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Un Franco, 14 pesetas

Película dirigida por Carlos Iglesias. El argumento gira en torno a dos españoles que son despedidos de sus trabajos en la década de los 1960 en España, y se ven obligados a irse al extranjero a trabajar, dejando atrás a sus familias. Al llegar a Suiza, Martín y Marcos comienzan una aventura con unas mujeres del hotel. Parece que la calidad de vida es bastante mejor aquí, hay mejores sueldos, la educación es gratuita…

Todo cambia cuando la familia de ambos llegan allí y comienzan una vida diferente en este país, con su mujer e hijos. Años después, vuelven a España, y tras despedirse Martín de Hanna, con quien tuvo una relación en secreto, observa que la niña tiene rasgos germánicos pero es morena, y se da cuenta que es hija suya también, de la relación que mantuvieron en secreto.

El argumento está basado en la historia real del director Carlos Iglesias. Su personaje en la película se identifica con su padre en la realidad. Fue la primera película del director, que fue nominado a los Premios Goya al mejor director novel.   El título tiene doble sentido: por un lado hace referencia al cambio monetario de la época entre el Franco suizo y la peseta española, y por otro lado alude al dictador Francisco Franco.

La mayoría de los planos que vemos son planos cortos de los personajes, primeros planos, y al llegar a Suiza pues vemos numerosos planos generales de los paisajes. Movimientos de cámara como panorámicas que acompañan el movimiento y las acciones de los personajes, o para visualizar un paisaje de un lado a otro, plano contraplano para conversaciones entre dos personajes, planos picados y contrapicados para mostrar la superioridad e inferioridad de unos personajes con otros. Al llegar a España, la iluminación del sol juega un papel importante, en contraste con las sombras y los cielos nublados de Suiza.  En varios momentos localizados en exteriores de noche, en Suiza, pareciera que se han utilizado filtros de color en la cámara. La música, para ambientar ambos países y acompañar a situaciones dramáticas o alegres.

Al principio, en los escenarios de España vemos tonalidades oscuras, vestuarios oscuros, todo con sensación más de tristeza. Sin embargo, al llegar a Suiza, hay tonalidades más claras, aunque es un país más frío, más solitario en las calles, calles más limpias, todo más tranquilo, más sosegado.  El hijo de Martín, siente mucho el cambio entre ambos países, por un lado Suiza, un país donde hay más respeto entre maestros y alumnos, mejores amigos, mejor casa, educación pública y gratuita, más tranquilidad, todo más verde, más limpio por las calles, los bosques… y a la vuelta a España, donde hay jaleos por las calles llenas de gente, niños agresivos tirando piedras a perros, compañeros que le enseñan a hacer “chuletas”, colegios donde hay que pagar y curas que le pegan con una regla en la mano.

Para finalizar, no es una película que destaque por su lenguaje audiovisual en movimientos,  planos e iluminación, pero está muy bien ambientada en cuanto a escenarios de ambos países y el argumento es muy interesante por la calidad en la historia.

Pájaros de papel, Emilio Aragón.

Pájaros de papel es una película de Emilio Aragón. No es un clásico, pero es una película con una historia emotiva. Ganadora del Goya a la mejor dirección Nobel.

La historia nos recuerda a las primeras obras de Federico Fellini por ejemplo, en las que personajes pertenecen a compañías de artistas ambulantes.

François Truffaut escribió en mayo de 1957, que los jóvenes cineastas en un futuro se expresarían contando sus vivencias como si se tratase de diario íntimo y  que las películas en definitiva serían un acto de amor. Esto es lo que intenta Emilio Aragón con esta película, contarnos una historia cercana a nosotros, con la que sentirnos identificados, tal vez nosotros no, pero si nuestros padres y generaciones anteriores, que por desgracia les tocó vivir en esta época con todo lo que ello conllevaba.

El músico Jorge del Pino, el ventrílocuo Enrique Corgo, la cupletista Rocío Moliner y el pequeño huérfano Miguel, forman una familia de artistas dedicada al vodevil. Aunque les ha tocado vivir en una mala época, intenta pelear cada día contra cualquier miseria a base de golpe de risa. Tendrán que tomar decisiones importantes en sus vidas.

Se analiza, a veces con matices crueles e inmorales, los primeros años cuarenta, que tanto en esos años como a día de hoy en el poder, no quieren que olvidemos.  Los niños se ven inocentes frente a la cámara, frente al teniente falangista-franquista Quiroga, con una presencia agresiva y odiosa. Me ha resultado muy interesante la interpretación de Carmen Machi, acostumbrada a verla en Aída, a verla en esta película cantando pues es un cambio gigante.

Una película recomendable que nos muestra una época, unas circunstancias y  unas personas, que sin duda marcaron la historia de nuestro país a día de hoy. La única negativa es que hay demasiados personajes en la historia, algunos innecesarios para la resolución de los puntos de inflexión, y que se van perdiendo a lo largo de la historia. Los personajes en sus espectáculos parodian el estribillo de la canción “No se puede vivir con un Franco”.

También es verdad que el conjunto sufre un fuerte desequilibrio, sobre todo al final de la trama, cuando cuenta de forma apresurada el viaje de los protagonistas rumbo al exilio en Argentina. Es emocionante el final, en el que Miguel habla y cuenta  anécdotas ante el micrófono. La última secuencia, una de las más emocionantes, además de un sentido homenaje del cineasta a la figura de su padre, Emilio Aragón Bermúdez, el popular Miliki, y nos devuelve algo importante: la capacidad de soñar.

Mayoritariamente, vemos iluminaciones oscuras, acompañado de vestuarios sobre todo oscuros, por lo que da la sensación de película triste, dramática. Aunque vemos alguna que otra prenda en color rojo que contrasta con los tonos oscuros del resto del vestuario y la iluminación oscura de los escenarios. Estos tonos rojos, pueden ser códigos visuales que apelen a partidos políticos. Uno de los sitios en los que vemos algo de claridad es en el convento de las monjas donde se encuentra la madre del Miguel.  Planos sobre todo cortos y  medios, planos generales para los paisajes.

Una película necesaria para hacernos recapacitar, con paralelismos entre aquellos tiempos y la época en la que nos encontramos actualmente, en la que constantemente los grandes cargos del gobierno nos prohiben nuestra libertad de expresión e ignoran nuestros derechos fundamentales y universales como seres humanos.

Documentales de la Guerra Civil española

A continuación vamos a comentar brevemente algunos documentales de la guerra civil española, documentales realizados desde diferentes perspectivas y desde diferentes partes del mundo.

En principio, el documental “The Spanish Earth”, que  nos muestra una España derrotada y con penurias. Vemos algunas situaciones traumáticas como cuando los bandos se encuentran en el proceso de disparo de los cañones, bombardeos. Muestra los dos bandos enfrentados en dicha guerra, la España franquista y la republicana, cada una con sus ideales para ganar.

