Vi La infiltrada en el cine de verano del patio de la Diputación de Sevilla. Se trata de una película dirigida por Arantxa Echevarría en 2024, una dirección valiente y basada en la historia real de Aranzazu Berradre Marín, pseudónimo con el que se infiltró una agente de la Policía nacional en la banda terrorista ETA durante 8 años. Consiguió adentrarse en la izquierda abertzale, siendo la única mujer que convivió en un piso con dirigentes de ETA, con miedo y sensación de angustia y repudio.
Durante su infiltración se ve obligada a cortar totalmente lazos familiares para poder desarticular el comando Donosti en un momento crucial en el que la banda declaraba falsamente estar en tregua. Le dan varios toques de atención por posibles errores e intentan cancelar la operación, pero su insistencia y determinación hacen que el jefe siga confiando en ella. Destacaría el poder de la música en esta película, porque si bien no es que funcione como leitmotiv, la sensación de que puede ser descubierta aumenta con el ritmo in crescendo de la música en momentos clave, uno de ellos se produce en la escena en la que lleva al jefe la ansiada carpeta de nombres y objetivos a los que pretender atentar y luego tienen que devolvérsela a través de otra agente en un tiempo récord. El poder de la música mantiene la atención en el espectador durante toda la película, lo mantiene alterado.
La interpretación de los protagonistas es muy buena (Carolina Yuste y Luis Tosar), pero hay otros personajes secundarios importantes sin los cuales no podría avanzar la historia, porque instalan micrófonos en el piso, para tenerlos supervisados en todo momento y también cuando le hacen algún encargo (llevar o recoger mensajes a Francia y otros favores para el desarrollo de la causa), por tanto el protagonismo es más bien coral. En general, creo que es una película dura, cruda y que genera una reflexión de los años de sufrimiento que vivió esta chica.
He intentado compartir el tráiler desde Youtube, pero se genera algún error y no es posible, así que comparto en este caso su inclusión en la página web de los Goya 2025, ya que estuvo obtuvo 13 nominaciones y consiguió 2 estatuillas: https://www.premiosgoya.com/pelicula/la-infiltrada/
Condenso en esta entrada varias películas de ciencia ficción y que tienen a los robots y/o la inteligencia artificial como tema central. Existen muchísimos films, pero os comento los que he visto este año en Netflix.
En primer lugar, Estadio eléctrico (Anthony Russo y Joe Russo, 2025), que presenta a una joven aventurera llamada Michelle, y su robot, Skip, que tratan de viajar al oeste para llegar a la costa del Pacífico a través de una América futurista que ha sido destruida por la guerra y una extraña raza de drones monstruosos. Durante este viaje, se encuentran buques de guerra que son tan grandes que parecen montañas de metal, además de humanos adictos a la realidad virtual conectados a aparatos cerebrales. Ambientada en un universo alternativo de los años 90, la historia mezcla la nostalgia con la ciencia ficción, pero lanza una reflexión interesante: «somos carne y hueso, pero también electricidad y cuando nos abrazamos, algunas partículas del otro se quedan en nosotros». Me quedo con esta frase de la película, aunque las cifras de audiencias no hayan sido lo suficientemente altas.
Por otro lado, comento la película I am mother, dirigida por Grant Sputore en 2019, en la que una adolescente (Clara Rugaard) es criada en un búnker subterráneo por una madre robot diseñada para repoblar la tierra después de un evento de extinción masiva. La inexplicable llegada de una mujer (Swank) amenaza este vínculo, cuestionando todo lo que se le dijo a la niña sobre el mundo exterior. Comienza a explorar el origen del robot y descubre la verdad de la gran misión de su madre. Con una figura lo bastante humana y una cariñosa voz femenina, está programada para leer y responder perfectamente a los estados emocionales de la niña. Pero, por desgracia, el robot no puede sentir emociones, está diseñado para servir a un propósito más elevado.
Realmente, Madre fue quien decidió exterminar a los humanos y volver a criarlos desde cero, encargándose de educarlos para que tuvieran los valores correctos y fueran la mejor versión posible de ellos mismos. Hija sería la primera de esa nueva Humanidad, después de que Madre hubiera matado a los candidatos previos. Me ha gustado mucho la iluminación de interior y exterior y la interpretación de la niña. El final me ha resultado insípido, algún detalle más habría sido esclarecedor para la trama, aunque el último diálogo entre el robot y la humana encarnada por Swank tiene algunos matices interesantes. Esto abre un debate, porque los robots y la Inteligencia Artificial se programan para hacernos de comer (Thermomix) limpiarnos la casa (Conga), nos ponen música (Alexa), etc., pero ¿Puede un robot sustituir a una madre? Está claro que en ciencia ficción y en un universo distópico, sí.
Además, también me ha parecido interesante Chappie, dirigida por Neill Blomkamp en 2015 y que plantea una narrativa que se produce en un futuro próximo. Presenta un intento de frenar la alta delincuencia, para lo cual la policía se hace con unos robots inteligentes blindados que patrullan las calles luchando contra bandas criminales. Uno de esos robots es robado y reprogramado para ayudar a un grupo de delincuentes, pero además es capaz de sentir y pensar por sí mismo. Valiéndose de su conciencia, su creador lo enseña a desarrollar la capacidad creativa y hacer el bien ante todo. Sin embargo, otro trabajador de su empresa provoca el caos en la ciudad con el propósito de que la jefa diese el visto bueno a sacar a la calle su gigantesco competidor, que no por ser más grande y potente es capaz de superar a Chappie. Su comportamiento genera bastante ternura y empatía, sobre todo porque es capaz de sentir miedo, dolor y en varias situaciones cuestiona por qué los seres humanos mienten y se hacen daño. Los planos subjetivos me han parecido muy interesantes, la recomiendo aunque sea de hace unos años.
En definitiva, la Inteligencia Artificial ya está en todas partes, de hecho al escribir este post, en la franja derecha aparece un nuevo bloque denominado «Mejorar con IA», pero no me interesa, porque no es una máquina quien ve las películas, quien observa detalles y quien pone en práctica la capacidad de reflexión, soy yo, y realmente no me interesa esa función.
