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El conformista, Bernardo Bertolucci

Película de Bernardo Bertolucci del año 1970, basada en una novela de Alberto Moravia.

La película narra la historia de Marcelo, un respetado funcionario que se ha convertido al fascismo. Cuando tenía 13 años le disparó accidentalmente a Lino, un muchacho homosexual que intentó seducirlo. Años más tarde,  Marcelo va a casarse con Giulia, pero al cambiar de extremo en su ideología y tener contactos con el servicio secreto fascista, está dispuesto a combinar su luna de miel en París con un atentado a un exiliado político italiano, que fue su profesor. La situación básica del relato enfrenta a Marcello con el profesor Quadri, militante antifascista que ha emigrado a París. Marcello es un personaje de escasa vitalidad, preocupado,  melancólico.

El color es una parte importante a lo largo del film, ya que va marcando la personalidad intrínseca del personaje. Los tonos rojos marcan la violencia, la sangre y el fascismo, los tonos blancos la vejez, los tonos azules la frialdad. Por ello, el color nos va dando idea de que el personaje principal es un hombre que van cambiando con la sociedad, se va “conformando”, tal como dice el nombre de la película, se va dejando llevar por la voluntad de las personas de su alrededor, para sentirse parte del grupo y por ello ser respetado por los demás.  Tonos oscuros que causan suspense al espectador y miedo a veces por la utilización de la iluminación en interiores así como en exteriores con ambiente nublado, que nos va sugiriendo lo que va a poder ir pasando a lo largo de la película.

Por otro lado, la banda sonora es una parte importante, la música va marcando partes dramáticas de la historia. Nos va adentrando en la personalidad del protagonista para comprender su forma de actuar. Nos va sugiriendo que la historia tratará sobre algún crimen, que habrá violencia, drama.

Una historia con momentos crueles para un niño, como cuando narra al sacerdote momentos de su infancia, dando éste más importancia a lo más trivial relacionado con su orientación sexual, de lo más verdaderamente importante que fue el trauma infantil, hecho que supuso que tuviera esa personalidad y esa actitud de convertirse al fascismo, por el odio al sector de población homosexual que le originó el intento de abuso por parte de uno de ellos.

Es muy significativa la secuencia en la que Marcello está en la celebración con su esposa y lo incitan a bailar, los componentes del grupo forman una espiral, espiral en la que el protagonista se encuentra en medio, lo que simboliza que está en una etapa de su vida en la que no puede salir, por ello “se debe conformar”  porque la sociedad parece como si se lo estuviera imponiendo de alguna manera.

Es cruel la escena en la que pegan violentamente al profesor Quadri y la esposa se encuentra en el interior del coche sin poder hacer nada. Y al echar a correr desesperadamente al coche de Marcello y posteriormente adentrarse en el bosque, recibir los disparos sin ningún por qué. Es un momento que se desarrolla de forma muy lenta, por los movimientos de cámara que tratan de describir la situación para que el espectador lo comprenda, pero que a la vez puede causar alguna mala interpretación de algún momento concreto,y una secuencia tan larga y tan lenta puede llegar a cansar al espectador al ver tanta violencia sin motivo alguno, más que el simple hecho de pertenecer a una ideología diferente como es el caso del profesor Quadri. Luchar activamente contra un colectivo distinto al del la sociedad en general.

La violencia por la violencia, algo demoledor de lo que está repleta nuestra historia, tanto nuestra Historia de España, como alrededor del mundo. Como bien dicen muchos filósofos: “La violencia es el miedo a las ideas de los demás”, algo que en esta película vemos perfectamente reflejado. Real como la vida misma.  O “La violencia es el último recurso del incompetente”, como muchos dirigentes políticos actuales, que utilizan la violencia como recurso para imponer sus ideas, queramos o no queramos, pero la utilizan por su egocentrismo de querer demostrar que “yo soy quien manda aquí y tenéis que acatar mis normas queráis o no”, sin tener en cuenta toda una serie de libertades y derechos como ciudadanos.

Para finalizar, podríamos decir que se trata de una película muy dura con un sector de población, puede ser una crítica desde el punto de vista de odio a lo diferente para que los ciudadanos lo acaten porque según ellos son “malos”, o bien una crítica reflejando el sufrimiento que padece este sector de población por parte de la sociedad en general o de aquellos dirigentes que se dedican a hacerles la vida imposible.  Pero lo que está claro, es que tanto en los años 70 como en la actualidad, nos encontremos en España, Italia o cualquier otro país, hay sectores de población que se dedican a hacer la vida imposible a los ciudadanos que tienen ideales distintos sobre la política, sexualidad y los valores humanos.