Por el contrario, en el documental “Defenders of the Faith”, vemos un punto de vista más religioso, defensa de lo devoto y católico, muestra a una España que aunque vaya a comenzar la guerra, sigue su labor como de costumbre, defendiendo el cereal como el verdadero tesoro del gobierno franquista. Nos muestra la explotación que sufre la gente pobre que vive del campo. Nos muestra la ciudad de Aragón como el prototipo de la ciudad típicamente española, ensalzando la bandera española. Observamos un gran número de penurias ante la guerra, muestra a los rojos como los “rebeldes”,  los “malos” que echaron abajo los edificios en aquella época, así como cementerios y muertos profanados, en búsqueda de crucifijos para acabar con ellos.  Con todos estos detalles, se nota, que este documental ensalza más las ideas de la típica España franquista, en defensa de las ideas religiosas y el nacionalismo.

Ideales también reflejados en el documental “La España heroica”, que muestra al general Franco como un héroe, como un protagonista destacado e importante en el país, y aquí aparecerán los valores que van a conformar la España tal como la conocemos hoy en día, como son la  religión y la patria. Como los anteriores, es un documental subjetivo, que muestra el punto de vista de la ideología derechista y franquista de este tiempo,  mostrando a los rojos comunistas republicanos como los malos de la historia.

El documental “Barcelona trabaja para el frente” de Mateo Santos, trata sobre la Actividad del Comité Central de Abastos en el aprovisionamiento de Barcelona y del Frente de Aragón durante los primeros meses de la guerra civil española. Aquí observamos  camiones por las calles de Barcelona, imágenes de fábricas, mujeres cosiendo en talleres, locales de almacenamiento, mataderos, fábricas de alimentación, personas trabajando muy activamente, podemos ver personas explotadas. Vamos viendo planos generales donde el director va mostrando al espectador el espacio de la situación en la que se encuentran los personajes, el contexto social, y algunos planos medios y cortos donde el personaje realiza alguna acción concreta. El director pretende “meternos” en su mundo para así establecer una relación más cercana entre los personajes y el espectador.

Otro de los documentales es “Defensa de Madrid.  Segunda parte”, realizado con la colaboración de la Alianza de Antifascistas e intelectuales para la defensa de la cultura. En él, vemos momentos puros de la guerra, como son los bombardeos, ametrallaciones y helicópteros en marcha. La música aquí puede causar cierta tensión y emoción en el espectador, que se va introduciendo en la historia. Vemos las masas de personas que salen a la calle a defender sus derechos, tal como está ocurriendo actualmente, ante esta crisis económica que tenemos en el país.

En definitiva, son unos documentales de unos personajes y unos acontecimientos que marcaron la historia de España, tanto para un bando como para otro, cada uno con sus puntos a favor y sus puntos en contra, aunque alguno de ellos faltando el respeto a los Derechos Fundamentes de los Seres Humanos.

Tanto después de la guerra, como actualmente, muchas personas no dudan en ponerse en marcha para reivindicar sus derechos y manifestarse, que a veces la clase política ignora, porque cada día tienen para llevarse a la boca, y cada noche tienen una cama bajo un techo, pero miles de personas en este país, no lo tiene, gracias a los bancos que quitan las casas a familias con niños menores de edad y ancianos enfermos, por el poder que los políticos le han dado, pero faltando el respeto a los Derechos Fundamentales de las Personas.

Francis Ford Coppola

Es un guionista, productor y director de cine estadounidense ganador del premio Óscar cinco veces. Hijo del director de orquesta Carmine Coppola y la actriz Italia Coppola, ingresó a la Universidad Hofstra para estudiar Artes Dramáticas, y años después se tituló en Artes Teatrales en la UCLA. Siendo aún estudiante, comenzó a trabajar para Roger Corman.

A principios de los 60 empezó a hacer películas, aunque lo primero que hizo son películas eróticas de poco presupuesto. En este período completó los filmes Tonight for Sure y The Bellboy and the Playgirls, mediometrajes con desnudos. En 1962 conoció a Roger Corman, quien vio en Coppola a un joven con talento para ser instruido en el medio cinematográfico, y tiempo después establecieron una relación profesional en la cual él se convirtió prácticamente en su asistente personal.

Su primera película acreditada fue “Dementia 13”, un largometraje de terror de bajo presupuesto hecho para Corman en 1963 y rodado en nueve días en Irlanda. Pero ese mismo año ya había participado en la realización, sin aparecer en los créditos, de otro filme para el mismo director y productor, denominado “The Terror”.

Es considerado uno de los más grandes directores de la segunda mitad del siglo XX , siendo “El Padrino” la elegida en encuestas como una de las mejores películas de la historia, y “Apocalipsis Now” una de las más grandes películas de culto en el sistema de producción de Hollywood. Por su fracaso en ciertas producciones lo han identificado como autor maldito.

La película “Apocalipsis Now” muestra la guerra de Vietnam. El guión está basado en la novela “El corazón de las tinieblas” de Joseph Conrad ambientada en el África de finales del siglo XIX. La música que se utiliza es “La Cabalgata de las valquirias”, de Wagner. Este film tuvo mucha dificultad para estrenarse por el tema que trata, ya que por esta época no se había tratado esta temática anteriormente. Quería ofrecer la película, que él había coescrito junto a John Milius, a George Lucas. Dándose cuenta de que él mismo era el único con la ambición para llevarla a buen puerto, comenzó el rodaje el 1 de marzo de 1976 y lo finalizó el 21 de mayo de 1977. Hasta 1979 no la estrenaría, con el título Apocalypse Now. El rodaje tuvo problemas, Coppola mandó un informe al ejército americano sobre lo que iba a ir la película (masacre, consumo de drogas de los militares, relaciones sexuales…), pero el ejército se opuso totalmente a la realización de esta película. Tuvo un presupuesto de 27 millones de dólares, 15 millones más de los previsto al principio. Un huracán destruyó gran parte de los decorados. Marlon Brando exigió a Coppola cantidades excesivas de dinero y planes de rodaje a su gusto. El presupuesto del filme se disparó. El gobierno de Filipinas se llevaba los helicópteros que Coppola utilizaba para las escenas de batalla sin previo aviso, ya que estaban en guerra. Fue presentada en el Festival de Cannes, aún sin terminar el montaje, y ganó la Palma de oro. En una rueda de prensa, Coppola dijo la famosa frase: “Mi película no trata sobre Vietnam. Mi película es Vietnam”. En esta película cuenta con la ayuda de los directores de fotografía Gordon Willis y Vittorio Storaro, y el decorador Dean Tavoularis. La United Artists apoyó a Coppola en este proyecto. Son interesantes las superposiciones de las imágenes del principio de la película, cuando vemos la cara de un militar consumiendo droga superpuesta a un ventilador de techo, se va fundiendo, y aparecen unos helicópteros y fuego en una selva. Vemos tomas panorámicas de la selva de Vietnam. Oímos los pensamientos del personaje en voz en off. Coppola se inspira en un coronel de la realidad, para realizar el papel de este personaje. Este coronel va a acribillar a los vietnamitas y a sentir alegría por la batalla. Vemos también escenas de imágenes con tono sepia, planos aéreos de helicópteros. El viaje del protagonista cada vez es más surrealista. Durante el rodaje, soltaron a un tigre de verdad, hambriento y los actores no tenían conocimiento sobre esto, y se asustaron. Vemos referencias de esta película en una película de Stanley Kubrick “2001: Odisea del espacio”: la música clásica la presencia de Nietzsche (Dios, muerte, superhombre), tema de África, carácter secreto de ambas misiones, biblia y libros que recuerdan a leyendas mágicas. Lo más impactante de esta película de Coppola es el ritual de la muerte, el montaje en paralelo de los golpes al personaje y por otro lado los golpes que le dan al sacrificar al caribú. Según mi punto de vista, lo más impactante de esta película es la iluminación y la interpretación de los actores. Coppola aparece fugazmente en una escena como reportero de televisión.