Se trata de un thriller psicológico dirigido por Martín Mauregui que se ha estrenado este 2025 y es protagonizado por Carmen Maura. La trama comienza en una carretera con varias llamadas de teléfono que recibe una joven de su madre preguntándole por la receta de unos dulces típicos argentinos, lo cual empieza ya anunciando que algo no funciona bien en la mente de esta señora mayor. Pedro recibe un inesperado mensaje de auxilio por parte de su expareja, que le ruega cuidar de su madre unos días, en vistas a que la enfermera ha desaparecido de su casa y no da señales de vida. Alicia es una anciana con demencia senil, o también consecuencia de años de abuso que se deja entrever en algunos diálogos que mantiene con la expareja de su hija. Sin embargo, lo que comienza como un acto de compasión, se transforma en una experiencia aterradora, pues la anciana muestra comportamientos cada vez más perturbadores y Pedro empieza a sospechar que algo mucho más turbio se oculta tras su aparente enfermedad senil. La interpretación de Carmen Maura es magistral, la historia es oscura, inquietante y perturbadora. Técnicamente tiene escenas interesantes, como la agresión sexual de Alicia a Pedro en una escena en la cual predomina la oscuridad, una música aterradora y el caos del desorden de una casa prácticamente en ruinas, como también lo está la mente de Alicia en ese punto de su vida.
Secretos, sueños y pesadillas de abuela y nieta, flash backs, abuso de un exmarido que su hija no conoce, pero sí su nieta. Os comparto el tráiler de la película y os invito a verla, estuve viéndola en el cine en octubre.
Black Phone I (2021) es un thriller de terror y la trama sigue a un joven llamado Finney Shaw, quien es secuestrado por un asesino en serie y encerrado en un sótano insonorizado. En este sótano, Finney encuentra un teléfono negro desconectado que comienza a sonar, revelando las voces de las víctimas anteriores, quienes intentan ayudarlo a escapar. Técnicamente me ha parecido impresionante, especialmente la iluminación, la música y las voces. Comparto el tráiler para que os familiaricéis con el trasfondo de esta película.
El raptor acude cada día a dejarle alimentos en el sótano, en varias ocasiones el joven hace intentos de subir a la vivienda para poder escapar y en estas escapadas descubre algunos secretos.
Esta sería la primera parte, pero unos años después sale la segunda parte de Black Phone (2025). Aquí se profundiza más en las relaciones personales de Finney y la película presenta a su hermana, tres niños perdidos entre la nieve y un raptor asesinado que regresa a sus vidas con un propósito. Que no es otro que vengarse del joven Finney que lo mató, enfocando la atención en hacer daño a lo que más quiere: su hermana. Una joven considerada rara por sus compañeras del instituto, que tiene pesadillas por las noches y su madre, quien unos años atrás se suicidó, intenta conectar con ella a través de un teléfono negro. En estas pesadillas, unos niños fallecidos intentan enviarle mensajes para que ambos hermanos acudan a un campamento religioso en el que, casualmente, estuvo trabajando su madre.
El raptor la visita mientras duerme y la pone cara a cara con una verdad incómoda a la que debe enfrentarse. Los trabajadores del campamento ponen de su parte para arrojar luz al secretismo que azota la zona desde hace años y descubrir la verdad en torno al paradero de esos niños. La trama no deja indiferente. Pero la música tampoco, porque es uno de los aspectos técnicos más escalofriantes de esta película y supone un late motiv que acompaña a las apariciones del raptor (en la mente de los personajes principales: Finney y su hermana), pero más explícitamente al espectador. El sonido del teléfono cuando menos se espera genera un poco de temor, al desconocer qué voz será la que transmita un nuevo mensaje (¿voz femenina?¿masculina?¿infantil?). Aunque muchos silencios resultan bastante incómodos. Sin embargo, algunos detalles no terminan de entenderse bien si no se ha visto la primera versión de Black Phone, con la cual conecta en determinadas escenas a través de flash backs. Pero aquí, la nieve quemará más que el fuego. Si bien en la primera parte encontramos a un psicópata que secuestra y asesina principalmente a niños, en esta segunda, el poder de la mente es aterrador. Las pesadillas pasan a convertirse en una interacción prácticamente real con el raptor para intentar vencerlo. Comparto el tráiler de la segunda parte y os animo a verla.
La primera se puede ver en Netflix, la segunda la vi hace más o menos un mes en el cine.
El misterio de esta película gira en torno a una cámara de fotos guiada por un psiquiatra que dejó atrás su profesión sanitaria para convertirse en fotógrafo artístico. Bien, pues con especial audacia este fotógrafo selecciona a una serie de chicas con cierta debilidad, para acompañarlas en su proceso emocional de autoconocimiento y crecimiento personal, víctimas todas de violencia de género en su matrimonio.
El proceso que emprende resulta ser bastante doloroso para ellas. Aquí, la cámara (tanto en forma de fotos como de vídeos) funciona como testigo de los golpes que simula propinarles para crear en ellas la sensación de fortaleza ante su maltratador. Sin embargo, extrañas circunstancias rodean a cada una de estas chicas, pues tras las sesiones fotográficas que lleva a cabo con ellas en espacios públicos abiertos y no tan abiertos, desaparecen misteriosamente de su entorno habitual. Formando parte después su imagen de exposiciones fotográficas publicitadas en marquesinas alrededor de la ciudad y acumulando denuncias por supuestas desapariciones o posibles asesinatos que inculpan a este fotógrafo. Además, tanto su proceder en la película como el lenguaje audiovisual más destacado, como son los planos y los colores que lo rodean, hacen pensar que esconde secretos que implican a la justicia.
Podemos encontrar un mensaje de valentía hacia estas mujeres maltratadas en esta película, pero este señor, encarnado por el actor Oliver Williams, no resulta ser un alma tan caritativa, pues hace creer a estas chicas que se encuentra solo porque su esposa se suicidó y realmente necesitaba su ayuda, pero estaba adentrado demasiado en su trabajo. De esta forma, se gana la confianza de las mujeres. Sin embargo, lo cierto es que asesinó a su esposa en un ataque de ira, cuando ella quiso el divorcio y se marchó a la cama. En una situación en la cual el psiquiatra se aprovechó de su poder para terminar con su vida en la oscuridad de su habitación. Esta información llega al espectador en forma de flash back hacia el final del filme, cuando una de las chicas, después de 6 meses, lo busca para agradecerle su ayuda y se muestra al espectador la realidad que rodeó a su pasado matrimonial.
Así pues, una de las técnicas más destacadas y repetitivas de esta película es el flash back, rodeado de oscuridad en la mayoría de casos y a través del cual se rebelan secretos de la vida de los personajes principales, así como del personaje principal que encarna el papel del fotógrafo. Vislumbrándose una mirada oscura y desafiante, pues no esconde humildad, ni inocencia o ingenuidad.
