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En la boca del miedo, John Carpenter

Película de John Carpenter del año 1995, que causa más de un momento de angustia y sobresaltos.

En esta película, vemos el gran talento narrativo de Carpenter. Basado en el terror, en el susto fácil (en la atmósfera, la trama y los personajes). Habla de sus obsesiones, inquietudes… como hace en todas sus películas en las que vemos historias espeluznantes.

John Trent es un investigador contratado por una editorial para encontrar a Sutter Cane, uno de los escritores de novelas de terror más famosos que ha desaparecido. John no acepta buscar al escritor pero empieza a pensar que todo se puede tratar de un montaje. Tras leer algunos de sus libros, empieza a tener visiones e investiga la obra del escritor. Descubre que sus novelas además de tener gran éxito, parecen estar detrás de una serie de altercados agresivos, violencia que provoca entre varios de sus lectores.

John y Stiles, una joven editora, emprenden el viaje hasta Hobbe`s End, un pequeño pueblo solitario, donde en teoría, solo existe sobre un papel, en la mente de Cane, pero al que consiguen acceder de forma extraña. En este pueblo, suceden todo tipo de hechos misteriosos, paranormales y violentos, que John no sabe identificar entre la realidad y la ficción.  John Lucha para escapar del pueblo descubriendo la terrorífica transformación de Linda.

Respecto a la parte técnica de la película, se pueden comentar diferentes cosas.

Vemos colores blancos, uniformes médicos, psiquiatras… vemos que nos localizamos en un psiquiátrico. El color blanco nos sugiere la locura, como claramente podemos ver que el protagonista termina sufriendo esquizofrenia paranoica.  También vemos contrastes con las iluminaciones oscuras, sombras… de las habitaciones en las que se sitúan los pacientes del hospital psiquiátrico.

En varias secuencias, vemos que se suceden una serie de imágenes con sangre, imágenes religiosas, relámpagos, cruces, escenas escabrosas de pesadillas, soñar que se está soñando… todo incita al miedo y la locura.

Travellings para acompañar a los personajes en sus movimientos,  diferentes planos (detalle, generales, cortos…). Multitud de efectos especiales, las antorchas de los viandantes iluminan las calles. Apreciamos agresiones, violencia… que se produce al no haber suficientes ejemplares para tantos lectores como los demandan, la gente va enloqueciendo tras la lectura de sus novelas. La música es inquietante para enfatizar ciertos momentos de violencia física o psíquica.

Algunos de los momentos que pueden producir más inquietud se produce cuando van por la carretera, la joven empieza a tener una serie de visiones nocturnas que no sabe identificar si se produce en la realidad o son parte de su mente. Como por ejemplo, mientras conduce y se le presenta el señor mayor en la bicicleta, a los pocos segundos se le presenta otra vez y lo atropella, salen del coche le toman el pulso y les parece que está muerto, pero de momento el señor se levanta y coge su bicicleta, desaparece tras la oscuridad de la noche.

Otro momento inquietante se produce, cuando le parece estar atravesando un largo túnel que nunca se va a terminar y llegan al pueblo, mira hacia atrás y ve que no es más que un simple puente. La joven cree ver niños corriendo, todo está en su mente, pero John no ve nada.

Al entrar al hotel, la joven se vuelve y se queda mirando el cuadro de la pareja, su mente cree ver que la joven del cuadro se gira hacia atrás. Linda analiza una serie de cosas de las circunstancias que están viviendo, y le parece que están formando parte de una historia. Cree que todo lo que Cane escribe se va produciendo.

John no sabe identificar lo que corresponde a la realidad y lo que corresponde a la ficción. La joven confiesa a John que fue un intento de montaje, pero parece ser que  todos los acontecimientos forman parte de lo que Cane escribió en el libro. Linda sale del hostal a escondidas y coge el coche. Llega a la puerta de una iglesia y numerosos niños se le presentan delante diciéndoles que son sus hijos. El papel de Linda juega un papel confuso en la historia, dado que no sabemos si participa de la historia real, si participa del montaje, si existe, si no existe.  En el momento en que entra a la iglesia plantea el tema de los escritores que escriben mandados por las editoriales. A la joven le sale sangre por los ojos, mientras el escritor la abraza, por detrás se va convirtiendo en una criatura viscosa repugnante. Volvemos a ver otra criatura viscosa en la que es convertida la señora de recepción.