Fresas salvajes, Ingmar Bergman

Esta película es uno de los pilares del cine de Ingmar Bergman.   Este maestro del cine posee una determinada manera de realizar la puesta en escena, unos personajes muy parecidos, alusión a los mismos temas…  El estilo de Bergman, está más relacionado con el arte escénico, dando más importancia al rostro y la expresividad de los actores. Muchos lo consideran el paradigma del existencialismo filosófico llevado a la pantalla. Ahonda en sus películas sobre la reflexión de la existencia del ser humano, temas universales como la vida, el amor, la muerte, la soledad, la creencia en Dios. Sus películas están llenas de preguntas sin respuesta. Bergman desarrolla una poderosa abstracción lírica, para recrear una cautivadora historia de la memoria y de la existencia del ser humano, desde la alucinación y el onirismo, con un recuerdo al director sueco Victor Sjöström, maestro del cine mudo, influencia también para el propio Bergman.

Fresas salvajes cuenta la historia de dos viajes paralelos, por un lado un viaje físico, el que realiza en coche el profesor desde Estocolmo hasta Lund, donde va a recoger el premio que lo nombra doctor honoris causa; el otro de los viajes, es interior, el que el profesor emprende durante el recorrido, un viaje interior que llevará a cabo explorando y analizando toda su vida, su camino recorrido y sus relaciones frustradas con la gente de su alrededor.  Borg, decide emprender este viaje, asustado tras haber tenido la noche anterior una pesadilla en la que contempla su propio cadáver dentro de un ataúd.  La escenificación de este sueño es uno de los momentos más espeluznantes de todo el film. Las imágenes de esta secuencia, las podemos ver con una iluminación contrastada con un carácter expresionista. En este sueño, podemos ver que Borg camina por una calle solitaria, donde las ventanas están tapadas y un reloj sin agujas cuelga de la pared, igual que el reloj que coge de su bolsillo. Se trata de un símbolo, símbolo del tiempo detenido que precede a su muerte, tiempo que pierde todo sentido. En ese momento, pasa un carro movido por caballos, choca con una farola, una rueda se sale (aquí vemos un homenaje a La Carreta Fantasma de Sjöström), se cae la ataúd en el suelo, el doctor se acerca y nota que la ataúd se ha abierto, en ese momento, la persona que hay dentro  de la ataúd saca su mano, y el doctor percibe que se trata de él mismo, está contemplando su propia muerte, este transeúnte le coge su mano, el doctor se derrumba y en ese instante, se termina la pesadilla.

Los temas que marcan este drama psicológico, son la vejez, el aislamiento, la muerte, el amor, la vida, los conflictos que conforman nuestra vida actual, con algunos momentos de humor en la interacción del médico con su ama de llaves.

Mediante una serie de imágenes, vamos acompañando al profesor en un viaje externo e interno, percibiendo sus fresas salvajes en un sendero rodeado de simbologías que busca configurar el sentido del protagonista, retratando sus emociones, a base de momentos casi surrealistas con flash backs y la presencia del presente en el pasado, silencios evocativos, asombrosos sueños que se producen en impresionantes secuencias, conversaciones que apelan a las emociones, encuadres muy expresivos y sensibles planos cortos.  A lo largo del viaje, el profesor se irá conociendo a sí mismo, interiormente, y esto le enfrentará a verdades algo desagradables sobre su personalidad. Durante toda su vida, ha intentado encontrar un sentido racional a su existencia, rechazando todo sentimentalismo y centrándose en el pensamiento filosófico para dar respuesta a sus miedos. Más que atractivo, es un señor antipático que trata de huir de su miedo a una muerte que se le avecina. Se siente solo y aislado, y esta soledad es la que le lleva a plantearse la importancia del amor a las personas de su alrededor, tal y como le ocurría a Charlotte en Sonata de otoño. La soledad es el gran tema en Fresas Salvajes.

Los personajes que aparecen en esta película son numerosos, pero el peso de la historia recae en tres de ellos. Aparte del doctor Isak, serán dos mujeres las que protagonicen el retrato realizado por Bergman. La primera es Sara, representada por dos personajes distintos (Sara de la juventud de Isak y una chica joven también llamada Sara, interpretada también por Bibi Anderson) a quien Isak recoge en el trayecto. Esta Sara actual, es el reflejo de la otra, símbolo de la mujer moderna, fuerte, alegre e independiente, y Borg se enamorará de ella como un amor de juventud. Sara antigua es una chica alegre y sencilla, quien acepta la vida sin condiciones y sin cuestionarse nada. Anders y Viktor se disputan su amor, simbolizando las dos posturas de Bergman ante la religión y la fe, la del creyente Anders, preocupado por Dios y por el sentido de la vida, y la del práctico Viktor, quien renuncia a cualquier misticismo para reflexionar sobre un sentido más de la lógica. Bergman plantea esta discusión sin posicionarse, de la misma forma como venía haciendo y haría en el resto de su filmografía, concluyendo que la existencia de dios no es lo más importante, sino el amor entre las relaciones de los seres humanos.