Una escena especialmente interesante se produce cuando la chica, encarnada por Sara Malukul, en pleno estado de embriaguez, sale una noche a pasear por las calles y un viandante intenta sobrepasarse con ella, tocándola de forma despectiva y forzándola a quitarse la ropa. No obstante, el fotógrafo aparece misteriosamente y lo agrede para que la deje en paz, diciéndole «ella es mía», es decir, un comentario que pone de manifiesto que la considera de su propiedad. Y esto puede inducir al espectador a pensar que esconde algo.
Finalmente, sombras, golpes, flash back y una cámara de fotos se dan cita en esta película cuyo objetivo es dar fuerza a hablar a las mujeres maltratadas para buscar ayuda, pero también un mensaje. Y es que no pongan su confianza en alguien que les pide desnudarse tan deliberadamente en una estación de tren, porque ni los buenos son tan buenos, ni los malos son tan malos. Si bien es cierto, la simbología del tren aquí representa el paso de la vida de las chicas, rodeado de violencia, dolor y depresión. Pero, el tono de la película hace pensar al espectador que el fotógrafo la va a lanzar a las vías del tren en cualquier momento de la sesión fotográfica, por sus gestos, sus miradas y la investigación paralela que la policía está llevando a cabo ante las misteriosas desapariciones.
Recordemos que la fotografía desempeña un papel importante en la sociedad, ya que se ha vuelto imprescindible tanto para la ciencia como para la industria y es utilizada en diferentes actividades humanas, como forma de materializar o congelar recuerdos, acontecimientos de la vida cotidiana, como momentos familiares, desastres naturales, conflictos bélicos, etc. Y aquí, se le otorga a la fotografía un poder curativo y de refuerzo, pero utilizada a manos de un maltratador que pretende afianzar un rol de poder sobre las mujeres.
Con todo, comparto el tráiler y os animo a ver la película.
Hola amig@s, desde hace tiempo no puedo escribir por aquí porque he tenido mucha tarea en el trabajo. Empecé a dar clase en la Universidad de Sevilla y desde entonces dejé el cine un poco apartado para dedicar esfuerzos en la docencia asignada, que tiene que ver más con las nuevas tecnologías y los videojuegos. Pero, ahora en verano, estoy sacando tiempo para analizar cosillas de cine que realmente me apasionan y dan forma a este blog que nació hace 12 años.
Pues bien, en esta entrada me gustaría hablaros de una película que estuve viendo recientemente y recibe el nombre de «Mediterráneo», se trata de una película dirigida por Marcel Barrena y protagonizada por Eduard Fernández (en el papel de Óscar), Dani Rovira (para el papel de Gerard) y Anna Castillo (dando vida a Esther) en el año 2021. Una película estremecedora, basada en hechos reales, que tiene como argumento la partida de unos socorristas de las playas españolas hacia las islas griegas para salvar a ciudadanos que huyen de Turquía. Aquí descubren que los guardacostas y las fuerzas de seguridad hacen la vista gorda ante estos sucesos.
Una de las trabas más destacadas será el idioma entre los socorristas y las fuerzas de seguridad, pero la empatía que sienten estos socorristas por estos seres humanos que lo único que buscan es salvar su vida, hará que los guardias de la prisión en la que son encarcelados constantemente, dejen de pedirles dinero para ser excarcelados.
Cada noche, los socorristas acuden a la playa a avistar si se acercan embarcaciones y durante su faena se encuentran a una señora, médica de profesión, cuyo único objetivo es encontrar a su hijo, pues desconoce si ha podido morir en el intento, ha podido salvarse o ha podido ser capturado por las mafias.
Como dije anteriormente, la narrativa de este film es estremecedora, porque nos crea conciencia de lo que padecen estas personas que intentan salvarse de los conflictos bélicos o armados en busca de una vida mejor, pues montan en estas embarcaciones pensando que llegarán a tierra firme, pero el agua esconde demasiados peligros de los cuales es bastante complicado protegerse si el único objeto de salvación es un flotador lleno de botellas de plástico vacías. Lo único que les ofrecen las mafias que delinquen con personas en el mar.
No podemos olvidar contar que Óscar, como jefe, pedirá a los trabajadores que le quedan en su empresa española, le envíen sus motos de agua, para adentrarse en alta mar, poniendo todos sus esfuerzos y recursos económicos a disposición de las vidas que cada noche se echan al mar. Precisamente estas motos acuáticas se convertirán en los principales instrumentos de trabajo y protagonizarán una de la escenas más espeluznantes de la película: cuando los socorristas llegan a alta mar, encontrarán una multitud de cuerpos que agonizan e intentan sobrevivir en el agua, para otros ya será tarde, pues han perdido la vida. Y esto se materializará en nuestras pantallas a través de un plano general en vista cenital. Podéis verlo en el minuto 1:40-1:42 del tráiler oficial que comparto a continuación.
Por eso, la sucesión de planos y las angulaciones que se van contemplando mientras el mar se va tragando las vidas de estos seres humanos sin fuerzas y los socorristas abatidos y desanimados de tantísimas vidas que saben que van a perder, harán que el espectador no pueda evitar llorar a lágrima viva. El mar se va quedando con adultos y con niños, con ilusiones que se mueren en el camino, mientras las mafias engordan sus cuentas a costas del sufrimiento, de la sangre y el dolor de las familias o de personas que lo han perdido todo.
Así pues, desde el punto de vista audiovisual, aparte de lo anteriormente comentado, no se puede obviar que los colores que se dejan ver en este film no dejan de ser prácticamente oscuros, más bien grisáceos, tanto en tonalidades de los vestuarios que porta la mayoría de personajes, en el mar, en elementos de las playas, en los vehículos y espacios por los cuales transitan los supervivientes y los socorristas. Sin olvidar la oscuridad de los espacios exteriores durante las noches, que llevan a pensar que el mar esconde tanto secretos como vidas que difícilmente serán encontradas. Además, los numerosos planos cenitales y a ras del mar, así como los movimientos de cámara tan sinuosos en circunstancias acuáticas, en las cuales resulta palpable que los protagonistas se quedan sin aliento, el espectador logra ser partícipe de la situación por el realismo y la viveza que comprende.
Dolor y un contexto dramático de gran impacto, pero el espectador logra dibujar una sonrisa cuando descubre que esa madre se reencuentra con su hijo cuando ya lo daba por fallecido. Una pequeña alegría dentro de esta tragedia humanitaria que nos hace pensar que el esfuerzo de buscar, acudir presa y vivir en la pena, mereció la pena, al menos por su parte.
En definitiva, aquí encontramos una película que nos hace reflexionar sobre la empatía, la inocencia e ingenuidad, el sufrimiento, la trata de personas, la esclavitud, los campos de refugiados, de cómo los gobiernos y nuestras instituciones europeas gestionan tan mal la inmigración y se pierden tantas vidas en nuestro mar Mediterráneo.