“The Cotton Club”, un film experimental, mezcla de musical y gánster. Es protagonizada por Richard Gere y Nicolas Cage. Es una mezcla de géneros: el musical, y el gánster. La película comienza con música fantástica, que recuerda a la película “El templo maldito”, de Sipielberg. Hay un trasfondo policíaco. Gere hace el papel de un trompetista, que busca el éxito, cuya suerte cambia cuando salva la vida de un gánster, Dutch Schulz (James Remar); Sandman es un bailarín que sueña con convertirse en una estrella. La coreografía, en la que destaca los números del claqué de los hermanos Hines, (unos hermanos de piel negra) es espectacular y muy estudiada, y la acompaña una excelente banda sonora. Estos bailarines entran en el club por la escalera del servicio, y cuando terminan de bailar claqué, vuelven a salir por el mismo sitio. Richard Gere da sus primeros pasos como bailarín. Coppola realiza montaje en paralelo, como por ejemplo mientras sucede por un lado la matanza y por otro lado el baile del muchacho negro en medio de la pista. Según mi punto de vista, esta escena del baile está muy bien iluminada, la luz de los focos va siguiendo el movimiento del baile del joven. Durante el final sucede una escena de amor, un tren irreal en una estación, a la vez que oímos música fantástica y jazz. Alterna secuencias musicales con otras de violencia, un proceso que ya utilizó en “El padrino”. Vemos en esta película un tratamiento ocre. Trata la realidad con la ficción. El director de fotografía va a trabajar con una cámara Mitchel.

En 1969, fundó sus propios estudios y ese mismo año, recibió un Oscar por su trabajo como guionista de Patton. Ello motivó que en 1972 la Paramount le encargara el guión y la dirección de “El padrino”, basada en la novela de Mario Puzo y galardonada con tres Oscar.

“Corazonada”, que es un melodrama romántico-fantástico. Pero el público no supo apreciarla como una buena película, tuvo mala taquilla. Trata sobre una pareja feliz que rompe en su quinto aniversario, viven aventuras paralelas y terminan volviendo. El personaje de Hank representa los valores tradicionales, quiere tener una relación estable, es posesivo con la novia, y ejerce violencia verbal (en una escena le dice a su novia “perra”). Frannie es inofensiva, trabaja en una agencia de viajes y simboliza las ganas de vivir. Esta película tiene una iluminación muy interesante. A lo largo de la película podemos ver luces muy fuertes, filtros rojos, va perdiendo color conforme va llegando al final. Algunas escenas comienzan con filtros de colores y se van apagando poco a poco, en el transcurso de la escena. Tiene numerosos fundidos que cierran y abren diferentes secuencias. Hay voces en off mientras está el fundido en negro. La música va matizando la historia. Vemos el uso del flash-black, montaje en paralelo, planos-secuencia. La temática que muestra es la pérdida de la pasión, cayendo en la rutina, lucha por la libertad (aviones, aeropuerto), tiene importancia la iluminación, las sombras, las transiciones, tiene un poco de estética de videoclip.

“El padrino 2”, muestra una sociedad ítalo-americana. Es una continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone y los orígenes del patriarca, Don Vito, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos. Es un drama gánster. Técnicamente vemos contrastes de iluminación, escenarios sombríos, luces naturales, estética sombría, algunos aspectos teatrales, ya que el director había trabajado anteriormente en el teatro. Edición en paralelo. Como temas vemos el amor, el poder, la superación, el destino, la violencia, el romanticismo, el honor, la traición, la soledad, la corrupción. La Paramount no quería a Coppola porque sus anteriores proyectos fracasaron. El proceso de rodaje fue más duro y largo que la primera parte, este llevó 112 días de rodaje, y viajes a Nevada, Cuba o Sicilia. Tuvo más éxito que la primera parte y consiguió 11 nominaciones.

“La conversación” además de dirigida, está escrita y producida por el propio Coppola, ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. Una película con un guión inquietante Gene Hackman interpreta a un especialista en escuchas. Así se ve metido en un oscuro asunto en el que se mezcla un caso de homicidio y una serie de intrigas de poder. Un thriller de suspense con un fuerte carácter psicológico, basado en el remordimiento de conciencia. Un film de espionaje y de violación a la privacidad, de conjeturas y vigilancia secreta. Comienza como una simple investigación de infidelidad, pero va derivando en consecuencias inesperadas. Mantiene la intriga en todo momento, y va derivando en un desequilibrio psicológico del protagonista principal hasta límites de la locura. Me resultan interesantes algunos planos y la iluminación de algunas escenas. Me parece graciosa la escena en la que uno de los personajes está viendo la televisión y vemos referencia a la serie de “Los Picapiedra”. Me resulta inquietante la escena en la que el personaje está muerto, dentro de una bolsa de plástico y los medios de comunicación están grabando la situación. Hace referencia a la religión, en la escena en la que el personaje coge un icono de una virgen, la va mirando hasta que le da un puñetazo y la termina rompiendo.