El profesor, finalmente, encuentra descanso en su interior, y así lo demuestra cuando estando en paz consigo mismo, le afirma a su hijo que su corazón ya se encuentra perfectamente. Borg hace las paces con su propio interior y con los fantasmas de su pasado, y Bergman lo simboliza en la escena final, en la que el profesor se despide de sus padres, quienes se encuentran a la otra orilla de un lago. El profesor se despide aquí de su pasado, preparado para mirar hacia delante sin miedo.

Bergman realiza en este film un análisis de las relaciones afectivas del matrimonio. Las distintas parejas que van aparecen en toda la historia son diferentes formas de ver lo que el matrimonio y las relaciones de pareja pueden llegar a ser.  Como extremo pesimista y cruel vemos el matrimonio Alman, una pareja que sufre un accidente y lo recogen por la carretera. El marido, machista que trata de ridiculizar a su esposa anulándola como inútil. Contraria a esta pareja, aparece otro matrimonio, el dueño de la gasolinera y su mujer, prototipo de la felicidad y la alegría de vivir, aceptando la vida tal como viene.

Para dar a la expresión del actor el máximo poder posible de expresión, el movimiento de la cámara debe ser simple, y además cuidadosamente sincronizado a la acción. La cámara debe intervenir como un observador totalmente objetivo, y sólo excepcionalmente puede participar en los acontecimientos. Por lo tanto debemos recordar que el medio de expresión más bello y mejor del actor es su mirada”. Este elemento es clave en la filmografía de Bergman.

Recursos técnicos podemos ver fundidos mezclados con música que evoca a sueños relacionados con su pasado, plano contraplano,  miradas fuera de campo, iluminación contrastada. El uso de los planos cortos es en Fresas Salvajes el centro de su estilo formal, igual que en toda su filmografía. Los personajes son analizados de forma detallada por la cámara. Ésta se detiene en sus rostros y escucha sus palabras, enfatizando la expresión de los sentimientos y el estado interior de estos personajes. En las conversaciones la cámara recorre el espacio vacío e inerte que se encuentra entre los personajes. El montaje hubiera destruido esta idea, y Bergman escogió enfatizar el espacio.

En varias ocasiones, la voz del doctor narra momentos de su vida tanto si aparece en campo como si no aparece en campo. En una de las escenas en la que el doctor habla con su madre, ésta le muestra un reloj de mano y Borg se queda un poco en lapsus al ver que el reloj no tiene agujas, la música de este momento evoca al momento del principio, cuando el doctor se acerca a la ataúd y se ve a él mismo muerto,  dejando a un lado así la importancia del tiempo.  Hay muchas escenas surrealistas, como cuando aparece la niña en la cuna de noche en medio del campo llorando, la joven se acerca a calmarla y se lleva al bebe a la casa, es una situación anormal en la vida real, dado que una cuna no va a estar entre árboles. Inmediatamente después, pasan unos pájaros y el doctor se acerca a la cuna, en ese momento vuelve a sonar la misma música que se comentó anteriormente, que evoca al tiempo. Otra escena que me llama la atención se produce cuando el doctor mira por una puerta que su hijo se ha reconciliado con la mujer, ésta se toca el piano y se retiran a cenar, y mientras cenan en la mesa se produce un fundido en el cristal de la puerta que se resuelve con el reflejo de las nubes. Posteriormente, vemos al doctor mirar la luna, y al instante se dirige a la misma puerta y toca para que le abran, pero le abre un señor que lo hace pasar para hacerle un examen, en esta escena también oímos la música anterior, que resulta bastante inquietante en todos los momentos en que se repite. Parece como si todo fuese real, el doctor parece tener cara de extrañado cuando ve a los jóvenes sentados en los bancos de la sala dirigiendo sus miradas hacia él. En este examen el profesor parece presentar dificultades de comprensión, visión y lectura, todo síntoma de la edad, la memoria, la mente le falla y le parece ver personas muertas que siguen vivas, pero al espectador le queda la duda si está muerta o realmente viva.  El profesor que lo evalúa lo nombra incompetente por egoísmo, insensibilidad, falta de consideración, quejas presentadas por su esposa, llevando su esposa años muerta. El profesor acompaña al evaluador y lo lleva al lugar en que está su esposa que aparece con otro hombre, vuelve a sonar en este momento la misma música inquietante, escena que el doctor revive en su mente, que vivió en su momento y oye las palabras que repitió su esposa. Las palabra aquí cobran unas emociones espeluznantes en el espectador, ya que hacen reflexionar y cuestionarse muchas cosas del sentido de la vida y las relaciones personales con el mundo de alrededor. Después del diálogo entre Borg y el evaluador, todo termina, y vemos un fundido despertando del sueño. Todo ha sido un sueño mientras va en el coche, tal como dice: “En aquellos sueños había algo poderoso que agobiaba mi conciencia de una manera insoportable”.