Os animo a verla y me escribáis en los comentarios.
Hola amig@s, comparto el último post de mi blog, donde hago un microanálisis de Dolor y Gloria, un film dirigido por Pedro Almodóvar en 2019 protagonizado por Antonio Banderas y Asier Etxeandía como personaje que también adquiere un papel importante en el desarrollo de los acontecimientos junto con Nora Navas.
Espero que os guste, os animo a ver la película y me comentéis lo que consideréis interesante.
Hola, comparto en este post un microanálisis de una película sobrecogedora de Montxo Armendáriz que responde al título de No tengas miedo. Se trata de un filme estremecedor, que plantea los abusos en la infancia y los traumas que ocasiona a las víctimas. En este caso, la mirada ejerce un poder importante entre padre e hija, pues no es hacia el final cuando el padre (Luís Homar) no logra sostenerla, pero sí la hija (Michelle Jenner), y a través de esta acción la joven logra convercerse de que tiene la suficiente fortaleza como para seguir su camino en soledad, lejos de una relación paterno-filial maquillada de un supuesto cariño que le ha ocasionado heridas en el alma. Entresijos para conseguir cariño, juegos para ganarse la confianza… y un sin número de detalles ponen en evidencia que los abusos llegan a todos los rincones, no solo a sectores sociales en riesgo de pobreza o con problemas de alcoholismo. Sin más, tras esta breve introducción, adjunto el vídeo, espero que os parezca interesante y os animo a ver esta película.
Hola, en este post presento un microanálisis de una de las películas que considero un clásico en la historia del cine. Se trata de un filme dirigido por Roberto Rosellini en 1948 que tiene como trasfondo la segunda guerra mundial y un adolescente que trata de sobrevivir en este sobrecogedor contexto, rodeado de ruinas y estraperlo. Y, aquí reflexiono un poco sobre algunos detalles que se muestran. Sin embargo, en lugar de texto escrito, lo hago a modo de vídeo
Un trasfondo amoroso y secretos familiares se vislumbran en esta película alemana que responde al título de «El amor no prescribe» (Oliver Dieckmann, 2020).
La protagonista se llama Maren y pretende abrir una escuela de surf en Bretaña junto a un compañero, pero antes se ve comprometida a acompañar a sus padres en sus bodas de plata. Unas bodas que realmente no tienen lugar en ningún momento a lo largo de la película, pues la narrativa gira en torno a conocer si su verdadadero padre (Adam, encarnado por Carl Achleitner) es quien su madre (encarnada por la actriz Ursula Buschhorn) dice ser, ya que entra en juego un pintor que tuvo un romance con su madre años atrás, pero fue acusado injustamente por su padre a la policía por falsificación de obras de arte, por lo que tuvo que huir y hacer arte bajo un pseudónimo. Esta información se dará a conocer hacia el final de la película, en un enfrentamiento de ambos hombres ante madre e hija. Lo cierto es que su padre nunca la ha tratado con respeto y jamás la ha dejado intervenir en el negocio familiar: un prestigioso hotel situado a las afueras de la ciudad, pese a que Maren comenzó los estudios en restauración y resulta evidente su amabilidad con los clientes a los que atiende a lo largo de la historia, su simpatía, su interés en que se sientan agusto durante su alojamiento. Sin embargo, su padre ha dejado el peso del mismo en su otra hija, quien no manifiesta ningún placer hacia este trabajo. En cambio, sí lo hace hacia el criadero de caballos al que acude a diario, escaqueándose con la excusa del médico, pero su padre la descubre y no termina de aceptar la decisión de su hija. No obstante, se da una situación en la que deberá ponerse codo con codo con su hija Maren en la cocina del hotel, pues recibirá la visita de una reputada crítica gastronómica. Aquí descubren que padre e hija pueden hacer cosas maravillosas a través de la colaboración y dejar a un lado las rencillas, los rencores, los problemas del pasado y darle la opción de opinar en distintas cuestiones del hotel.
Entretanto, Maren se reencuentra con un joven de quien estuvo enamorada durante el colegio, años atrás, y será quien le ayude a acercarse al ermitaño que vive en una casa amarilla, posiblemente su padre. El amor renace entre ambos, pero Sophie, la exnovia del muchacho, entra en escena, y se aloja en el hotel familiar con la intención de preparar un encuentro amoroso. La protagonista observa un feeling entre ambos y se retira, pero realmente el joven, que venía trabajando como director de un museo, quiere comenzar una nueva etapa de su vida en su compañía.
Lejos de la narrativa, este filme no destaca especialmente por un lenguaje audiovisual tremendamente trabajado, pero sí enamoran los paisajes naturales que se pueden contemplar a lo largo de la película: parajes naturales, casas amarillas escondidas… Las relaciones con la pintura y los amores que renacen tanto en la madre (que pedirá el divorcio a su esposo) como en la hija, ambas hacia personas que de una manera u otra se dedican al arte, la hacen una película entretenida para una noche de sábado. Una película que presenta a una protagonista, Maren, pero coral, pues no tendría sentido sin la presencia del resto de personajes que adoptan un papel importante en su vida.
De alguna manera esta película recuerda a «La casa amarilla» de Vincent Van Gogh, obra creada en 1888. Una obra que según algunas interpretaciones puede simbolizar un renacer, un volver a empezar, de cierta calidez que sabe a amarillo, y que se expresa en el óleo en la figura de la casa que el artista holandés alquiló en Francia. Un renacer que comienza ella misma (nueva persona en su vida y nuevo trabajo), su madre (inicia otra relación), su hermana (encuentra la suficiente fortaleza para manifestar interés hacia otro trabajo) y el joven (establece un nuevo destino donde ubicarse).
Sin más, haciendo honor al título de la película, tanto por parte de la madre como de la hija: su amor del pasado no prescribe. Así, os invito a verla, se encuentra en youtube.
Hola amig@s, estamos a escasos días de terminar este fatídico año 2020 que nos ha hecho la vida cuadritos, se ha cargado algunos de nuestros planes y ha perjudicado un poco la salud. Un año que ha masacrado la inspiración, pues puede comprobarse que solo he sido capaz de publicar 4 entradas hasta el mes de marzo. Pido disculpas por ello, pero esperamos que el próximo 2021 nos traiga más experiencias bonitas y más ilusiones por las que luchar. Sin embargo, el número de visitas, como cada año, continúa en alza y haciéndome un poco más feliz, pues se salda con la cifra de 36.900, a una media de 3.000 visitas por mes. Para algunos significará poco, pero para mantener este sitio yo sola, me genera bastante alegría. Alcanzando un total de 239.835 (hasta el día de hoy, 27 de diciembre de 2020).