Numerosas personas se apoderan de la joven, la colocan en medio mientras varios niños cantan alrededor de ella. John entra en un bar, el señor le confiesa que se va a suicidar, porque según Cane lo escribió en la novela. Tras ver lo que están haciendo con la joven, la coge y la mete en el coche, pero  literalmente se come la llave y no puedo arrancarlo. La joven sale del coche con el cuerpo descompuesto, transformado, como si se tratara de una criatura.

Escapa con el coche, pero tras varios intentos no consigue salir del pueblo, hasta que decide pasar encima de ellos y detrás de todos se encuentra a su compañera, pero choca el coche y de pronto aparece encerrado en un habitáculo, donde se encuentra al escritor. Cane le confiesa varias reflexiones, reflexiones que los espectadores deben hacerse al ver la película. “La religión busca la disciplina a través del miedo pero no entiende la verdadera naturaleza de la traición”, “Cuando la gente empiece a diferenciar la fantasía de la realidad, muchos seres iniciaran su viaje de regreso, cuanta más gente crea más rápido será el viaje, y en vista de cómo se han vendido los otros libros, seguro que va a ser muy, pero que muy popular”.

El final es algo aterrador, cuando John llega a la editorial, el jefe parece no recordar a la joven con la que viajó, supuestamente dos semanas antes el joven le entregó el manuscrito de la novela y ya está a la venta,  “En la boca del miedo” líder en ventas. Parece haber sucedido una epidemia esquizofrenia paranoica. Imagen final impactante, indescriptible, terror en estado puro.

Un periodista lo entrevista entre las rejas de un psiquiátrico. Todo apunta a que la historia lo ha vuelto loco, como a otros muchos lectores alrededor del país. Él mismo se cree parte de una ficción y Cane está detrás de todo.  La terrible mente de Cane es indescriptible, indefinible, es inexpresable lo que puede llegar a pensar un ser humano y transmitirlo con palabras hasta el punto de volver loco a la población que lee sus novelas.

Epidemia de asesinatos masivos, ciudades desiertas, no sabemos qué es realidad y qué es parte de la ficción de la mente de Cane. Desconcierto total del espectador, pero que lo hace reflexionar sobre muchos temas de la vida actual relacionada la violencia, la locura, las presiones de las editoriales, las mentes de los seres humanos que en muchas ocasiones son muy fáciles de manipular… Critica al cristianismo y la fe, reflexión entre lo real con lo ficticio, roce entre el surrealismo y el desequilibrio mental.