En definitiva, Fresas salvajes, es un film pesimista, pero plantea un mensaje de esperanza, feliz y positivo, sellándolo  con un sentido basado en el amor hacia los seres queridos. En ciertas ocasiones, nos podemos poner en la piel del protagonista, Borg podríamos ser cualquier de nosotros, totalmente centrados en nosotros mismos, para detenernos a amar a los seres de nuestro alrededor. La muerte es la única certeza de nuestra existencia y solo ante ella el hombre percibe sus limitaciones.  El espectador tiene que entender muy bien el cine de Ingman Bergman, porque más de una escena puede llegar a confundir y provocar malas interpretaciones.

La semilla del diablo, Roman Polanski

Película de Estados Unidos, del año 1968, dirigida por Roman Polański. Protagonizada por Mia FarrowJohn CassavetesRuth GordonSidney BlackmerMaurice EvansRalph Bellamy en los papeles principales. Basada en la novela de Ira Levin.

Rosemary, es una joven ama de casa, está casada con un actor. La pareja se instala en un apartamento de la célebre Casa Bramford, un antiguo edificio de apartamentos en ManhattanNueva York. El apartamento tiene una leyenda un tanto sórdida, debido a las siniestras reputaciones de algunos antiguos inquilinos.

Rosemary es una mujer joven y alegre, totalmente dedicada a su hogar y a su marido, con quien anhela tener un bebé. Guy, por su parte, desea alcanzar el estrellato. Por circunstancias accidentadas, los Woodhouse traban amistad con un matrimonio de edad avanzada, que vive en la misma planta del edificio, y se convierten en una especie de padres sustitutos del matrimonio. Al poco tiempo, Guy y Rosemary acuerdan tener el hijo tan deseado, y planean la fecha ideal para que ella quede embarazada. Una noche, Rosemary tiene alucinaciones y pesadillas, en las que es aparentemente violada por un ente no humano. Cuando despierta, Guy se disculpa por haberle hecho el amor mientras estaba inconsciente, y ella descubre que está embarazada. Poco a poco, el matrimonio mayor vecino, se va metiendo más en sus vidas. La mujer va cada día a llevarle un ungüento que debe tomar para su embarazo, hasta que poco a poco Rosemary se va dando cuenta que con esa bebida va teniendo complicaciones y dolores muy fuertes en su embarazo. El marido hace que se vaya separando de sus amigas y pierda todo contacto con ellas. La joven decide cambiar de ginecólogo, pero su marido no la deja. Descubre que hay especie de trama de médicos brujos que parecen estar unidos, y más bien “compinchados” y apropiarse del hijo que viene en camino. Cuando el niño nace, le hacen creen que nace muerto. Pero descubre algo detrás de un armario del apartamento, que le lleva a otra vivienda, donde están celebrando el nacimiento del niño, dándole como la bienvenida al “hijo del diablo”.

Es sospechoso el trato del marido con el matrimonio mayor. En un principio no quiere ir a cenar a su casa, y posteriormente se toman muchas confianzas para llevarlos a su apartamento con su esposa. Hasta tal punto que hace que su esposa y la señora se hagan amigas, pero Rosemary a través de libros y un juego de fichas va entiendo la situación y se va haciendo una idea acerca de la brujería.  El marido hace una especie de acuerdo, que consistiría en que si tiene fama y consigue papeles en su trabajo, cuando naciera el niño se lo regalaría, convirtiéndolo así en el hijo del diablo.

La música toma un papel importante a lo largo de la historia. Es inquietante en varias ocasiones, en los que realza el miedo de los momentos más dramáticos de la película. Se oyen sonidos fuera de campo, mientras Rosemary está en la habitación durmiendo con su esposo, sonidos que provienen o de un sueño o de que alguien está en el piso de arriba haciendo algún tipo de rito en grupo.

Visualmente, los planos son sobre todo medios y cortos. No abundan los planos generales, solo para situarnos en los ambientes. Los primeros planos, sobre todo para meternos en situaciones más personales e íntimas del personaje. Se utiliza el picado y el contrapicado para mostrarnos la grandeza o la infravaloración del personaje en cuestión. Hay momentos oníricos, como cuando muestra a Rosemary en el colchón flotando en el mar, cuando sueña que es violada por el diablo, cuando sueña con la monja, sueños grotescos relacionados con el diablo y la brujería.