Si bien es cierto, este blog cumple 8 años, de trabajo, de esfuerzo, de restar tiempo de otros temas de mi vida personal para dedicarlas a analizar el noble arte de contar historias en sus distintos formatos, estilos de expresión y reflexiones. 8 años de vida que han visto posicionado su resultado en el nº 1 de Google en la búsqueda de «Análisis Audiovisual». Además, según las referencias este sitio ha sido referenciado en Wikipedia y en portales de centros educativos que ofrecen las enseñanzas de FP de imagen y sonido.
Desde luego, este blog se constituye como un proceso de aprendizaje. Un proceso marcado por el término de la licenciatura en Comunicación Audiovisual (2011) y mis ansias por reflexionar en torno al Cine que se vieron alimentadas con el desarrollo del Máster en Cinematografía (2013) y el Doctorado en Comunicación en la especialidad de Cine español y la Alfabetización Audiovisual (2017). He podido cometer algunos errores en este sitio y por ello pido disculpas, pero se trata de un trabajo cultural sometido a interpretaciones subjetivas y reflexivas que pueden chocar, en ocasiones, con las del público convencional. Un trabajo que procura hacerse de forma seria y rigurosa, pero con un poco de menos hierro formal al que utilizo en mis trabajos científicos académicos. Análisis que procuran ser pequeñas dosis de reflexión, no de verdades absolutas ni análisis de películas completos, porque no puedo dedicar 8 horas al día a ello, ya que este blog no me da de comer. Para ello ya estoy buscando trabajo desde hace bastantes años, compatibilizándolo con mi minijob de profesora ayudante 3h/semana.
Así pues, mis trabajos académicos este año han visto sus resultados en 1 publicación en la revista Historia y Comunicación Social, 4 aportaciones a congresos internacionales (Innovagogia 2020 y Nodos del conocimiento) y 4 capítulos de libro que se encuentran en proceso de maquetación y edición por distintas editoriales indexadas en SPI. Por cierto, mi libro «Cine español, infancia y memoria histórica. Propuesta didáctica» ha llegado a más de 160 librerías de España y algunas bibliotecas internacionales como las que cito a continuación: Universidad de Granada, Universidad de Sevilla, Casa Velázquez, Biblioteca de la Universidad Complutense de Madrid, Universidad de Barcelona, Universidad del País Vasco, Université Toulouse Jean Jaurès, Université de Lille, Yale University, Columbia University, Library of Congress, Michigan State University, University of Illinois at Chicago Library, University of Tulsa y University of California (Worldcat).
En definitiva, un 2020 que nos ha hecho madurar en la forma de ver la vida, en detectar las amistades que realmente merecen la pena y ha reafirmado el valor de la familia para respondernos cuando atravesamos malos momentos. Un 2020 para decir adiós. La familia es la que nos toca, los amigos son los que elegimos, pero a determinadas personas de la familia y de los amig@s a veces también es bueno decirles adiós, porque dar aprecio para no recibirlo, no merece la pena. Y esto es otro detalle que me ha enseñado este 2020: «NO, ES NO», para distintos tipos de circunstancias.
Finalmente, doy las gracias a aquell@s visitantes que mantienen vivo este blog y les envío mis mejores deseos para el 2021, os espero en el nuevo año. De paso, os adjunto mis intervenciones en el último congreso en el cual tuve la oportunidad de presentar dos contribuciones. Estas fueron en la fase posterior del doble positivo por COVID-19, mi concentración y mi temperamento no eran muy enérgicos, pero las secuelas las sigo arrastrando un mes y medio después, demasiado fue lo que pude hacer.
Hola amig@s, en esta entrada voy a comentar el estilo cinematográfico que presenta Lars Von Trier y su particular interés hacia el Dogma 95.
Este director nace en Copenhague en 1956. Se trata de un director de cine reconocido mundialmente por la visión crítica del mundo que muestra en sus películas, generando bastante polémica por los críticos. También ha dirigido series para la televisión danesa, como por ejemplo: “The Kingdom” y “The Kingdom II”. Su primera obra se denomina “Orchidergarneren”. En particular, con su segunda obra llamada “Nocturne” triunfó en el Festival de Cannes.
Como se anunció anteriormente, Lars Von Trier fue uno de los creadores del Dogma 95, junto con Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Se trata de un movimiento cinematográfico que pretende apartarse de los efectos especiales y de la forma de trabajar del star system de los grandes estudios de rodaje.
En el marco de este Dogma 95, estos directores redactan una serie de «reglas indiscutibles» a las que denominan Voto de Castidad. Estas reglas son las siguientes:
-El rodaje debe realizarse en exteriores y los decorados deben ser naturales.
-Solo debe tener los sonidos propios de la acción.
-La cámara debe sostenerse en la mano.
-La película tiene que ser en color y la iluminación debe ser natural.
-Los trucajes y los efectos especiales están prohibidos.
-La película no debe contener ninguna acción superficial.
-Los cambios temporales están prohibidos, todo debe tener unidad espacio-temporal.
-Las películas de género no son permitidas.
-El formato debe ser en 35 mm.
-El nombre del director no debe aparecer en los títulos de crédito.
Estas son las características del dogma puro, pero los mismos iniciadores de este manifiesto violan algunos de estos preceptos, porque los consideran absurdos.
Algunas películas que surgen en el seno de este movimiento cinematográfico “Dogma 95” son las siguientes: “Los idiotas” de Lars Von Trier; “Mifune” de Soren Kragh-Jacobsen; “El rey está vivo” de Kristian Levring; “Los amantes” de Jean Marc Barr; “La celebración”, de Thomas Vinterberg. Aunque, efectivamente algunas de estas películas no cumplen totalmente las características del movimiento Dogma 95, como por ejemplo sucede en “Mifune”, pues se presentan algunas tomas aéreas y, de esta forma, incumple la norma de cámara en mano.
En particular, en el caso de Lars Von Trier, prefiere utilizar la cámara en mano, barridos constantes, que incluso molestan al espectador, utiliza varias tonalidades de color. Confiesa que hace películas para satisfacer a Dios y al hombre, pero el resultado puede no ser agradable y puede tener consecuencias sociales bastante nefastas.
