que todavía conserva ese objeto, es una perversión». Creo que es relevante porque habla del tema de la virginidad como si fuera un objeto, una cosa y no un estado en la mujer. Tratado aquí como una cuestión fría y superficial.

Podríamos dividir la película en dos bloques en función de los lugares principales en los que se desarrolla.

Bloque 1: se produce mientras están en el interior de la mansión. Aquí, se va mostrando cómo los personajes van evolucionando psicológicamente. Comienzan comportándose de una forma cordial, educada y al final terminan comportándose de forma diferente a los modales que su clase social exige, llegando al punto más bajo al que puede llegar a comportarse una persona, como es la violencia, la agresión y deseos de asesinatar ante una situación incoherente.

Bloque 2: muestra cuando los invitados salen de la vivienda y acuden a la Iglesia para celebrar una misa de agradecimiento. Al finalizar dicha misa, se encuentran incapaces de salir, pero esta vez, se hallan junto a los fieles, mayoritariamente ciudadanos de clase social baja. Algo que realmente la burguesía presentada en este filme detesta, pues en algunas escenas en la que mantienen conversaciones acerca de la clase social baja, se refieren a ellos de forma despectiva.

Vamos a presentar algunas observaciones procedentes de las escenas que consideramos más significativas:

Al principio de la obra tenemos varios elementos surrealistas como son el grupo de corderos y un oso que están en el interior de la casa, que van a simbolizar esos instintos animales de supervivencia. El grupo de corderos puede remitir a la religión, al rebaño que sigue a un ente superior sobre todas las cosas. Por otro lado, el oso para Buñuel representa el comunismo, pero también el  comportamiento al que llegan los componentes del grupo, la conducta de un animal del bosque, aislado de la civilización, que hace lo que sea por sobrevivir, que se comporta sin principios éticos con los demás integrantes que conforman un grupo y se siente incapaz de relacionarse de forma normal sin que haya agresividad de por medio. Otro detalle surrealista sería la presencia de unas patas de gallina, un detalle que recuerda también al comportamiento animal, además de algo incoherente: que en el bolso de una mujer de una clase social elevada lleve en su bolso unas patas de gallina como si se tratase de unas llaves.

También, otras referencias que podemos comentar como parte de este estilo surrealista, la podemos apreciar cuando acuden al papel como alimento de consumo para sobrevivir, para saciar su necesidad; o bien, el agua de un florero para saciar la sed, así como la fila que conforman para beber un poco de agua de la tubería, que se encuentra en la pared, ya que usualmente las tuberías se ubican por el suelo.

Por otro lado, cuando se abre la alerta para entrar, cabe destacar que un niño intenta entrar a esta lujosa vivienda, pero cuando llega a la mitad del patio algo se lo impide. Algo emocional le impide introducise en el interior.

A grandes rasgos, se evidencia esta evolución psicológica: en un primer momento, se evidencia su altanería y refinamiento, elegancia, frialdad, educación, cultura… Pero, sacan sus instintos animales y se muestran inútiles, maleducados, agresivos, incoherentes…, fiel reflejo de la degradación de la especie humana, evidenciándose el egoísmo, conductas casi primitiva, formación de bandos, pérdida de valores humanos y roce de la locura.  Finalmente, el filme reflexiona sobre la agresividad, la irritabilidad, la claustrofobia, la desesperación humana ante un estado límite, la sugestión de un determinado estado de enfermedad o incapacidad física o psicológica, cuando parece que apreciamos una serie de elementos que en realidad no son lo que parecen. Sin dejar a un lado la muerte, pues cuando el hombre mayor se está muriendo nadie percata de la necesidad de salir de la habitación para buscar ayuda, ignorando su estado de agonía.

 

 

El destino se disculpa, José Luís Sáenz de Heredia

Feb26

 

Se trata de una daptación basada en la obra «El fantasma» de Wenceslao Fernández. Sáenz de Heredia se inició en el séptimo arte subtitulando películas extranjeras. Su primer trabajo como cineasta fue en 1934, cuando sustituyó a Fernando Delgado en el rodaje de la película “Patricio miró una estrella”. Este cineasta fue siempre fiel al bando nacional y puede percibirse especialmente en la película “Raza”, pero no quiso limitarse a ser el cineasta propagandístico del régimen y se atrevió con otro tipo de proyectos audiovisuales.

Se puede decir que esta película es una comedia fantástica, que desarrolla el argumento con episodios cotidianos, con tono humorístico y situaciones graciosas e irreales. Respecto a la puesta en escena, los actores saben transmitir sentimientos y hacen que el espectador se involucre en la película, se sienta identificado con los personajes. En el desarrollo de la obra vemos la interpretación de unos personajes típicos de la clase media de esta época. Podemos decir que son de clase media por el vestuario utilizado y el lenguaje que usan.

Esta obra presenta un retrato realista y crítico de aquel Madrid de posguerra y de las dificultades para sobrevivir en esta época. La historia gira en torno a la influencia del destino, las casualidades de la vida y la muerte, y tiene por protagonista a dos muchachos que son grandes amigos y comparten inquietudes.