En definitiva, una historia compleja, con momentos confusos y desconcertantes, en los que se van descubriendo cosas que permanecen ocultas a los ojos de Rosemary. Sonidos que nos ponen la piel de gallina. Es desagradable ver a un niño, mientras se celebra su nacimiento, en una cuna de color negro, todo adorándolo y un señor haciendo fotos, me parece algo grotesca la situación. Pero sobre todo, es una película con un miedo sutil propio de un director como Roman Polanski,

Documentales de Michael Moore

Michael Moore es un cineasta documentalista y escritor, nacido en FlintMíchigan, Estados Unidos, el 23 de abril del año 1954. En su periodo de juventud, colaboró en el periódico escolar y trabajó como editor en su propio periódico. Sin embargo, encontró en el cine el mejor medio para expresar sus ideas. También realizó documentales para televisión, además de colaborar en la realización de un documental sobre los neonazis y racistas.

Es muy conocido por su mentalidad progresista y se ha ganado la fama de crítico satírico y sarcástico contra el orden de los Estados Unidos. Se propuso mostrar la cara cruel, dura y peligrosa de ese gran país, supuestamente llamado el “país de las oportunidades”.

Para algunas personas, como sobre todo los políticos o los personajes relacionados con el mundo financiero, este cineasta se ha convertido en un tipo indeseable, que va pregonando a los cuatro vientos, con un megáfono, verdades muy incómodas y que dejan en vergüenza al gobierno, así como sacar a la luz trapicheos del gran poder, indecentes, pero que son reales.

Su estilo se basa en mostrar la gran realidad de este país y dejar al descubierto ante el mundo, las consecuencias de las acciones deliberadas y por conveniencia, tomadas por los políticos y los poderosos de Estados Unidos.

Gracias a las fuertes críticas que recibe a sus discursos audiovisuales, hizo que se hiciera un personaje polémico, y la venta de sus libros y las entradas de sus Films, aumentaron considerablemente.

Algunos críticos atacan a Moore porque supuestamente es un egoísta que suele a “vanagloriarse”, pero no son más que reacciones enfurecidas, ya que el director, se ha atrevido a desafiar a las autoridades y ha ayudado a revelar que existe una gran masa de simpatizantes que han sido reprimidos y a quienes no se les ha permitido expresar sus sentimientos.

Hace poco se publicó un libro criticando a Moore titulado “Michael Moore is a Big Fat Stupid White Man” (“ichael Moore es un gordo blanco y estúpido’) y en una película aún no estrenada llamada “Michael Moore Hates America”(‘Michael Moore odia a América’). Igualmente, sus obras han sido un objetivo importante de análisis, acusándoles de que numerosas informaciones de sus documentales son falsas o están distorsionadas.

En este trabajo, vamos a realizar un análisis sobre algunos documentales del cineasta Michael Moore. He escogido este director porque me resultan interesantes sus proyectos audiovisuales de crítica a la sociedad, sobre todo a Estados Unidos, dedicándose a temas, como la política del ex presidente de Estados Unidos, George Bush, violencia armada, invasión de la paz, sanidad, entre otros.

  • Bowling for Colombine

En su documental “Bowling for Colombine”, presenta un análisis de la cultura relacionada con las armas en Estados Unidos. Tuvo mucha polémica en los estudios de Hollywood al ganar algún Oscar y varios premios en Festivales de cine. Esta polémica también fue generada al criticar al que en esos momentos era presidente de este país, y tuvo la oportunidad de denunciar George Bush.

En este documental, como en otros muchos, vemos al propio Michael Moore inmiscuirse entre los ciudadanos con su cámara, para ir preguntando y observar de primera mano, cuáles son las sensaciones y emociones de la gente ante el tema de la agresividad y la violencia. La temática de este documental es el uso de las armas, tanto sus ventajas de defensa personal como sus inconvenientes de uso inadecuado de menores. Muestra casos de sucesos de asesinatos en Colombine. Presenta casos de menores de edad que llevan armas al colegio, así como asesinatos que se han producido a causa del uso de estas armas en centros escolares.

Hace una crítica a una asociación que defiende el uso de las armas para la defensa personal, y acude a casa de su presidente a hacerle unas preguntas sobre el tema de la niña que murió a causa del uso de las armas.

También, Moore entrevista a un cantante de un grupo de Rock and Roll para saber su opinión acerca de este tema y su visión de la sociedad de consumo actual, ya que tuvo que cancelar un concierto a causa de los fallecidos en el colegio de Colombine.

Vemos imágenes de archivo de películas, videojuegos, en las que utilizan armas, agresividad, así como imágenes de las conquistas de indios y cowboys del oeste, imágenes de recurso del exterminio de la época nazi, con Adolf Hitler, en blanco y negro. Los creadores de la serie South Park, también originarios de Columbine, dieron visión, no solo de la cultura armamentista, si no además de la decadencia de la sociedad estadounidense causada por el miedo, manipulación y represión por parte de los medios de comunicación incluso de la misma comunidad en general, hechos que los llevaron a crear esta serie satírica que hoy en día goza de fama mundial. También se muestra un segmento animado donde se describe un breve resumen de la historia norteamericana, centrándose en los antiguos peregrinos, quienes al sentirse impotentes, llevaron al territorio a un estado total y constante de miedo desde la llegada de los colonos hasta las casi la actualidad, pasando por la época de la guerra civil y la esclavitud junto con el empresario armamentista de la época, Samuel Colt. 