Una de sus películas más dramáticas se titula “Bailar en la oscuridad”. Esta película forma parte de la trilogía “Rompiendo las olas” y “Los idiotas”. Este filme conjuga momentos de comedia, drama y toques de tragedia griega. La protagonista, Selma, encarnada por Björk, es una madre soltera inmigrante que vive en Estados Unidos y algunos conocidos se aprovechan de ella en ocasiones al ir perdiendo la vista paulatinamente. Selma se evade de su dura realidad a través de sus fantasías musicales, cantando y bailando. Al ir perdiendo la vista y su hijo también, se tiene que poner a trabajar para poder sufragar los gastos de la intervención quirúrgica a la que lo tienen que someter. Así pues, se incorpora a trabajar a una empresa de fregaderos, pero al descubrir su ceguera inminente, el jefe la despide. Sin embargo, el sheriff, con quien mantiene una relación amorosa, le roba el poco dinero que ha podido ganar. La joven entra a su vivienda a reclamarle el dinero, pero cuando lo tiene en sus manos, él la apunta con su pistola y grita para hacer creer a su esposa que ella ha ido al quitarles el dinero. Por accidente, el arma se dispara y el señor pierde la vida. Por este crimen, la mujer es condenada a pena de muerte. Considero bastante crueles los momentos del final, pues al no conseguir quitarle la vida, prolongan el desolador momento en una escena rodeada de gemidos y dolor implícito. Hasta que un silencio doloroso cierra la película. Efectivamente, Von Trier conmueve al espectador con silencios desoladores.
Desde el punto de vista técnico, esta película está rodada con 100 cámaras, para captar todos los ángulos posibles, la fotografía es brillante y la coreografía bastante significativa. Asimismo, podemos destacar de este director que ofrece una visión imponente y bestial de la naturaleza; apuesta por estar cerca del gesto y la presentación de finales trágicos, tanto en este filme como en otros que conforman su filmografía, como “Anticristo” (para la que recibe influencia de Tarkovsky) y “Melancolía”. Además de la mujer como figura sometida al hombre (engaño y error, aprendizaje, rupturas…), en forma de denuncia social. Siendo interesante también poner de relevancia que presenta una estructura dividida en capítulos. En definitiva, sus temas giran en torno al trauma, el psicoanálisis, las crisis personales y las convenciones de género.
Finalmente os comparto varios fragmentos que recoge su estilo, algunas de sus películas y sería interesante que aportarais algunas consideraciones al respecto.
La Nouvelle Vague es también llamada «la nueva ola francesa». Se trató del primer movimiento de ruptura cinematográfica. El nombre de este movimiento fue utilizado por la crítica para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses, surgido a finales de la década de los años 50. Los nuevos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés les imponía. Este movimiento estaba encabezado por dos cineastas principales: Godard, y Truffaut.
Los cineastas de este movimiento se subdividen en dos tipos:
-Por un lado, bajo una vertiente más aplicada a la técnica, Godard, Resnais, Rhomer, Varda, entre otros.
-Por otro, en el marco de una vertiente de renovación temática podemos citar a Truffaut, Chabrol, Demy, Malle, entre otros.
En concreto, algunas obras de Truffaut, como “Los 400 golpes” y otra de Resnais, titulada “Hiroshima mon amour” despertaron la atención del público y fueron el comienzo de este nuevo fenómeno cinematográfico. El proceso de consolidación de la Nouvelle Vague se hizo manifiesto en el Festival de Cannes de 1959, ganó Truffaut, pues recibió el premio a la mejor dirección por “Los 400 golpes y, por su parte, Resnais obtuvo un gran éxito con “Hiroshima mon amour”.
Algunas de las características de este movimiento cinematográfico se definen por los rasgos que se citan a continuación:
-Una baja formación formación técnica de sus discípulos, por lo que tienen que depender de técnicos y directores de fotografía.
-Tienen una forma muy particular de escoger la trama de sus películas y se alejan del star system, omitiendo grandes actores y actrices (afines a sistemas más comerciales, como Hollywoood).
-Eran favorables a rodar con cámara al hombro, en localizaciones naturales, a través de una iluminación indirecta, sin necesidad de montar grandes escenografías en estudios de cine.
-Los personajes de estas películas están construidos a través de multitud de matices que les otorgan una mayor complejidad. Suelen ser individuos que rozan la marginalidad e improvisan sus actuaciones para conseguir efecto de espontaneidad.
Existen otros movimientos de renovación del cine como arte fuera de un escenario más comercial como los que se citan a continuación: Free Cinema inglés, Cinema Italiano, Manifiesto de Oberhausen alemán, países del Este y Nuevo Cine Latinoamericano (brasileño).
Frente a este grupo surgió otro movimiento, llamado «Rive Gauche», que surgió alrededor de la revista Positif, integrada por cineastas teóricamente más vanguardistas como Chris Marker y los escritores Marguerite Duras y Alain Robbe-Grillet. El cine de éstos se caracterizaba por ser más retórico, literario, elaborado y más cuidado que aquellos afines a la Nouvelle Vague.
A continuación se van a citar algunos cineastas pertenecientes al movimiento de la Nouvelle Vague, como Godard y Truffaut.
JEAN-LUC GODARD
En primer lugar, vamos a hablar de Godard, quien nació en París en el año 1930. Fue director de cine, crítico, productor y también actor francés. Estudió etnología en la Universidad de La Sorbona. Frecuentaba cineclubs y la Cinemateca Francesa, lugares en los cuales se forma de buena cultura cinematográfica. Sus películas fueron perdiendo los aspectos estructurales y dramáticos más convencionales hasta convertirse en vehículos casi ensayísticos, llegando al extremo convertir el cine en un instrumento político y social.
Comenzó a trabajar realizando críticas de cine para la revista “Cahiers du Cinema”. Supone una figura primordial en el movimiento de la “Nouvelle vague” en Francia. Se pueden distinguir varias etapas en su obra que se citan a continuación:
-La etapa de la Nouvelle vague, que se extiende desde su debut con “Sin aliento”, conjugando elementos de los géneros de detectives, comedia y suspense hasta “Weekend” en el año 1967.
-Una etapa revolucionaria, desde “Le Gai Savoir” hasta “Tout va bien” en el año 1972.
-Y otra etapa contemplativa, que comienza con “Sauve qui peut la vie” en 1980 y se extiende hasta “Helas pour moi”, realizada en 1993.
Hacia finales de los años 60 su trabajo se volvió prácticamente marxista, generando títulos como «Pravda» y «Lutta das clases».
Además, durante los años 70 experimenta en televisión y video, para llegar a los años 80 con filmes más convencionales como «Sauve qui peut». Posteriormente, en los 90 comienza a planificar su obra más emblemática: «Les histories du cinema». Sus últimas realizaciones se titulan “The old place” en 1998, “Elogio del amor” en 2001, “Nuestra música” en 2004 y “Socialisme” en 2009.