“Drácula”, una adaptación que no escribió. Basada en la novela de Bram Stoker. El vestuario es diseñado por Eiko Ishioka. La película contiene múltiples efectos visuales de fácil concepción (realizados con instrumentos rudimentarios), pero difícil ejecución: sombras, ilusiones teatrales, marionetas, maquetas pintadas en cristal, paredes que se mueven, con el fin de dotar al relato de una extraordinaria atmósfera irreal; todo ello realizado por el fotógrafo Michael Ballhaus en colaboración con el hijo de Coppola. Esta película fue una de las múltiples adaptaciones cinematográficas de la novela de Stoker, pero la adaptación que dirigió Coppola está considerada como su adaptación oficial, ya que es el film más fiel a esta novela. La historia nos muestra al conde Drácula, un antiguo líder de un gran ejército del sudeste de Europa, que reside en un viejo castillo de los Cárpatos, en Transilvania. El conde es un vampiro, que se alimenta de la sangre humana. Este ser tiene el poder de manejar a la naturaleza, tiene poder de volar, adaptar la forma de un murciélago. Los productores habían pensado en otros directores de géneros de terror como William Friedkin o John Carpenter, pero finalmente escogieron a Coppola. Creo que es increíble la interpretación de Hopkins en esta película y el sonido de fondo utilizado en ciertas escenas es inquietante. Vemos transiciones para iniciar ciertas secuencias, en algunas secuencias utiliza el recurso de aceleración de imágenes, las sombras son perturbadores y muy marcadas en ciertas escenas. Algunos planos-secuencia pueden provocar intranquilidad. Observamos el cine dentro del cine: en una escena unos personajes están viendo una película en blanco y negro. Los escenarios oscuros de noche producen miedo. En definitiva, una película inquietante. Me resulta muy buena la interpretación de Anthony Hopkins.

“Tetro” empieza con la llegada de Bennie a Buenos Aires, desde Manhattan con la esperanza de reunirse con su hermano mayor. Cuando Bennie por fin encuentra a su hermano mayor, Tetro, se da cuenta de que es todo lo contrario a lo que él esperaba. Tetro es ahora un hombre distante y desilusionado. Durante el tiempo que Bennie pasa con su hermano y la novia de éste, Miranda, encarnada por Maribel Verdú, los dos vuelven a vivir las experiencias tormentosas de su pasado. Lo que une el primero y el último film de Coppola es el blanco y negro, el ambiente claustrofóbico, las historias de familias con fantasmas paternos y una mujer que lo ve todo desde fuera. Usa el color en determinados momentos de la película. Según una crítica de la página web de cine La Butaca, esta película es5 “un dilatado capricho que quiere pertenecer a otro tiempo, que el director parió acordándose de las sesiones de cineclub que miraban al cine europeo de los 50 y 60. Es una de la más personales de cuantas ha firmado, si no la que más. Una radiografía del autor, del genio en el seno del competitivo contexto familiar que nos remite irremediablemente a la saga misma de los Coppola. “Tetro” es un capricho que quiere pertenecer a otro tiempo”. Para mí, lo más interesante de esta película son los momentos en los que incluye el color, sobre todo en las escenas de flash back y en algunas situaciones dramáticas, como la situación del accidente. Retrata la inmigración italiana que pobló Buenos Aires en los inicios del siglo XX. Es de nacionalidad española, Algunos componentes del reparto fueron Maribel Verdú, Carmen Maura, Vincent Gallo, Rodrigo De la Serna, Leticia Brédice, entre otros.

Coppola decidió abrir una productora en Buenos Aires para producir y rodar esta película, pero en la pre-producción el guión de la película y otros materiales fueron robados. Dos meses después de que la película comenzara a rodarse en La Boca y otras locaciones, la Asociación Argentina de Actores demandó al director por alargar los horarios de rodaje y tener al equipo trabajando en malas condiciones salariales.

Steven Spielberg

Steven Spielberg es un director, guionista y productor de cine estadounidense, cursó estudios de cine en la Universidad Estatal de California, en Long Beach. En 1969, el Festival de Cine de Atlanta proyectó su corto “Amblin”, con una duración de 22 minutos, lo que le supuso un contrato con Universal.

Realizó un largometraje para televisión llamado “El diablo sobre ruedas”, del que posteriormente se hizo una película, que tuvo mucho éxito. Revitalizó el género de aventuras, llega a todo el mundo, es un “crack” en los efectos especiales.

En 1984, creó su propia productora, Amblin Entertainment. de más de doce películas que fueron auténticos éxitos como “Gremlins”, “Regreso al futuro I, II y III”, “En busca del valle encantado”, “Los Picapiedra”, “Casper”, entre otros. En octubre de 1994, Spielberg, anunció la creación de DreamWorks SKG, un nuevo estudio en el que se asociaba con Jeffrey Katzenberg y David Geffen.
Es fanático del cine desde niño. Desde los 12 años inventaba historias y en algunas escenas trabajaba con salsa de tomate para imitar la sangre. El 1959 realiza su primer intento de película, que dura 3 minutos y le costó 8 dólares, en 8 mm.

Las características que marcan su cine son que muestra las fantasías creíbles, los sucesos ocurren desde el exterior, no son filosóficos, ni intimistas, (a diferencia de Woody Allen y casi todo el cine europeo). Los temas que trata son relacionados con Dios, el más allá, extraterrestres, inocencia que se deja a un lado para dar lugar a la  madurez, se preocupa por hacer del cine algo más que la vida. Spielberg está influenciado por otros directores como Hitchcock, David Lean, Akira Kurosawa, Fran Capra, Stanly Kubrick.

Su primer gran éxito fue “Tiburón”, basada en una novela de best seller de Peter Benchley, presente durante todo el rodaje en calidad de “asesor”, no estaba de acuerdo con la interpretación que hacía Spielberg de su novela y se pasaba el día interfiriendo y quejándose ante el director. Es considerado el primer blockbuster de la historia. La banda sonora es muy importante en la película, porque marca la presencia del tiburón aunque no lo veamos. Comienza con tomas submarinas, planos generales de unos chicos en una playa, haciendo una barbacoa. Una chica se mete en el agua y va a ser devorada por el tiburón, y a partir de aquí van a comenzar al rescate de este animal submarino. Podemos apreciar un poco de terror psicológico, como utilizaba Hitchcock: que el monstruo no se viera hasta casi el final. Maneja el suspense y la elipsis. Los productores de la película le dijeron que rodase en un estanque, pero él prefirió rodar en el mar, en una playa de Massachusetts, donde se hace pie hasta 20 km. Tuvieron muchos problemas con los tiburones, porque el agua salada influía en su mecanismo. Se construyeron 3 tiburones. Spielberg pidió a la productora que no se mostrara el tiburón hasta haber transcurrido una hora de película, para así mantener el miedo y el suspense entre el público, ya que el espectador no tendría una imagen o figura a la que temer, cosa que según el propio Spielberg da muchísimo más miedo.

Esta película fue un taquillazo y le valió la fama internacional con este film. Como curiosidades de esta película, la selacofobia o miedo a los tiburones, muchos psicólogos la atribuyen especialmente a esta película. Según mi punto de vista la banda sonora es inquietante y me parecen muy buenos los efectos especiales. La música que suena cuando el tiburón parece que va a actuar me resulta angustiosa.