Moore entrevista a jóvenes, policías, para ir contrastando lo que piensan los diferentes colectivos de la sociedad americana acerca de las armas y la violencia, en algunos casos extrema, que ejercen en ciertas partes de Estados Unidos, así como a personas de algunos puntos de Canadá, para saber su opinión sobre sus vecinos estadounidenses y su gobierno.

La música en ciertas partes del documental nos transmite esa sensación de tristeza ante las muertes provocadas por el hecho del uso generalizado de las armas en todo el país. La pena y el sufrimiento de familiares que han pasado el dolor de perder sus hijos ante esta catástrofe, producida por la violencia ejercida por la juventud, promovida tal vez por la violencia vivida en sus hogares, por el cine, videojuegos, o por los medios de comunicación de masas en general, que venden sobre todo que sin un arma no se es nada, y que hay que ser agresivo o violento para defenderse. Sin darse cuenta, que al mismo tiempo que se es agresivo para defenderse uno por necesidad, se está agrediendo a personas que no tiene culpa de nada.

Como dije anteriormente, critica una asociación que defiende el uso de las armas, a favor de la propia libertad de la persona y de su defensa individual. Respecto a esto creo, que al mismo tiempo que defiende la libertad de la persona, está fallando a la libertad de los demás, ya que la libertad de uno termina donde empieza la del otro, y el uso de un arma es un hecho que arriesga la vida de muchas personas, no solo la de uno. Individualmente se debe estar capacitado tanto física como psicológicamente para hacer uso de este instrumento de defensa.

Me resulta interesante, cómo refleja en el documental, que a partir de lo sucedido el 11 septiembre de 2001 en las torres gemelas, la gente se ve más necesitada de protección, ya que el miedo empezó a apabullar a la gente, miedo a todo lo relacionado con la cultura musulmana, hasta el punto que las empresas se empezaron a beneficiar de ello, convirtiéndolo en un negocio con bastantes ingresos, como es la venta de armas.

El propio Moore se presenta con personas afectadas por las armas, ante una asociación, con personas realmente afectadas y con gran discapacidad en partes de su cuerpo, debido a las balas que tienen dentro, y por lo que no pueden llevar una vida normal.

Vemos cierta crítica, cuando muestra entrevistas que hace y las respuestas que recibe, de personas adineradas y con cierto status económico en el país. La gente con dinero, que no se preocupa por las cosas realmente importantes del país y explotan a la clase proletaria.

Según mi punto de vista, me resulta indignante como un presidente de un país, se preocupa más de mandar tropas a otros países para hacer la guerra, mientras que no cuida a la gente de su propio país, habiendo madres solteras, que tienen que dejar a sus hijos descuidados en casa, para salir a trabajar y tener dos trabajos para poder sobrevivir, es ahí donde empieza la violencia, ya que son los propios niños los que, al no saber qué hacer estando solos en casa, deben educarse solos, y en cierto sentido, comienzan con la violencia vista en televisión, sin ningún tipo de restricciones.

  • Farenheit 9/11

En otro de sus documentales, como es “Fahrenheit 9/11”, habla de los vínculos económicos, entre las familia del presidente Bush y la familia Bin Laden, las supuestas motivaciones financieras escondidas, de la invasión de Irak en 2003 y la supuesta credibilidad y ausencia de crítica del ciudadano medio americano.

Tuvo gran éxito, aunque la cadena distribuidora se negó a distribuir la obra, pero al ganar la Palma de Oro, varias pequeñas productoras aceptaron su distribución el día en el que Moore había elegido, como fue un 4 de julio, coincidiendo con la Independencia de Estados Unidos.

En este documental vemos menos la aparición física de Moore, aunque sabemos que es él quien realiza los comentarios. Critica la forma en la forma en la que aprobaron la legislación de Bush, y que ante esta problemática, huyó y se fue de vacaciones.

Me resulta gracioso el momento en que Michael Moore se dirige a Bush y éste le dice que se busque un trabajo de verdad, cuando es el propio presidente quien no hace nada por el país. Creo que es indignante la actuación de Bush cuando se le informa que un avión se ha estrellado contra una de las torres gemelas, y él ignora esto y se dirige a realizar su sesión de fotos promocionales.

Moore explica que el gobierno de Bush, tras el 11 de septiembre, trató convencer de forma intencionada, a la población de que el régimen de Saddam Hussein tuvo algo que ver en ese ataque terrorista. Pero bien se sabía que esta conexión era una ficción y que Irak nunca había atacado a Estados Unidos. El cineasta no pierde la oportunidad y tuvo tiempo de sacar a la luz cómo el gobierno de Bush intentó utilizar las trágicas muertes en Nueva York y en Washington para justificar sus nefastos planes políticos.