Asimismo, cabe destacar que sus proyectos son de bajo costo, pues eran realizados con equipos escasamente sofisticados y distribuidos fuera del circuito convencional. Cabe destacar que sus historias son emotivas. En su cine prima la improvisación y el desorden se convierte en método de creación. En concreto, Godard encuentra en la música jazz un modelo de inspiración.
En 1959 dirige “Al final de la escapada”. Se trata de un thriller con final trágico, una historia con un argumento simple, pero su interés radica en la modificación que Godard hace del lenguaje narrativo convencional. En concreto, introduce desviaciones en el hilo de un discurso para expresar algo que se aparta del tema que se está tratando, utilizando un lenguaje grosero como provocación. El guion recoge sólo algunas ideas anotadas, para que así los actores tengan bastante margen de improvisación. Igualmente, altera el raccord, los movimientos de cámara, los fundidos, dando mayor prioridad al uso de imágenes de 2º nivel, como el caso de los espejos, las fotos, los carteles. Sus secuencias son de una toma única. De facto, rechaza el plano contra-plano. Tiene rasgos nihilistas, manifestaciones de Nietzsche, existencialismo y sus personajes presentan largas conversaciones. Tajantemente afirmó que “Una película ha de tener planteamiento, nudo y desenlace, pero no necesariamente en ese orden”.
En este filme, los actores miran fijamente a la cámara en varias ocasiones. La película nos muestra a Michel, encarnado por Jean-Paul Belmondo, un hombre que huye de la justicia tras disparar a un policía. Posterior a este asesinato, llega a París para reencontrarse con un antiguo amor, Patricia, interpretada por la actriz Jean Seberg, que da vida a una joven estudiante que trabaja como aprendiz de periodista repartiendo periódicos. Cuando Patricia tiene conocimiento de lo ocurrido, delata a Michael. La huida se presenta de una forma realmente rocambolesca, pues la escena de travelling final es rodada en una silla de ruedas. Cabe comentar que en esta película la cámara fue casi siempre llevada al hombro por el director de fotografía, Raoul Coutard, quien la escondía a veces en la caja del trípode que Godard llevaba para filmar a la gente y que no se dieran cuenta.
En una entrevista a Godard para Cahiers du Cinêma, confiesa lo siguiente: “Me siento muy diferente de Rivette, Rohmer o Truffaut, pero en general tenemos las mismas ideas sobre el cine”. “En mi calidad de crítico, yo me consideraba ya como un cineasta”. Sobre sus primeros proyectos dice lo siguiente: “Yo preparaba mucho mis primeros cortometrajes y los filmaba luego muy rápidamente. Así empecé “A bout de soufflé”, y para el resto tenía muchísimas notas correspondientes a cada escena. Entonces me dije que este método era una locura y lo abandoné. Pensé que si uno se empeñaba en hacerlo, en un día podrían filmarse cuando menos diez planos. Y que en vez de prepararlos con mucha antelación era mejor prepararlos justo antes de filmar. Es algo que tiene que ser posible si uno sabe lo que quiere. No se trata de improvisación, sino de un acabado de último momento”.
FRANÇOIS TRUFFFAT
Por otro lado, vamos a hablar de Truffaut, quien nació en París en 1932. Fue director de cine, crítico, actor y uno de los precursores de este movimiento cinematográfico. Gracias al crítico de cine André Bazin, Truffaut empieza a trabajar en Travail et Culture. Aparece como actor en varias de sus películas, entre las que se pueden citar “La habitación verde”, “La noche americana”, “El pequeño salvaje” y también en la película de Steven Spielberg titulada: “Encuentros en la tercera fase”.
Estudió en el Liceo Rollin y al terminar sus estudios, es internado en un correccional como consecuencia de cometer pequeños hurtos. Gran parte de su filmografía está marcada por una infancia y una adolescencia difíciles. La reputación que obtiene como crítico duro y exigente es muy grande y sus escritos eran esperados por sus seguidores. En 1969 es invitado por Gregory Peck, Walter Mirish y Daniel Taradash, en representación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, a formar parte de esta sociedad. Truffaut acepta, siendo el segundo director francés, después de Renoir, que perteneció a esta institución cinematográfica.
Su cine se considera más naturalista y cotidiano. Basado en el análisis psicológico de los personajes, que están construidos teniendo en cuenta su trasfondo por el pasado. El tema de la dificultad de amar está presente en muchas de sus obras. Sus personajes se dividen en hombres-niño y mujeres fuertes, todos presentando una serie de comportamientos contradictorios. El amor de la pareja es el tema principal en su filmografía, unido a los recuerdos de una infancia conflictiva y a la nostalgia por la adolescencia perdida.
Una de las películas interesantes de Truffaut es “La noche americana”, en la que los personajes no son maniqueos, hacen lo que hacen por algún motivo o causa. Se trata de un filme que presenta cómo se rueda una película, los medios disponibles, las grandezas y miserias de los actores y del propio equipo técnico. Así pues, aborda la técnica del cine dentro del cine, como forma de reflexión del propio arte. En este guion se entrelazan situaciones, conflictos personales y técnicos. La filmación se muestra a través de escenas entre el personal técnico y el director Ferrand, encarnado por Truffaut, que trabajan para lograr entregar la película terminada en un tiempo establecido. Se observan ensoñaciones, superposición de imágenes y algunos fragmentos que están en blanco y negro.
Con esto amig@s, os adjunto un vídeo para que tengáis más detalles sobre este movimiento artístico que fue la Nouvelle Vague.
Hola amig@s, esta estancia en confinamiento da para reflexionar mucho. En esta ocasión traigo a colación la figura de Aki Kaurismäki, un director de cine de nacionalidad finlandesa y cuyo estilo gira en torno a estas particularidades que voy a señalar brevemente:
-Integración de personajes ambientados en espacios modernos, caracterizados por barrios obreros, la representación de bajos fondos, tugurios y viviendas con escaso mobiliario. Precisamente unos personajes ahogados en el trabajo rutinario, monónoto y la esclavización moderna.
-Espacios aislados, desconectados e hieráticos, como se puede apreciar en «El perdedor». Podríamos definir el concepto hierático como aquello que carece de expresividad y es señal de solemnidad y de majestuosidad. Lo inexpresivo.
-La presentación de escenas de conciertos de música filmadas en directo y en torno a la cual gira el eje narrativo.
-Un humor nórdico y negro, realmente oscuro y extraño, como se puede observar en filmes como «El Havre», «Nubes pasajeras» y «Juha».