“Encuentros en la tercera fase”, donde se ve su carga ideológica hacia lo sobrenatural, la otra dimensión. El protagonista siente la presencia de alienígenas. Un experto intenta comunicarse con estos seres mediante la música, una serie de notas musicales. Se ve una escena de película de “Los diez mandamientos”, en una de las escenas en la que el niño juega con unos trenes eléctricos que los hace chocar, aquí recuerda Spielberg a su niñez, y se da un auto homenaje. El responsable de los efectos especiales es Douglas Trumbult, las nubes del cielo las realiza a base de agua dulce y salada, inyectándole pintura blanca y permanecen en el aire. Las cabezas de los marcianos son unas máscaras. El perfil de niño que trata con ovnis se ve en otras de sus películas, como por ejemplo “ET el extraterrestre”, que es más infantil, tiene diálogos simples, no comunica nada, solo es un extraterrestre que se ha perdido en la tierra y desea volver a su planeta, vemos reflejados dos mundos: el infantil y el adulto. El extraterrestre fue un diseño de Carlo Rambaldi, quien se inspiró en los rostros de Albert Einstein, Carl Sandburg y Ernest Hemingway. Spielberg decidió rodar toda la película de forma cronológica, incluidos los planos de cada secuencia, prescindiendo de story-boards e improvisando mucho, logrando naturalidad y verosimilitud. Logró terminar la película con varios días de antelación respecto al plan de producción. El director cuidó cada detalle al máximo para lograr dar privacidad, intimidad y espontaneidad a sus niños. Percibimos música ciertas de suspense y en otras ocasiones los sonidos y la música pueden llegar a provocar terror y nerviosismo, y las atmósferas nublosas son inquietantes visualmente.

“La lista de Schindler”, es una película mucho más seria, con una temática conmovedora, que intenta reflejar unos hechos que sucedieron en la historia de la humanidad. Se retrata al ejército nazi, los soldados actúan con extrema crueldad y muestra el holocausto judío. Spielberg rodó con la cámara en mano, es un film en blanco y negro con momentos en color. Un momento dramático es en una imagen que aparece una niña con una chaqueta roja, chaqueta que luego aparecerá tirada. Construye una réplica de un campo de concentración. Con esta película Spielberg renunció a cualquier derecho económico y lo donó a asociaciones que se dedican a las víctimas del holocausto nazi.

“Indiana Jones, en busca del arca perdida”, protagonizada por Harrison Ford. El guion fue escrito por Lawrence Kasdan. Indiana Jones es un profesor universitario de arqueología, que para conseguir reliquias históricas. Tras regresar de una misión en  Sudamérica, el gobierno estadounidense le encargará un nuevo cometido: la búsqueda del Arca de la Alianza, lugar en donde se cree que los hebreos depositaron los mandamientos que Dios había otorgado a Moisés, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quien lo posea y los nazis también van detrás de ella. La temática de este film es sagrada. Los personajes son estereotipados, como escenarios vemos el desierto, la selva, los efectos especiales tienen más peso que el guión en sí. Tiene primeros planos y planos medios para diálogos, claroscuros, travelling, panorámicas, planos largos para describir lugares. El montaje tiene cortes rápidos para dar sensación de dinamismo. Esta película fue rechazada por diversas distribuidoras, ya que sus ejecutivos consideraban que el argumento era demasiado extravagante y era muy costosa para producirla. Paramount Pictures decidiría financiar el filme. Debido a las altas temperaturas y al riesgo de contracción de enfermedades, el rodaje en el lugar resultó una experiencia severa. Varios actores y personal técnico se enfermaron, aunque Spielberg fue uno de los pocos que no lo hizo, porque consumía comida enlatada. Los efectos especiales son muy interesantes.

“El color púrpura”, basada en una novela de Alice Walker. Es una película más intimista y perspectiva más madura. Nominada 11 veces a los óscar, aunque finalmente no ganó ninguno. Cuenta la vida de una mujer que negra que sufrió de niña abusos por parte de su padrastro, con el que tiene 2 niños, fruto de estas violaciones, tiene una actitud pasiva, resignada, sumisa, fe en Dios, encarnada por la actriz Whoopi Goldberg, que se da a conocer con esta película. Como temática trata la religión, el racismo, la violencia de género, pérdida de la infancia, la muerte como escapatoria, la esclavitud. El nombre de la película se asocia al sufrimiento, al dolor, a los golpes que reciben las mujeres, la divinidad, la sabiduría, esta película marcó una diferencia respecto a sus películas anterior, pero la academia no la reconoció como mejor director. Muestra entornos de paisajes naturales que contrastan con la violencia que llevan a cabo diferentes personajes. Vemos primeros planos del buzón relevantes en el argumento de la historia. Aparecen ceremonias cantando, típicas de la cultura negra.

“Salvar al soldado Ryan” es una película bélica, que retrata a las minorías, Kaminski realiza la fotografía, y ganó el óscar a la mejor fotografía, los decorados están bien confeccionados y detallados. Tenemos primeros planos, planos detalle en los que se ve el sentimiento y miedo de cada uno de los personajes, hay un cambio en la intensidad de la luz, vemos siluetas casi negras. Como recursos sonoros, oímos sonidos ambiente de tanques, gritos, disparos, lluvia, el montaje tiene una estructura clásica, con transiciones entre batalla y batalla, otros temas son la religión, dolor, miedo, compañerismo, lealtad, el patriotismo, humanidad, critica la guerra y al nazismo, enfatiza la crueldad de la guerra. Al poco de terminar “Salvar al soldado Ryan”, Spielberg y Tom Hanks, ambos como productores ejecutivos, se hicieron cargo de la miniserie “Hermanos de sangre”, para HBO y DreamWorks Television.

“El imperio del sol”, que es de género bélico. Parte de la película fue rodada en España, en la localidad andaluza de Trebujena, y parte del reparto de extras donde se rodó la película pertenecen a ese lugar. Lo que me resulta interesante de esta película es la banda sonora, la misma música suena tanto al principio como al final, presente también en una ocasión en la mitad de la película, cantada por el niño, y le da cierto toque de dramatismo y sentimiento. Me resulta muy buena la interpretación del niño en toda la película.

“Atrapame si puedes” basada en la vida de Frank Abagnale Jr., encarnado por Leonardo Dicaprio, quien antes de cumplir 19 años consigue millones de dólares haciéndose pasar por piloto de una empresa aérea, por médico y por abogado. Su principal modo de operar era la falsificación de cheques, delito en el que logró tanta habilidad y experiencia, que el FBI finalmente lo reclutó como asesor en ese tipo de fraudes. La banda sonora me parece interesante, los créditos parecen muy estudiados y planificados, adelantan sobre lo que puede tratar la película. Me resulta graciosa la escena en la que el protagonista consigue engañar al policía que lo anda buscando. Es interesante el plano de cuando lo capturan, se monta en el coche de la policía y se ve su cara en el espejo retrovisor del interior del coche, y la luz roja del coche de policía contrasta con la iluminación oscura de la noche.