Respecto a la técnica de documental, se podría decir que utiliza imágenes de archivo, entrevistas tanto a profesionales como ciudadanos afectados de alguna forma, mapas explicativos para situar al espectador en el contexto, imágenes de archivo de los atentados en las torres gemelas. Podemos ver la indignación de los afroamericanos en Estados Unidos al sentirse desprotegidos e ignorados por parte de los políticos, senadores y demás personas con cargos gubernamentales.

Por otro lado, observamos que animan a la juventud a iniciarse en las fuerzas armadas para proteger a su comunidad, además para ganar dinero para sus estudios. El mandar a los jóvenes a la guerra con la ilusión de defender a su nación, es hacer que destruyan su juventud y esa parte de la vida que todo ser humano tiene derecho a vivir dignamente, y no matando criaturas para supuestamente conseguir la paz, utilizan sobre todo a personas pobres, que saben que son más solidarias y lo dan todo por su país, los más indefensos y necesitados. Se priva a la gente de su propia libertad de elección, mandándoles a la guerra o ir a la cárcel. Moore atravesó por las amargas experiencias de la clase obrera en Flint.

La música es introducida sobre todo en los momentos en los que vemos a George Bush, para darnos a entender el mundo de fantasía y de “sueño americano” en el que vive, evadiendo todo lo importante de país, mientras se va de vacaciones. Música de tristeza donde apela la sensibilidad del espectador, y sentir el miedo que tienen las personas a la guerra, pero que aún así el presidente ignora o se hace el desentendido para no preocuparse de lo verdaderamente importante.

  • Sicko

Otro de sus documentales es “Sicko”, que presenta un fuerte retrato del sistema de salud americano, una crítica a la industria médica y farmacéutica, así como un retrato de las necesidades que atraviesan la mayoría de los pacientes en Estados Unidos. Comparándolo con la sanidad en otros países como son Francia, Gran Bretaña, e incluso Cuba, países tan criticables por los americanos en ciertos puntos políticos, pero que a la hora de la sanidad apoyan más a sus enfermos y pacientes, y no mueven a los médicos a trabajar de una forma tan movida por los salarios, sino más por el respeto a los pacientes y a utilizar sus conocimientos médicos para ayudarlos de forma positiva.

Vemos diferentes personas, cada una con una historia distinta por la cual las diferentes compañías se niegan a hacerles un seguro médico, por diferentes causas, a veces injustificables.

La música del inicio hace sentir al espectador la ilusión y la alegría por el sueño americano, familias felices. Muestra una realidad cruda, pero que al fin y al cabo es la realidad, a la que todo americano indefenso o sin recursos suficientes debe enfrentarse. Como por ejemplo, nos muestra, bebés pequeños, con diferentes problemas de salud, que están incluso para morirse, y los hospitales y las urgencias se niegan a visitarlo hasta saber si el seguro médico lo cubre. Compañías que se niegan a darle a personas más de una sesión de quimioterapia, tras ser operado de cáncer, cuando lo conveniente es al menos 2 o 3 al mes, y se niegan a dárselas por cuestiones de seguro médico.

En ocasiones, las personas que trabajan para hacer los seguros médicos, se encuentran impotentes durante la entrevista con las personas que van a hacerse su póliza de seguros, porque saben que se les van a negar por cualquier mínima cuestión incoherente. La lista de enfermedades y problemas de salud que no se deben tener para obtener este seguro es interminable, y en ocasiones es incomprensible. Por ejemplo, si se mide 1,59 y se pesa 80 kilos ya niegan el seguro porque se es demasiado gordo, o si alguien mide 1,80 y pesa 40 kilos, también les niegan el seguro, porque es demasiado delgado, cuestiones a veces ilógicas. Los seguros recurren a buscar problemas del pasado que ya no se tienen, no tienen nada que ver con la situación de salud actual y se les da relevancia a la hora de hacerse un seguro. Innumerables seguros médicos, venden muy bien sus servicios por Internet o por televisión, pero a la hora de la verdad, no cumplen con lo que prometen ni cubren todos los servicios necesarios básicos para la salud, y básicamente si uno no tiene dinero, se muere y nadie mueve un solo dedo.

Michael Moore se traslada a otras partes del mundo, como son Francia, Canadá y Gran Bretaña, para comparar como es el seguro médico de salud y la sanidad en general, en estos países, completamente diferentes al de Estados Unidos, en todos los sentidos.

Moore se sorprende ante algunas situaciones relacionadas con el servicio de salud en otros países, e incluso se piensa que le están tomando el pelo en varias ocasiones. Realiza entrevistas a profesionales de la salud de otros países, para contrastar como los médicos de otras naciones cuidan y se preocupan más por la salud de sus pacientes.