El cine de Robert Flaherty

El objetivo de Robert Flaherty era favorecer la comprensión entre los pueblos a través del cine. Entre algunas de sus producciones se encuentran: Moana (1926), Tabú (1931) junto a F.W.Murnau e Historia de Louisiana (1948).
Era partidario de la observación participante, por lo que decidió trasladarse al Ártico canadiense, donde se documentó e investigó acerca de la vida de los esquimales. Gran observador y admirador de las tribus aisladas de la sociedad, Flaherty utilizaba el cine como medio para mostrar la realidad, lejos del espectáculo. No utilizó actores ya que, según su criterio, prefería a los propios habitantes, porque eran quienes mejor reflejaban su propia cotidianidad. Construyó sus películas bajo las premisas de belleza y verdad.
El documental del que vamos a hablar, Nanook el esquimal, tuvo que ser filmado en dos ocasiones, a causa de un accidente, pues los negativos se incendiaron. Algo que no afectó mucho a Flaherty, porque no estaba muy de acuerdo con la primera copia.
Esta producción contiene planos en los que busca la belleza y los combina aportando a cada uno de ellos una función dentro de la obra. Los primeros planos de Nanook mirando a cámara pretenden una unión entre el protagonista y el espectador, a la vez que se resalta el hecho de que el espectador está siendo observado y acompañado.
Flaherty utiliza las secuencias largas para generar en el espectador la impresión de que se está captando al individuo de forma directa sin que exista ningún tipo de manipulación.
Otra característica que llama la atención sus subtítulos: pequeñas explicaciones que son introducidas a lo largo del documental, ejerciendo una función de interacción con el espectador.
Como se dijo anteriormente, Flaherty busca la veracidad y la realidad. Sin embargo, su intervención en las localizaciones suscitan que estas personas modifiquen su comportamiento habitual para dar vida a unos personajes que le interesaba representar.
Pretende reflejar un modo de vida diferente mediante la imagen del “hombre primitivo”. No pretende criticar este modo de vida, sino plasmarlo a través de una supuesta familia incivilizada.
Flaherty trabaja sobre un documental dramático, donde hay un personaje que tiene un problema y la cámara lo sigue en su supervivencia.
En una reflexión, Flaherty expresa estas consideraciones:
“La finalidad del documental, tal como yo lo
entiendo, es representar la realidad bajo la forma
en que se vive […]. Una hábil selección, una
cuidadosa mezcla de luz y de sombra, de
situaciones dramáticas y cómicas, con una gradual
progresión de la acción de un extremo a otro, son
las características esenciales del documental,
como por otra parte pueden serlo de cualquier
forma de arte. Pero no son éstos los elementos que
distinguen al documental de las otras clases de
filmes; el punto de divergencia entre unos y otros
estriba en lo siguiente: el documental se rueda en
el mismo lugar que se quiere reproducir, con los
individuos del lugar. Así, cuando [el
documentalista] lleva a cabo la labor de
selección, la realiza sobre material documental,
persiguiendo el fin de narrar la verdad de la
forma más adecuada y no ya disimulándola tras un
velo de elegante ficción, y cuando, como
corresponde al ámbito de sus atribuciones, infunde
a la realidad un sentido dramático, dicho sentido
surge de la misma naturaleza y no únicamente del
cerebro de un novelista más o menos ingenioso”
(Robert J. Flaherty).

Finalmente, incluyo un pequeño vídeo con unas imágenes de su documental, y espero que os guste.

 

 

Woody Allen

Woody Allen es un director de cine, guionista, escritor, músico y actor americano. Su religión judía influye en la mayoría de sus películas. Antes de la dirección, comenzó como guionista y también trabajó como actor tanto en varias de sus películas como en las de otros directores. Sigue escribiendo sus guiones en una máquina de escribir de las antiguas y yendo a tocar el clarinete los sábados por la noche al mismo local desde que era niño.

Su primer encuentro con el cine fue a la edad de tres años, cuando su madre lo llevó a ver Blancanieves y los siete enanitos. De pequeño, no le gustaban mucho las slapstick y en una entrevista confiesa que nunca le gustaron los payasos del circo.

Sobre la fotografía de sus películas, tuvo la oportunidad de trabajar con Sven Nykvist con quien hizo dos películas y media. También trabajó con Remi Adefarasin y en su última película con Harris Savides. Confiesa que su madurez en el cine comenzó con Willis, que según dice “es un maestro de las sombras y del claroscuro”.

Su estilo se divide en varias etapas:
-Etapa cómica, donde situamos filmes como “Toma el dinero y corre”, en la que hace el papel de un ladrón. Fue apoyada por Palomar Pictures, aunque no quedó muy satisfecha con el resultado final. “Bananas”, apoyada por United Artist, productora de Charles Chaplin, con la que firma un contrato. “Bananas” tiene influencias del cine americano cómico y del cine europeo (Bergman, Fellini). Aquí crea un arquetipo de intelectual judío, obsesionado con el sexo, hipocondríaco, amante del jazz, neurótico, con dificultades en las relaciones con mujeres. “Todo lo que quiso saber sobre sexo y no se atrevió a preguntar”, en la que recibe influencias de Fellini y muestra gags independientes.