Podemos comparar a Spielberg con Shyamalan. Uno de los motivos visuales más usuales en las obras de ambos es el del plano que muestra a sus protagonistas mirando al cielo, lo que provoca un inmediato efecto metafórico en la imagen de sus espectadores, que observan la pantalla con la misma expectación que los héroes del film. Ambos quieren devolver el cine a sus procedimientos narrativos clásicos del cine de la industria de Hollywood. Shyamalan se inclinó por las películas con contenido sobrenatural, como Spielberg, y no por las comedias románticas como otros directores americanos. A la película “Señales”, de Shyamalan algunos críticos le encuentran parentesco con “Encuentros en la tercera fase”, de Spielberg, pero es precisamente en la creación del misterio, la revisión de los mitos y la presentación de los extraterrestres donde Spielberg logra un éxito rotundo y sin embargo Shyamalan fracasa. Una de las películas que he visto de Shyamalan es “La joven del agua”, pero no me resultó una historia interesante, aunque en  otra de sus películas como “El sexto sentido”, el argumento es interesante, la forma de contar la historia con las elipsis y flashs back.

Spielberg se convirtió en el director más joven de la historia en firmar un contrato a largo plazo con uno de los grandes estudios de Hollywood. Uno de los maestros de los efectos especiales.

Documentales de Michael Moore

Michael Moore es un cineasta documentalista y escritor, nacido en FlintMíchigan, Estados Unidos, el 23 de abril del año 1954. En su periodo de juventud, colaboró en el periódico escolar y trabajó como editor en su propio periódico. Sin embargo, encontró en el cine el mejor medio para expresar sus ideas. También realizó documentales para televisión, además de colaborar en la realización de un documental sobre los neonazis y racistas.

Es muy conocido por su mentalidad progresista y se ha ganado la fama de crítico satírico y sarcástico contra el orden de los Estados Unidos. Se propuso mostrar la cara cruel, dura y peligrosa de ese gran país, supuestamente llamado el “país de las oportunidades”.

Para algunas personas, como sobre todo los políticos o los personajes relacionados con el mundo financiero, este cineasta se ha convertido en un tipo indeseable, que va pregonando a los cuatro vientos, con un megáfono, verdades muy incómodas y que dejan en vergüenza al gobierno, así como sacar a la luz trapicheos del gran poder, indecentes, pero que son reales.

Su estilo se basa en mostrar la gran realidad de este país y dejar al descubierto ante el mundo, las consecuencias de las acciones deliberadas y por conveniencia, tomadas por los políticos y los poderosos de Estados Unidos.

Gracias a las fuertes críticas que recibe a sus discursos audiovisuales, hizo que se hiciera un personaje polémico, y la venta de sus libros y las entradas de sus Films, aumentaron considerablemente.

Algunos críticos atacan a Moore porque supuestamente es un egoísta que suele a “vanagloriarse”, pero no son más que reacciones enfurecidas, ya que el director, se ha atrevido a desafiar a las autoridades y ha ayudado a revelar que existe una gran masa de simpatizantes que han sido reprimidos y a quienes no se les ha permitido expresar sus sentimientos.

Hace poco se publicó un libro criticando a Moore titulado “Michael Moore is a Big Fat Stupid White Man” (“ichael Moore es un gordo blanco y estúpido’) y en una película aún no estrenada llamada “Michael Moore Hates America”(‘Michael Moore odia a América’). Igualmente, sus obras han sido un objetivo importante de análisis, acusándoles de que numerosas informaciones de sus documentales son falsas o están distorsionadas.

En este trabajo, vamos a realizar un análisis sobre algunos documentales del cineasta Michael Moore. He escogido este director porque me resultan interesantes sus proyectos audiovisuales de crítica a la sociedad, sobre todo a Estados Unidos, dedicándose a temas, como la política del ex presidente de Estados Unidos, George Bush, violencia armada, invasión de la paz, sanidad, entre otros.

  • Bowling for Colombine

En su documental “Bowling for Colombine”, presenta un análisis de la cultura relacionada con las armas en Estados Unidos. Tuvo mucha polémica en los estudios de Hollywood al ganar algún Oscar y varios premios en Festivales de cine. Esta polémica también fue generada al criticar al que en esos momentos era presidente de este país, y tuvo la oportunidad de denunciar George Bush.

En este documental, como en otros muchos, vemos al propio Michael Moore inmiscuirse entre los ciudadanos con su cámara, para ir preguntando y observar de primera mano, cuáles son las sensaciones y emociones de la gente ante el tema de la agresividad y la violencia. La temática de este documental es el uso de las armas, tanto sus ventajas de defensa personal como sus inconvenientes de uso inadecuado de menores. Muestra casos de sucesos de asesinatos en Colombine. Presenta casos de menores de edad que llevan armas al colegio, así como asesinatos que se han producido a causa del uso de estas armas en centros escolares.

Hace una crítica a una asociación que defiende el uso de las armas para la defensa personal, y acude a casa de su presidente a hacerle unas preguntas sobre el tema de la niña que murió a causa del uso de las armas.

También, Moore entrevista a un cantante de un grupo de Rock and Roll para saber su opinión acerca de este tema y su visión de la sociedad de consumo actual, ya que tuvo que cancelar un concierto a causa de los fallecidos en el colegio de Colombine.

Vemos imágenes de archivo de películas, videojuegos, en las que utilizan armas, agresividad, así como imágenes de las conquistas de indios y cowboys del oeste, imágenes de recurso del exterminio de la época nazi, con Adolf Hitler, en blanco y negro. Los creadores de la serie South Park, también originarios de Columbine, dieron visión, no solo de la cultura armamentista, si no además de la decadencia de la sociedad estadounidense causada por el miedo, manipulación y represión por parte de los medios de comunicación incluso de la misma comunidad en general, hechos que los llevaron a crear esta serie satírica que hoy en día goza de fama mundial. También se muestra un segmento animado donde se describe un breve resumen de la historia norteamericana, centrándose en los antiguos peregrinos, quienes al sentirse impotentes, llevaron al territorio a un estado total y constante de miedo desde la llegada de los colonos hasta las casi la actualidad, pasando por la época de la guerra civil y la esclavitud junto con el empresario armamentista de la época, Samuel Colt. 

Moore entrevista a jóvenes, policías, para ir contrastando lo que piensan los diferentes colectivos de la sociedad americana acerca de las armas y la violencia, en algunos casos extrema, que ejercen en ciertas partes de Estados Unidos, así como a personas de algunos puntos de Canadá, para saber su opinión sobre sus vecinos estadounidenses y su gobierno.