Todo ello acompañado de un lirismo silencioso, que da mayor prioridad a los sonidos que a los diálogos.
Espero que os parezca interesante su estilo, alejado de lo comercial, que nos presenta un silencio inquietante y ansioso. Un silencio inquietante como el que actualmente presentan nuestras calles, nuestros parques, nuestras playas y los espacios públicos en general de alrededor del globo terráqueo, sumido en la tristeza generada por la propagación de este coronavirus que, hasta el momento, se ha llevado miles de víctimas mortales y ha provocado el más absoluto blanco y negro a la llegada de la primavera.
Y como muestra de su estilo, os adjunto unos fragmentos para que intentéis reflexionar y aportéis vuestras consideraciones en los comentarios.
Un saludo y ánimo a tod@s, ¡ya mismo saldremos de este confinamiento!
Hola amig@s, precisamente este pasado mes de febrero cumple este blog 9 años de vigencia, gracias por vuestras visitas, comentarios e interacciones.
Hace poco tuve la oportunidad de ver la película titulada «La tumba de las luciérnagas», un filme de animación de nacionalidad japonesa dirigido por Isao Takahata en el año 1988 ambientado en la II Guerra Mundial. Voy a comentar la sinopsis y luego voy a explicar algunas escenas que me resultaron más emocionantes y conmovedoras.
En principio, voy a describir brevemente la sinopsis: Nos encontramos en la II Guerra Mundial (1939-1945), los protagonista Seita y Setsuko, son hijos de un oficial de la marina japonesa que viven en Kobe (ciudad de la bahía de Osaka en Japón central). Un día se lleva a cabo un bombardeo, pero no consiguen llegar a tiempo al búnker en el cual su madre los está esperando. Tras buscar a su madre, la encuentran malherida y a los pocos días fallece. El hermano mayor oculta esta información a su hermanita, con el fin de que no sufra al saberlo. Su única preocupación es mantenerse y salir adelante en colaboración en estos oscuros tiempos de guerra. Ambos se mudan al hogar de una tía de la familia, pero tras encontrarse ademanes de desprecio, robos y humillaciones, el hermano mayor decide mudarse a una pequeña cueva resguardada con una tela, con escasas comodidades, salvo unos pobres colchones y utensilios de cocina.
En su día a día, Seita, el hermanito, abandona la cueva bien temprano para robar y rogar alimentos con los cuales mantener a la pequeña, pues está enferma y desconoce cómo afrontar su problema de salud. Una escena es especialmente conmovedora: el hermanito busca luciérnagas y las esparce por la cueva en la que duermen, tapada con una tela oscura. A la mañana siguiente, la pequeña entierra a estos insectos en una pequeña tumba, Seito le pregunta una cuestión y Setsuko le expresa que está enterrando a estos insectos, al igual que enterraron a su madre, pues descubrió que la estaban enterrando y sus cenizas están resguardadas bajo un mueble de la cueva.
Paulatinamente, la niña va enfermando y va sintiéndose más y más débil. En una ocasión, un adulto encuentra a Seito en pleno acto de robo, tras lo cual lo lleva a la policía, no sin antes propinarle una vil paliza. Seito lleva a su hermana al médico para que le haga un reconocimiento y este le pone de manifiesto la evidente desnutrición que padece y que para ello no existe ningún tipo de medicación. La atienden de forma indiferente, despectiva y casi humillante, pues antes de terminar su consulta pone de manifiesto «que entre el siguiente».
En esta consulta, le recomienda darle alimentos nutritivos: fruta, verdura, carne y pescado. Lo cierto es que una cajita de caramelos es uno de los pocos alimentos que toman en su día a día. Un detalle que me llamó especialmente la atención fue precisamente la escena en la cual dicha cajita de caramelos está apunto de terminarse, solo queda uno, pero no consiguen sacarlo por el orificio y Setsuko rompe a llorar. De manera que el hermanito echa un poco de agua, mueve la cajita de lata y la hermana bebe, sintiendo el gusto de sabores frutales que desprende el caramelo que queda. Y, hasta el que el sanitario no le pone de manifiesto la importante desnutrición que padece su hermana pequeña, no decide emprender un viaje hasta el banco más cercano, para extraer dinero de la cuenta familiar y poder proporcionale una alimentación de calidad a su hermana.
Su hermanito entra, le comenta que trae alimentos nutritivos: sandía, carne que va a cocinar…, pero Setsuko no tiene fuerzas para ingerir nada más. Le pone de manifiesto estas palabras: «hermanito, come bolitas de arroz, están muy buenas» y el hermanito se descompone al comprobar la realidad y la confusión en la que ha vivido su hermana, como consecuencia de copiar las actitudes de los adultos de su alrededor (por ejemplo, su tía, que cocinaba bolitas de arroz, arroz que les robó cuando forzó que Seito cambie ropa de su madre por kilos de arroz).
A lo largo de la película, se van produciendo una serie de flash backs de momentos del pasado que vienen al presente de ambos hermanos. Y es el último el que me resultó más enternecedor a la par que doloroso. Flash back que se produce al ver que Setsuko da vueltas por el río anexo a la pequeña cueva en la que cohabitan y realiza una serie de acciones que la llevan hasta el trágico final. Con estos momentos me refiero al envenenamiento que ella misma se produce al consumir algo que desconocía que no debía tomar, por ese «juego de niños». En concreto, durante las salidas del hermanito a buscar alimento y ayuda, la pequeña saluda a las montañas y sale junto al río, toma barro y cocina «bolitas de arroz», que procede a comer. De ahí su malestar físico y posterior desvanecimiento.
Como expreso siempre, lo importante aquí no es si hago spoiler o no, allá cada uno si quiere o no ver la película. Lo realmente interesante y desgarrador de esta película es comprobar que las guerras las provocan seres humanos crueles y despreciables, a los cuales no les importan los niños y las niñas. Hasta el punto de producir un latente y largo estados de confusión de su realidad, despojarlos de una vida familiar sana, privarles de una alimentación de calidad, educación mínima, como consecuencia de la falta de dinero y de total interés, pues lo importante es vencer. Sin embargo, por aquí defiendo que a los niños y a las niñas no se les toca, no se les destroza ni se les roba su infancia de esta forma tan miserable, rastrera y despreciable.
Después de todo, Setsuko hace lo propio con el cuerpo de su hermana, cuando termina de expirar, la introduce en una pequeña cajita de madera y la incinera, para colocar los restos junto a los de su madre.
Incorporo un fragmento de esta película y os invito a verla completa, pues se trata de una historia bastante dura, emocionante, dolorosa y especialmente cruenta.
Análisis Audiovisual 