-Etapa clásica, con películas como “Annie Hall”, que presenta un personaje débil y perdedor, descrito como intelectual. Por este filme recibió el Oscar como mejor director. Varias veces los personajes hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo. Con esta película se alejó de la slapstick y planteó un cine más reflexivo. “Interiores”, con estructura y temática bergmaniana. En esta película no oímos música de inicio, sino que oimos planos de susurros y gritos. Se aprecia la influencia de Bergman, en concreto de “Mitos y susurros”, por el tema de la muerte y la incomunicación humana. Presenta largos planos evocadores de bodegones, ventanas y demás naturaleza muerta, muchos silencios poéticos y prolongados paseos por la playa. Aborda la temática de la muerte, los celos, el egoísmo, Dios, las intimidades del alma humana (todo al estilo de Bergman). Otra influencia de Bergman en esta película proviene de la obra “Sonata de otoño”, por la protagonista con rasgos de neurosis y dominancia. Recibe también influencia de grandes filósofos como Fedor Dostoievski (sentido de la búsqueda y de la culpa), Albert Camus, Soren Kierkegaard (filosofía pesimista de la vida). Otras de las películas de esta etapa es “Recuerdos”, con referencia de la película de “Ocho y medio” de Fellini. Director que le influye también en “Comedia sexual de una noche de verano”, “Septiembre” y “Días de radio”.

-En la etapa manierista recibe influencias de Hitchcock, como en “Alice”, que recuerda a “Julieta de los espíritus” de Fellini. Otros filmes de esta etapa son: “Sombras y niebla”,  “Maridos y mujeres”, “Misterioso asesinato en Manhattan”, “Balas sobre Broadway”,  “Poderosa Afrodita”, “Todos dicen I love you”, “Desmontando a Harry” y “Acordes y desacuerdos”, donde utiliza la técnica del falso documental.

-De su etapa de madurez tenemos producciones como “Granujas de medio pelo”, en la cual vemos que hay cierta crítica social a la cultura del éxito. “La maldición del escorpión de Jade”, “Un final made in Hollywood”, “Todo lo demás”, “Melinda y Melinda”, “Match Point”, “Scoop” y “El sueño de Casandra”.

Vamos a pasar a comentar algunas de sus películas:

“Poderosa Afrodita” tiene un lenguaje muy vulgar, utiliza un estilo irónico, presenta temas como la prostitución, la adopción, la violencia, el sida, intolerancia, el machismo y la adopción. Tiene escenas largas en la que presenta largos planos-secuencia, panorámicas.
En “Scoop” tenemos una comedia con elementos fantásticos, donde plantea la ética periodística. Presenta planos-secuencia en los cuales integra a personajes que hablan fuera del encuadre, resolución del conflicto de forma ridícula. Transmite valores como la ética de la mentira para conseguir una información.

“Zelig” es una sátira que ha sido tratada como falso documental, con una fotografía en blanco y negro, que sirve para recrear los ambientes de los años 20-30. Leonard Zelig, encarnado por Woody Allen, es un judío desamparado. Realmente no tiene personalidad propia. Su necesidad de ser aceptado le hace transformarse en las personas que tiene a su alrededor, lo que le convierte en un fenómeno mediático.

“Sombras y niebla” es la historia de un hombre cobarde que recibe el encargo de salir a medianoche a la búsqueda de un asesino, que actúa exclusivamente cuando hay neblina. Los vecinos planean su búsqueda y precisa de la ayuda de Kleinman, que no sabe en qué consiste el plan. Observamos que se utiliza la música de suspense, se manejan silencios, recursos que dan ritmo a la obra. Muestra una atmósfera expresionista, rodeada de oscuridad, claroscuros, callejones escasamente iluminados, planos-secuencia y planos circulares, manejo de silencios, música de slapstick en las persecuciones. Se la considera como un experimento expresionista.

“Match Point” se puede describir como un drama melodramático con tono realista, donde los ejes estructurales en la trama son la pasión, la tentación y la obsesión, muestra la sociedad anglosajona, utiliza música clásica.

“El dormilón” está construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, recuerda a ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia con banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz.

“Misterioso asesinato en Manhattan” tiene un tono cómico. Se trata de película intimista, cuyos personajes se alejan de lo absurdo. Los movimientos de cámara acentúan el carácter documentalista, me ha resultado muy interesante las entrevistas que le van realizando a los personajes durante toda la película, ya que hace al espectador partícipe de lo que está ocurriendo y de la vida de los diferentes personajes. Los diálogos son intimistas y hacen reflexionar.

Respecto a los créditos de sus películas, cabe destacar que utiliza la tipografía Windsor Light condesed.