La música en ciertas partes del documental nos transmite esa sensación de tristeza ante las muertes provocadas por el hecho del uso generalizado de las armas en todo el país. La pena y el sufrimiento de familiares que han pasado el dolor de perder sus hijos ante esta catástrofe, producida por la violencia ejercida por la juventud, promovida tal vez por la violencia vivida en sus hogares, por el cine, videojuegos, o por los medios de comunicación de masas en general, que venden sobre todo que sin un arma no se es nada, y que hay que ser agresivo o violento para defenderse. Sin darse cuenta, que al mismo tiempo que se es agresivo para defenderse uno por necesidad, se está agrediendo a personas que no tiene culpa de nada.

Como dije anteriormente, critica una asociación que defiende el uso de las armas, a favor de la propia libertad de la persona y de su defensa individual. Respecto a esto creo, que al mismo tiempo que defiende la libertad de la persona, está fallando a la libertad de los demás, ya que la libertad de uno termina donde empieza la del otro, y el uso de un arma es un hecho que arriesga la vida de muchas personas, no solo la de uno. Individualmente se debe estar capacitado tanto física como psicológicamente para hacer uso de este instrumento de defensa.

Me resulta interesante, cómo refleja en el documental, que a partir de lo sucedido el 11 septiembre de 2001 en las torres gemelas, la gente se ve más necesitada de protección, ya que el miedo empezó a apabullar a la gente, miedo a todo lo relacionado con la cultura musulmana, hasta el punto que las empresas se empezaron a beneficiar de ello, convirtiéndolo en un negocio con bastantes ingresos, como es la venta de armas.

El propio Moore se presenta con personas afectadas por las armas, ante una asociación, con personas realmente afectadas y con gran discapacidad en partes de su cuerpo, debido a las balas que tienen dentro, y por lo que no pueden llevar una vida normal.

Vemos cierta crítica, cuando muestra entrevistas que hace y las respuestas que recibe, de personas adineradas y con cierto status económico en el país. La gente con dinero, que no se preocupa por las cosas realmente importantes del país y explotan a la clase proletaria.

Según mi punto de vista, me resulta indignante como un presidente de un país, se preocupa más de mandar tropas a otros países para hacer la guerra, mientras que no cuida a la gente de su propio país, habiendo madres solteras, que tienen que dejar a sus hijos descuidados en casa, para salir a trabajar y tener dos trabajos para poder sobrevivir, es ahí donde empieza la violencia, ya que son los propios niños los que, al no saber qué hacer estando solos en casa, deben educarse solos, y en cierto sentido, comienzan con la violencia vista en televisión, sin ningún tipo de restricciones.

  • Farenheit 9/11

En otro de sus documentales, como es “Fahrenheit 9/11”, habla de los vínculos económicos, entre las familia del presidente Bush y la familia Bin Laden, las supuestas motivaciones financieras escondidas, de la invasión de Irak en 2003 y la supuesta credibilidad y ausencia de crítica del ciudadano medio americano.

Tuvo gran éxito, aunque la cadena distribuidora se negó a distribuir la obra, pero al ganar la Palma de Oro, varias pequeñas productoras aceptaron su distribución el día en el que Moore había elegido, como fue un 4 de julio, coincidiendo con la Independencia de Estados Unidos.

En este documental vemos menos la aparición física de Moore, aunque sabemos que es él quien realiza los comentarios. Critica la forma en la forma en la que aprobaron la legislación de Bush, y que ante esta problemática, huyó y se fue de vacaciones.

Me resulta gracioso el momento en que Michael Moore se dirige a Bush y éste le dice que se busque un trabajo de verdad, cuando es el propio presidente quien no hace nada por el país. Creo que es indignante la actuación de Bush cuando se le informa que un avión se ha estrellado contra una de las torres gemelas, y él ignora esto y se dirige a realizar su sesión de fotos promocionales.

Moore explica que el gobierno de Bush, tras el 11 de septiembre, trató convencer de forma intencionada, a la población de que el régimen de Saddam Hussein tuvo algo que ver en ese ataque terrorista. Pero bien se sabía que esta conexión era una ficción y que Irak nunca había atacado a Estados Unidos. El cineasta no pierde la oportunidad y tuvo tiempo de sacar a la luz cómo el gobierno de Bush intentó utilizar las trágicas muertes en Nueva York y en Washington para justificar sus nefastos planes políticos.

Respecto a la técnica de documental, se podría decir que utiliza imágenes de archivo, entrevistas tanto a profesionales como ciudadanos afectados de alguna forma, mapas explicativos para situar al espectador en el contexto, imágenes de archivo de los atentados en las torres gemelas. Podemos ver la indignación de los afroamericanos en Estados Unidos al sentirse desprotegidos e ignorados por parte de los políticos, senadores y demás personas con cargos gubernamentales.

Por otro lado, observamos que animan a la juventud a iniciarse en las fuerzas armadas para proteger a su comunidad, además para ganar dinero para sus estudios. El mandar a los jóvenes a la guerra con la ilusión de defender a su nación, es hacer que destruyan su juventud y esa parte de la vida que todo ser humano tiene derecho a vivir dignamente, y no matando criaturas para supuestamente conseguir la paz, utilizan sobre todo a personas pobres, que saben que son más solidarias y lo dan todo por su país, los más indefensos y necesitados. Se priva a la gente de su propia libertad de elección, mandándoles a la guerra o ir a la cárcel. Moore atravesó por las amargas experiencias de la clase obrera en Flint.

La música es introducida sobre todo en los momentos en los que vemos a George Bush, para darnos a entender el mundo de fantasía y de “sueño americano” en el que vive, evadiendo todo lo importante de país, mientras se va de vacaciones. Música de tristeza donde apela la sensibilidad del espectador, y sentir el miedo que tienen las personas a la guerra, pero que aún así el presidente ignora o se hace el desentendido para no preocuparse de lo verdaderamente importante.

  • Sicko

Otro de sus documentales es “Sicko”, que presenta un fuerte retrato del sistema de salud americano, una crítica a la industria médica y farmacéutica, así como un retrato de las necesidades que atraviesan la mayoría de los pacientes en Estados Unidos. Comparándolo con la sanidad en otros países como son Francia, Gran Bretaña, e incluso Cuba, países tan criticables por los americanos en ciertos puntos políticos, pero que a la hora de la sanidad apoyan más a sus enfermos y pacientes, y no mueven a los médicos a trabajar de una forma tan movida por los salarios, sino más por el respeto a los pacientes y a utilizar sus conocimientos médicos para ayudarlos de forma positiva.

Vemos diferentes personas, cada una con una historia distinta por la cual las diferentes compañías se niegan a hacerles un seguro médico, por diferentes causas, a veces injustificables.