La música que oímos cuando Moore está en Gran Bretaña, recuerda a la Familia Real. Vemos alguna que otra imagen en blanco y negro, que recuerda a alguna película. También, observamos imágenes aceleradas, para mostrar la rapidez o la velocidad con la que hacen las cosas.

En una ocasión, el cineasta es testigo de la atención urgente a varios pacientes en una noche. Durante el paseo de Moore por Paris oímos música en francés, lo que ya sitúa al espectador en el país en el que se encuentra el director.

En contraste con estos países, vuelve a Estados Unidos, donde algunos hospitales toman la iniciativa de abandonar a los pacientes mayores que no tienen recursos, pagándoles un taxi y dejándolos en cualquier sitio en la calle, en estos momentos oímos música de tristeza, lo que puede hacer sentir emoción en el espectador, ante esta situación tan denigrante y frustrante.

De nuevo como en otros documentales anteriores, vemos a George Bush. Moore acompaña a afectados por el 11-S a ir a Cuba, como último recurso, para ver si en este país pueden hacer algo por su salud, debido a las repetidas negativas que les presentan en Estados Unidos para ayudarles con los problemas que les ocasionó el salvar vidas durante los atentados de las torres gemelas.

Al llegar este país, no se creen tanta amabilidad y respeto por parte de todo el mundo, ya que en Estados Unidos mostraba Cuba como el país más malvado de todo el mundo. Vemos imágenes en blanco y negro en momentos en los que sale Fidel Castro, como el enemigo odiado por todos.

En este documental, los planos cortos de los afectados intentan que el espectador se meta en la vida de las personas afectadas, y hacen que el que lo este viendo comprenda el sufrimiento y el dolor de estas víctimas.

  • “Capitalismo, una historia de amor”

Este documental, que ganó dos premios en el Festival de Venecia, es un análisis sobre la crisis mundial desde lo más profundo de las grandes asociaciones y entidades norteamericanas y sus filosofías empresariales. Aunque también es un retrato de las familias que lo han perdido todo.

Moore muestra su sarcasmo habitual para “atacar” a políticos e instituciones financieras, atacando al capitalismo paso a paso y buscando las claves de la pésima situación económica en todo el mundo.

En el documental, vemos cómo el sueño americano se va evaporando, mientras muchas familias pierden sus puestos de trabajo, sus casas y los ahorros de toda su vida a costa de las ganancias de aquellos ambiciosos que solo viven por y para el dinero.

Para sacar a la luz a los verdaderos culpables de esta crisis planetaria, Michael Moore se adentra en los diferentes estratos sociales de Estados Unidos, desde las viviendas más humildes, hasta los pasillos gubernamentales de Washington. El documental cuestiona cuál es el precio que tiene que pagar el país más poderoso del mundo, por su amor al capitalismo.

Con su gran sentido del humor y crítica, Moore nos va fotografiando y mostrando las miserias, y sacando los colores a los políticos bandidos habituales, y lo hace comunicando el mensaje con mucha habilidad.

Vemos que realiza entrevistas a actores y profesionales de áreas concretas, imágenes de archivo de diferentes películas, tanto en blanco y negro como en color, acontecimientos concretos, y cómo no, vemos imágenes de George Bush en sus conferencias, tan repetida en casi todos sus documentales. Imágenes de la Iglesia Católica, sacerdotes, curas y obispos. También nos muestra imágenes de una película de Jesucristo manipuladas, lanzando proclamas neoliberales, en la que se confiesa capitalista, y que no curará al señor enfermo ya que tendría que pagarlo de su bolsillo. Me llama la atención la sobreexposición de imágenes, en la posproducción, de Cristo y un Congreso de diputados de políticos o gentes de la bolsa.

Vemos anuncios que nos venden la felicidad de tener dinero y lujos, imágenes de masas que se manifiestan tanto en las calles con pancartas como en lugares cerrados, así como personas que acuden a las conferencias del nuevo presidente de Estados Unidos, Barack Obama, con promesas de cambio en la sociedad americana, cantidad de afroamericanos luchando por sus derechos en las calles.

Fuentes bibliográficas:

http://www.michaelmoore.com

http://www.cosasdelcine.es/nuevo-documental-michael-moore/

http://www.cubaperiodistas.cu/noticias/noviembre10/26/05.htm

http://www.bolpress.com/art.php?Cod=2010112509

http://www.rebelion.org/autores.php?id=52

http://www.liberalismo.org/articulos/108/michael/moore/

http://www.labutaca.net

http://www.filmaffinity.com

http://www.elmundo.es

http://www.elpais.com/todo-sobre/persona/Michael/Moore/2522/

http://www.educared.org.ar/enfoco/ppce/escenarios/07_Integracion/propuestas_culturales.asp

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