La música del inicio hace sentir al espectador la ilusión y la alegría por el sueño americano, familias felices. Muestra una realidad cruda, pero que al fin y al cabo es la realidad, a la que todo americano indefenso o sin recursos suficientes debe enfrentarse. Como por ejemplo, nos muestra, bebés pequeños, con diferentes problemas de salud, que están incluso para morirse, y los hospitales y las urgencias se niegan a visitarlo hasta saber si el seguro médico lo cubre. Compañías que se niegan a darle a personas más de una sesión de quimioterapia, tras ser operado de cáncer, cuando lo conveniente es al menos 2 o 3 al mes, y se niegan a dárselas por cuestiones de seguro médico.

En ocasiones, las personas que trabajan para hacer los seguros médicos, se encuentran impotentes durante la entrevista con las personas que van a hacerse su póliza de seguros, porque saben que se les van a negar por cualquier mínima cuestión incoherente. La lista de enfermedades y problemas de salud que no se deben tener para obtener este seguro es interminable, y en ocasiones es incomprensible. Por ejemplo, si se mide 1,59 y se pesa 80 kilos ya niegan el seguro porque se es demasiado gordo, o si alguien mide 1,80 y pesa 40 kilos, también les niegan el seguro, porque es demasiado delgado, cuestiones a veces ilógicas. Los seguros recurren a buscar problemas del pasado que ya no se tienen, no tienen nada que ver con la situación de salud actual y se les da relevancia a la hora de hacerse un seguro. Innumerables seguros médicos, venden muy bien sus servicios por Internet o por televisión, pero a la hora de la verdad, no cumplen con lo que prometen ni cubren todos los servicios necesarios básicos para la salud, y básicamente si uno no tiene dinero, se muere y nadie mueve un solo dedo.

Michael Moore se traslada a otras partes del mundo, como son Francia, Canadá y Gran Bretaña, para comparar como es el seguro médico de salud y la sanidad en general, en estos países, completamente diferentes al de Estados Unidos, en todos los sentidos.

Moore se sorprende ante algunas situaciones relacionadas con el servicio de salud en otros países, e incluso se piensa que le están tomando el pelo en varias ocasiones. Realiza entrevistas a profesionales de la salud de otros países, para contrastar como los médicos de otras naciones cuidan y se preocupan más por la salud de sus pacientes.

La música que oímos cuando Moore está en Gran Bretaña, recuerda a la Familia Real. Vemos alguna que otra imagen en blanco y negro, que recuerda a alguna película. También, observamos imágenes aceleradas, para mostrar la rapidez o la velocidad con la que hacen las cosas.

En una ocasión, el cineasta es testigo de la atención urgente a varios pacientes en una noche. Durante el paseo de Moore por Paris oímos música en francés, lo que ya sitúa al espectador en el país en el que se encuentra el director.

En contraste con estos países, vuelve a Estados Unidos, donde algunos hospitales toman la iniciativa de abandonar a los pacientes mayores que no tienen recursos, pagándoles un taxi y dejándolos en cualquier sitio en la calle, en estos momentos oímos música de tristeza, lo que puede hacer sentir emoción en el espectador, ante esta situación tan denigrante y frustrante.

De nuevo como en otros documentales anteriores, vemos a George Bush. Moore acompaña a afectados por el 11-S a ir a Cuba, como último recurso, para ver si en este país pueden hacer algo por su salud, debido a las repetidas negativas que les presentan en Estados Unidos para ayudarles con los problemas que les ocasionó el salvar vidas durante los atentados de las torres gemelas.

Al llegar este país, no se creen tanta amabilidad y respeto por parte de todo el mundo, ya que en Estados Unidos mostraba Cuba como el país más malvado de todo el mundo. Vemos imágenes en blanco y negro en momentos en los que sale Fidel Castro, como el enemigo odiado por todos.

En este documental, los planos cortos de los afectados intentan que el espectador se meta en la vida de las personas afectadas, y hacen que el que lo este viendo comprenda el sufrimiento y el dolor de estas víctimas.

  • “Capitalismo, una historia de amor”

Este documental, que ganó dos premios en el Festival de Venecia, es un análisis sobre la crisis mundial desde lo más profundo de las grandes asociaciones y entidades norteamericanas y sus filosofías empresariales. Aunque también es un retrato de las familias que lo han perdido todo.

Moore muestra su sarcasmo habitual para “atacar” a políticos e instituciones financieras, atacando al capitalismo paso a paso y buscando las claves de la pésima situación económica en todo el mundo.

En el documental, vemos cómo el sueño americano se va evaporando, mientras muchas familias pierden sus puestos de trabajo, sus casas y los ahorros de toda su vida a costa de las ganancias de aquellos ambiciosos que solo viven por y para el dinero.

Para sacar a la luz a los verdaderos culpables de esta crisis planetaria, Michael Moore se adentra en los diferentes estratos sociales de Estados Unidos, desde las viviendas más humildes, hasta los pasillos gubernamentales de Washington. El documental cuestiona cuál es el precio que tiene que pagar el país más poderoso del mundo, por su amor al capitalismo.

Con su gran sentido del humor y crítica, Moore nos va fotografiando y mostrando las miserias, y sacando los colores a los políticos bandidos habituales, y lo hace comunicando el mensaje con mucha habilidad.

Vemos que realiza entrevistas a actores y profesionales de áreas concretas, imágenes de archivo de diferentes películas, tanto en blanco y negro como en color, acontecimientos concretos, y cómo no, vemos imágenes de George Bush en sus conferencias, tan repetida en casi todos sus documentales. Imágenes de la Iglesia Católica, sacerdotes, curas y obispos. También nos muestra imágenes de una película de Jesucristo manipuladas, lanzando proclamas neoliberales, en la que se confiesa capitalista, y que no curará al señor enfermo ya que tendría que pagarlo de su bolsillo. Me llama la atención la sobreexposición de imágenes, en la posproducción, de Cristo y un Congreso de diputados de políticos o gentes de la bolsa.

Vemos anuncios que nos venden la felicidad de tener dinero y lujos, imágenes de masas que se manifiestan tanto en las calles con pancartas como en lugares cerrados, así como personas que acuden a las conferencias del nuevo presidente de Estados Unidos, Barack Obama, con promesas de cambio en la sociedad americana, cantidad de afroamericanos luchando por sus derechos en las calles.

Fuentes bibliográficas:

http://www.michaelmoore.com

http://www.cosasdelcine.es/nuevo-documental-michael-moore/

http://www.cubaperiodistas.cu/noticias/noviembre10/26/05.htm

http://www.bolpress.com/art.php?Cod=2010112509

http://www.rebelion.org/autores.php?id=52

http://www.liberalismo.org/articulos/108/michael/moore/

http://www.labutaca.net

http://www.filmaffinity.com

http://www.elmundo.es

http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Michael/Moore/2522/

http://www.educared.org.ar/enfoco/ppce/escenarios/07_Integracion/propuestas_culturales.asp

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